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Notes de cours, aide-mémoire
Histoire de la culture mondiale et nationale. Notes de cours : brièvement, les plus importantes
Annuaire / Notes de cours, aide-mémoire table des matières
Introduction à l'histoire culturelle Avant de parler de l'histoire de la culture, il est nécessaire de révéler le contenu du concept principal du sujet. À ce jour, il existe au moins 1 000 définitions du concept de « culture ». Le mot "culture", en outre, a plusieurs significations dans la langue russe. Peut-être que la plus simple et en même temps la plus complète est la définition suivante (définition): "Culture" est tout ce qui a été créé par l'homme, car les animaux n'ont pas de culture. La culture est le produit de l'activité exclusivement humaine." Par le terme "culture", nous entendrons non seulement toutes les valeurs matérielles, mais aussi spirituelles créées par une personne à une période spécifique de son existence et sur un certain territoire, ainsi que l'esprit d'une époque, d'une nation (ce est généralement désigné par le mot mentalité). Cela nous donnera le droit de classer la culture mondiale selon les principes suivants : 1. Selon des caractéristiques temporelles (culture ancienne, médiévale, moderne, etc.) 2. Sur une base territoriale (culture arabe, chinoise, etc.). Le but de ce manuel est de familiariser le lecteur avec l'histoire de la culture mondiale, certains termes que toute personne éduquée devrait connaître, ainsi que de donner une idée des spécificités et des modèles de développement des cultures du monde, de mettre en évidence les valeurs qui dominent dans une culture particulière, leur sens et leur signification. Malheureusement, nous ne pourrons pas considérer la culture mondiale dans son intégralité dans le cadre de ce manuel. Ses pages les plus intéressantes, telles que la culture des Indiens d'Amérique, la culture africaine, etc., resteront en dehors d'elle, mais nous espérons que ce manuel trouvera une application dans le processus éducatif et deviendra une incitation à l'épanouissement de soi. connaissances. CONFÉRENCE N ° 1. Culture de la Russie antique 1. Culture de la période païenne L'histoire de l'ancien État russe a commencé bien avant l'adoption du christianisme. La culture chrétienne de la Russie était basée sur la couche païenne de la culture. Les premières informations sur l'ancienne culture russe sont contenues dans le Conte des années passées, la première chronique panrusse significative. Il y est rapporté que le prince Vladimir le Saint voulait créer un panthéon de dieux païen panrusse. Le dieu principal des Russes est Perun le Tonnerre. On croyait qu'il vivait dans des endroits élevés, était représenté comme un cavalier et avait des attributs - le tonnerre et la foudre, une hache. Le "dieu du bétail" Beles occupait également une position importante (le bétail à l'époque était identifié avec de l'argent). Le temps était contrôlé par Stribog (dieu du vent) et Dazhdbog (dieu du soleil). La divinité féminine - Mokosh la fileuse - la déesse du destin (fil - destin) était d'une importance considérable. Le dieu le plus gai et le plus sauvage est le dieu de la fertilité Yarilo. L'épopée prend peu à peu forme. Ses intrigues ont été conservées principalement dans des épopées enregistrées plusieurs siècles plus tard ("Mikhailo Potok", "Danube", "Volga et Mikula", sur les héros Dobrynya Nikitich et Ilya Muromets). La caractéristique la plus importante de la culture est sans aucun doute l'art de bâtir, c'est-à-dire l'architecture. Pas étonnant qu'ils disent que l'architecture est l'âme du peuple, incarnée dans la pierre. Pendant de nombreuses années, la Russie a été un pays de bois et son architecture, ses chapelles païennes, ses forteresses, ses tours et ses huttes ont été construites en bois. Dans l'arbre, les Russes, comme les peuples vivant à côté des Slaves orientaux, ont d'abord exprimé leur perception de la beauté de l'architecture, le sens des proportions, la fusion des structures architecturales avec la nature environnante. Si l'architecture en bois remonte principalement à la Russie païenne, l'architecture en pierre est associée à la Russie chrétienne. L'Europe occidentale n'a pas connu une telle transition, puisque dès l'Antiquité elle a construit à la fois des temples et des habitations en pierre. Malheureusement, les anciens bâtiments en bois n'ont pas survécu à ce jour, mais le style architectural du peuple nous est parvenu dans des structures en bois ultérieures, dans des descriptions et des dessins anciens. L'architecture russe en bois se caractérisait par des bâtiments à plusieurs niveaux, les couronnant de tourelles et de tours, la présence de divers types de dépendances - cages, passages, auvents. La sculpture sur bois complexe était une décoration traditionnelle des bâtiments en bois russes. La Russie païenne a connu la peinture, la sculpture, la musique, mais dans une expression exclusivement païenne, folklorique. Les anciens sculpteurs sur bois, les tailleurs de pierre ont créé des sculptures en bois et en pierre de dieux et d'esprits païens. Les peintres ont peint les murs des temples païens, ont fait des croquis de masques magiques, qui ont ensuite été fabriqués par des artisans; des musiciens, jouant des instruments à cordes et à vent, divertissaient les chefs tribaux et divertissaient les gens ordinaires. 2. La vie de la Russie La culture du peuple est inextricablement liée à son mode de vie, sa vie quotidienne, tout comme le mode de vie du peuple, déterminé par le niveau de développement de l'économie du pays, est étroitement lié aux processus culturels. Tous les témoignages des contemporains indiquent que Kyiv était une grande et riche ville. Pas étonnant que la fille de Yaroslav le Sage, Anna Yaroslavna, qui a épousé le roi de France au XIe siècle, ait été surprise par la province de la capitale française. A Kyiv, les églises au dôme doré brillaient de leurs dômes, les palais de Vladimir, Iaroslav le Sage, Vsevolod Iaroslavitch frappaient avec grâce; Cathédrale Sainte-Sophie, le Golden Gate - symbole des victoires des armes russes, surpris par la monumentalité, de magnifiques fresques. Les maisons étaient décorées de tapis et de tissus coûteux. Depuis les murs de la forteresse de la ville, on pouvait voir dans les buissons verts les églises en pierre blanche des grottes et d'autres monastères de Kyiv. Dans les palais, riches manoirs boyards, la vie continuait. Des justiciers étaient stationnés ici, d'innombrables serviteurs entassés. De là venait l'administration des principautés, ici ils jugeaient et s'habillaient, le tribut et les impôts étaient apportés ici. Les festins se tenaient souvent dans les couloirs, dans des grils spacieux, où le vin d'outre-mer et leur miel indigène coulaient comme une rivière, les serviteurs portaient d'immenses plats avec de la viande et du gibier. Les femmes étaient assises à table sur un pied d'égalité avec les hommes. Les harpistes ravirent les oreilles d'invités éminents, chantèrent pour eux; de grands bols, des cornes avec du vin allaient en cercle. Les passe-temps favoris des riches étaient la fauconnerie et la chasse au faucon. Des courses, des tournois, des jeux divers ont été organisés pour les gens ordinaires. Les bains faisaient partie intégrante de la vie russe antique. En bas, sur les rives du Dniepr, une joyeuse vente aux enchères de Kyiv était bruyante, où des marchandises et des produits étaient vendus non seulement de toute la Russie, mais aussi du monde entier d'alors, y compris l'Inde et Bagdad. Des centaines de grands et petits navires se pressaient sur les quais du Dniepr. Il y avait aussi d'énormes bateaux princiers à plusieurs rames et à plusieurs voiles, et des bateaux vifs et agiles. Lors des longues soirées d'hiver, à la lueur des torches, les femmes filaient, les hommes buvaient des boissons enivrantes, du miel, se souvenaient des jours passés, composaient et chantaient des chansons, écoutaient des conteurs et des narrateurs d'épopées. CONFÉRENCE N° 2. Culture chrétienne de Russie 1. Réalisations de la culture chrétienne de Russie Au moment de l'adoption du christianisme, la Russie était déjà un pays doté d'une culture particulière. L'artisanat et les techniques de construction en bois ont atteint un niveau élevé. Au plus tard à la fin du IXe - début du Xe siècle. Les alphabets slaves - cyrillique et glagolitique - se répandent en Russie. Créés dans la seconde moitié du IXe siècle par les frères Cyril (Konstantin) et Methodius et ayant une distribution initiale dans l'État slave occidental de Grande Moravie, ils pénètrent rapidement en Bulgarie et en Russie. Le premier monument russe de l'écriture slave est le traité russo-byzantin de 911. L'apparition en Russie après l'adoption du christianisme de la littérature en langue slave, d'une part, et la complication de la vie sociale avec le développement des relations féodales, la formation d'une structure étatique, d'autre part, ont contribué à la diffusion généralisée de l'alphabétisation. Une preuve claire de cela est les lettres d'écorce de bouleau - des lettres sur l'écorce de bouleau de divers contenus (principalement commerciaux). Ils ont été découverts lors de fouilles déjà dans neuf anciennes villes russes (la majeure partie des découvertes provient de Novgorod). Au XI - début XII siècles. un grand nombre d'ouvrages traduits (principalement du grec) à contenu religieux et profane sont distribués en Russie. Ces derniers comprennent notamment des écrits historiques, parmi lesquels on peut distinguer la traduction de la Chronique byzantine de George Amartol. Dans le même temps, la formation de la littérature originale a lieu. La première des œuvres de la littérature russe ancienne qui nous soit parvenue est le "Sermon sur la loi et la grâce" d'Illarion. Il a été écrit au milieu du XIe siècle. Le métropolite Hilarion, le premier (et le seul de la période allant de l'adoption du christianisme au milieu du XIIe siècle), russe d'origine, chef de l'Église russe. (Depuis 1051, nommé par Yaroslav le Sage sans l'approbation du patriarche de Constantinople, et, peu après la mort de Yaroslav, contraint de quitter ce poste). L'idée principale du "Sermon sur la loi et la grâce" est l'entrée de la Russie après l'adoption du christianisme dans la famille des peuples chrétiens, dans laquelle l'auteur voit le mérite du prince Vladimir et de son fils Yaroslav, qui ont poursuivi les travaux de répandre la nouvelle foi. Dans le même temps, le passé préchrétien de la Russie aux yeux d'Illarion ne ressemble pas à un "âge sombre", au contraire, il souligne que Vladimir, son père Svyatoslav et son grand-père Igor "n'ont pas régné sur une terre mince et inconnue , mais en russe, qui est connu et entendu aux quatre coins de la terre". Dans la seconde moitié du XI - le début du XIIe siècle. en Russie, un certain nombre d'œuvres originales sont apparues, parmi lesquelles se distingue un cycle de légendes sur les premiers saints russes - les princes Boris et Gleb et la "Vie" de l'abbé du monastère de Kiev-Pechersk Théodose, écrite par le moine de ce monastère Nestor. 2. Chronique de genre La place la plus importante dans la littérature russe ancienne est occupée par le genre chronique. Certains chercheurs pensent que son apparition peut être attribuée à la fin du Xe siècle, lorsque le premier code annalistique a été créé. Le Conte des années passées déploie un large canevas de l'histoire russe, considérée comme faisant partie de l'histoire mondiale (histoire biblique et romano-byzantine). L'auteur a utilisé un certain nombre de sources byzantines traduites, des légendes orales (sur la fondation de Kyiv, sur l'appel des princes varègues, sur la princesse Olga et un certain nombre d'autres: œuvres appartenant à la main du prince Vladimir Monomakh - "Enseigner aux enfants" et une liste de "chemins" - campagnes et voyages que Monomakh a commis au cours de sa vie). 3. Construction d'églises De Byzance, la Russie a adopté la construction de ses églises à l'image du temple à coupoles croisées des Grecs : un carré divisé par quatre piliers en forme la base ; les cellules rectangulaires adjacentes à l'espace du dôme forment une croix architecturale. Les premières églises russes, dont l'église des Dîmes, à la fin du Xe siècle. ont été construits par des maîtres grecs dans le strict respect des traditions byzantines, mais la cathédrale Sainte-Sophie de Kyiv reflétait une combinaison de traditions slaves et byzantines: treize dômes joyeux du nouveau temple ont été placés sur la base de l'église à coupoles croisées. Cette pyramide à degrés de la cathédrale Sainte-Sophie a ressuscité le style de l'architecture russe en bois. La cathédrale Sainte-Sophie, créée au moment de l'affirmation et de l'essor de la Russie sous Iaroslav le Sage, a montré que la construction est aussi politique. Avec ce temple, la Russie a défié Byzance, son sanctuaire reconnu - la cathédrale Sainte-Sophie de Constantinople. 4. L'art religieux L'Église chrétienne a introduit un tout autre contenu dans la peinture, la sculpture et la musique. L'art de l'église est subordonné à l'objectif le plus élevé - chanter le Dieu chrétien, les exploits des apôtres, des saints, des chefs d'église. Il a été créé principalement selon les canons de l'église, où tout ce qui contredisait les principes chrétiens les plus élevés était supprimé. Ascèse et rigueur dans la peinture (peinture d'icônes, mosaïques, fresques), sublimité, "divinité" des prières et des hymnes de l'église grecque, le temple lui-même, qui devient un lieu de communication priante des gens - tout cela était caractéristique de l'art byzantin. Si tel ou tel thème théologique religieux était une fois pour toutes strictement établi dans le christianisme, alors son expression dans l'art, de l'avis des Byzantins, n'aurait dû porter cette idée qu'une fois pour toutes d'une manière établie; l'artiste est devenu un exécuteur obéissant des canons dictés par l'église. CONFÉRENCE N ° 3. La culture russe de l'ère de la fragmentation 1. Caractéristiques générales de la culture de l'ère de la fragmentation 1. L'ère de la fragmentation couvre les XII-XV siècles. Histoire russe et début du XVIe siècle. Pour la culture spirituelle russe du milieu des XIIe-XIIIe siècles. l'émergence de centres culturels originaux dans différentes régions de Russie est caractéristique. Le rôle principal dans ce processus a été joué par des principautés grandes et fortes, telles que: 1) Galice-Volyn ; 2) Vladimir-Souzdal ; 3) Veliki Novgorod. Vers le milieu du XIVe siècle. Gagner en force dans la lutte pour le pouvoir, une nouvelle principauté dans l'arène politique - Moscou. Les annales sont largement développées. Tous les monuments sérieux dans le domaine de la culture matérielle et spirituelle du XIIIe siècle. après l'invasion mongole-tatare n'a pas été préservée. De la seconde moitié du XIIIe siècle. Par rapport à la période précédente, un nombre insignifiant d'annales est paru, et elles se distinguent par une présentation plus concise et sèche que les annales des périodes précédentes. La littérature se développe activement. Avant la bataille de Kulikovo, l'histoire "À propos de la bataille de Kalka", "L'histoire de la dévastation de Ryazan par Batu", des histoires sur Alexandre Nevsky étaient largement utilisées. La littérature d'église ("hagiographique") s'est également répandue. La "Vie" de Dmitry Donskoy révèle le profond patriotisme et l'unité du peuple russe. Écrivains d'église talentueux Pakhomiy Logofet, Épiphane le Sage a compilé les biographies des plus grandes personnalités de l'Église de Russie: le métropolite Pierre, qui a transféré le centre de la métropole à Moscou, Sergius de Radonezh, le fondateur du monastère Trinity-Sergius. Dès le début du XIVe siècle. il y a eu un nouvel essor de la culture dans les terres russes, qui s'est poursuivi au cours des XIVe-XVe siècles. Les grandes villes de Russie ont été agrandies et restaurées. En 1408, le code de la chronique panrusse a été compilé. En 1442, le premier chronographe russe, compilé par Pachomius Logofet, est apparu - une histoire mondiale qui comprenait l'histoire de la Russie. La construction en pierre et la peinture d'église continuent de se développer. En architecture, il y a une combinaison de traditions locales, de formes empruntées à Byzance et d'éléments du style roman d'Europe occidentale. 2. Culture de la Russie de Vladimir-Souzdal Le premier prince indépendant de Vladimir-Souzdal était le fils de Vladimir Monomakh, Yuri Dolgoruky. Dans le nord-est de la Russie, une œuvre remarquable de la littérature russe ancienne a été créée - "La Parole de Daniel l'Aiguiseur". Pendant de nombreux siècles en Russie, l'art de la sculpture sur bois, et plus tard - la sculpture sur pierre, s'est développé et amélioré. La sculpture sur pierre blanche de la Russie de Vladimir-Souzdal sous le règne d'Andrei Bogolyubsky et de Vsevolod le Grand Nid, clairement exprimée dans les décorations des palais et des cathédrales, est devenue une caractéristique remarquable de l'art russe ancien. En même temps que l'église de la cour, Yuri Dolgoruky a fondé la cathédrale de la Transfiguration (1152-1157) dans la ville de Pereslavl-Zalessky fondée par lui. Le successeur de Yuri, le prince Andrei, décida de faire de la jeune ville de Vladimir la capitale de la principauté dont il avait hérité. Sous Vladimir, Andrei a fondé une ville fortifiée appelée Bogolyubov, et lui-même a reçu le surnom de Bogolyubsky. Andrei ne voulait pas posséder Kyiv : il rêvait de faire de Vladimir un nouveau Kyiv, qui ne serait pas inférieur au célèbre modèle. A Vladimir, dans la cour princière, il y avait l'église du Sauveur, ils sont entrés dans la ville par la porte dorée (1164). La nouvelle cathédrale de l'Assomption de Vladimir (1158-1160), fondée par Andrei, a dépassé toutes les cathédrales de Sainte-Sophie en Russie en hauteur. Les murs et les piliers étaient plus minces que dans les bâtiments de Yuri Dolgoruky; au lieu de saillies-lames s'étendant le long du mur, des demi-colonnes plates à 4 côtés ont été construites. Pour la première fois, les citoyens de Vladimir ont vu des reliefs en pierre sculptés. Sur l'un d'eux, des griffons (créatures fantastiques avec un corps de lion, une tête et des ailes d'aigle) ont élevé Alexandre le Grand au ciel. À Bogolyubovoye, il y a un bâtiment qui est devenu un symbole de l'architecture russe ancienne - la célèbre église de l'Intercession sur la Nerl (1165). Le prince a ordonné de le mettre où r. Le Nerl se jette dans la Klyazma, en mémoire de son fils, le jeune Izyaslav, mort au combat contre les Bulgares de la Volga. 3. Culture de Veliky Novgorod Pendant plusieurs siècles, Novgorod la Grande a été la "deuxième capitale" de la Russie après Kyiv. Cette ville était célèbre pour sa population et sa richesse. Les princes de Kyiv "placèrent" leurs fils aînés sur le trône de Novgorod. Les documents sur l'écorce de bouleau de Novgorod qui ont survécu à ce jour témoignent de la présence d'un haut niveau d'alphabétisation parmi la population urbaine. À Novgorod, une version originale d'une église orthodoxe est présentée, et bien qu'elle soit moins liée à l'incarnation de la conscience architecturale byzantine qu'à Kyiv, par son expressivité et sa brièveté, elle est liée à la nature de la nature nordique. Dans la seconde moitié du XIIIe siècle. à Novgorod, la construction en pierre s'est arrêtée. La ville a échappé à l'invasion mongole-tatare, mais a été forcée de repousser l'assaut des Allemands et des Suédois, puis d'assumer une part équitable des paiements de l'hommage de la Horde. Tver et Novgorod furent les premières à reprendre la tradition de la construction en pierre. Déjà en 1292, les Novgorodiens ont commencé à construire l'église Saint-Nicolas sur Lipna, et au 1360ème siècle, un certain nombre d'églises ont été construites sur les terres de Novgorod, qui sont maintenant considérées comme des créations remarquables de l'architecture russe ancienne. Parmi eux se trouvent les églises de Fyodor Stratilat sur le ruisseau (1374) et l'église du Sauveur sur la rue Ilyina (XNUMX). 4. Créer un style spécial de construction de temples Dans la seconde moitié du XIII - le milieu du XIVe siècle. Les maîtres de Novgorod ont créé un style particulier de construction de temples. La petite taille des églises n'était pas seulement dictée par le fait que les fonds du trésor de la ville n'étaient plus utilisés pour les constructions d'églises. Les paroissiens ont collecté de l'argent pour la construction, en tenant compte de leurs propres intérêts et opportunités. Les clients parmi les riches citadins cherchaient à ce que leur église se distingue par l'élégance des formes et l'originalité du décor. Les façades des bâtiments du temple ont commencé à être couvertes de petites niches figurées, d'évidements en forme de rosaces et de croix en brique taillée. Les tambours des dômes étaient entourés de rangées d'arcs et de triangles coquets. La couverture à trois lobes, soulignée par un arc décoratif, est finalement devenue une technique préférée des architectes de Novgorod et l'est devenue aux XIVe-XVe siècles. un véritable symbole architectural du style de construction de temples de Novgorod. Les architectes de Novgorod de l'ère post-mongole sont passés à d'autres matériaux de construction: les bâtiments d'église étaient principalement construits à partir de dalles de calcaire et de rochers grossièrement taillés. À Novgorod le Grand, en plus de l'architecture de l'église, l'architecture laïque s'est développée. La chambre en pierre des facettes a été érigée, dans laquelle de nobles boyards se sont réunis pour obtenir des conseils. L'école de peinture de Novgorod s'est développée plus tard que les écoles des autres principautés. Ses traits caractéristiques étaient la clarté de l'idée, la réalité de l'image et l'accessibilité. A partir du XIIème siècle. Des créations remarquables de peintres de Novgorod nous sont parvenues: l'icône "Ange aux cheveux d'or", où, malgré toute la convention byzantine de l'apparition d'un ange, on sent une âme humaine frémissante et belle. Ou l'icône "Le Sauveur non fait par les mains" (également du XIIe siècle), dans laquelle le Christ, avec sa cassure expressive dans les sourcils, apparaît comme un juge formidable et compréhensif de la race humaine. Dans l'icône "Assomption de la Vierge" sur les visages des apôtres, toute la douleur de la perte est capturée. Et la terre de Novgorod a donné beaucoup de ces chefs-d'œuvre. Qu'il suffise de rappeler, par exemple, les célèbres fresques de l'église du Sauveur sur Nereditsa près de Novgorod (fin du XIIe siècle). 5. Principauté de Moscou À Moscou, qui a dirigé le processus de collecte des terres russes, la construction la plus active a été réalisée. Au centre du Kremlin, sur la place de la Cathédrale, apparaît le clocher d'Ivan le Grand (achevé sous Boris Godounov). Les informations sur la première église en pierre de Moscou sont contradictoires. La chronique appelle la cathédrale de l'Assomption, construite en 1327 sous le prince Ivan Danilovich, surnommée Kalita. Mais un siècle et demi après la construction, l'édifice de la cathédrale était très délabré et au début des années 70. XV siècle a été démantelé lors de la construction d'une nouvelle cathédrale de l'Assomption. La construction a été réalisée sans délai et deux ans plus tard, les murs du temple étaient presque prêts. Mais dans la nuit du 20 mai 1474, le mur nord de l'édifice ramené aux voûtes s'effondre subitement. Il y avait plusieurs versions de la cause de la catastrophe. La nouvelle a survécu que la cathédrale s'est effondrée à cause d'un tremblement de terre. Après la chute du mur, le grand-duc Ivan III s'est occupé de la poursuite de la construction. Sur les conseils de Sophia, sa seconde épouse, qui vécut de nombreuses années à Rome, il choisit Aristote Fioravanti de Boshi. Quatre ans plus tard (1479), l'édifice est achevé. Une majestueuse cathédrale blanche comme neige s'élevait sur la place centrale du Kremlin de Moscou, rappelant les temples de Vladimir-Souzdal Russie du XNUMXème siècle. Fioravanti a réussi à combiner organiquement les traditions et les principes de l'architecture russe avec les réalisations techniques avancées de l'architecture européenne. La cathédrale de l'Assomption à cinq dômes était le plus grand bâtiment public de cette époque. En 1484-1489. Les artisans de Pskov ont érigé la cathédrale de l'Annonciation - l'église-maison des souverains de Moscou. Non loin de là a été construit le tombeau des grands-ducs de Moscou - la cathédrale de l'Archange. A la fin du XVème siècle. La chambre à facettes a été construite, qui tire son nom des "facettes" qui ornaient les murs extérieurs. La Chambre à facettes faisait partie du palais royal, sa salle du trône. Le Kremlin de Moscou est devenu une sorte de symbole de la puissance et de la force de l'État qui s'est développé autour de Moscou. Dans certaines cathédrales, des sols colorés (en majolique) ont été réalisés, des portes en cuivre avec diverses images et décorations, des croix sculptées dorées et des peintures murales internes et externes ont été réalisées. 6. Peinture des XIV-XV siècles Peinture des XIV-XV siècles. a atteint un nouveau niveau supérieur de son développement. A Novgorod, lors de la peinture de l'église de Volotovo, et plus tard - à Moscou à la fin du XNUMXème - début du XNUMXème siècle. l'artiste Théophane le Grec a travaillé. Il a travaillé avec Simeon Cherny sur la conception de l'église de la Nativité de la Vierge à Moscou et a également participé à la conception de la cathédrale de l'Archange à Moscou. Le plus grand artiste russe de la fin du XIVe - début du XVe siècle. était Andreï Roublev. Avec Théophane le Grec et le peintre Prokhor de Gorodets, il a peint la cathédrale de la Trinité dans le monastère Trinity-Sergius. Le célèbre ouvrage "Trinity" appartient à sa plume. Pour le travail de Rublev, un écart par rapport aux canons de l'église de la peinture est typique, ses œuvres étonnent par leur émotivité, leur profondeur et la véracité de l'image des gens. Grand développement aux XIV-XV siècles. atteint l'art appliqué russe. Des exemples exceptionnels de bijoux, de sculpture sur bois et sur pierre, de sculpture sur bois et de broderie de soie ont été préservés. L'essor de la culture russe a reflété le développement du grand peuple russe. CONFÉRENCE N° 4. La culture russe au XVIe siècle 1. Caractéristiques générales de l'époque Le processus de fusion d'un seul État centralisé s'est reflété dans le développement de la culture russe. De nombreuses caractéristiques du développement des traditions culturelles locales ont été perdues. Des écoles entières de peinture d'icônes ont disparu, comme cela s'est produit, par exemple, avec la peinture d'icônes de Tver. Art du XNUMXème siècle étroitement lié aux intérêts de l'État. Sous le règne d'Ivan IV, l'État a commencé à contrôler directement l'art. De telles mesures, bien sûr, ont nui à l'art, encourageant l'artisanat et la répétition irréfléchie de "modèles". Seconde moitié du XVIe siècle s'est avéré défavorable au développement de la culture russe. En raison des crises de la politique intérieure et étrangère, ainsi que des catastrophes de la fin du XVIe siècle. de nombreux processus culturels s'enfoncent et ne se déclarent à nouveau qu'au siècle prochain. 2. Sciences et littératie Pendant cette période, l'alphabétisation se développe en Russie. La connaissance de l'écriture et du calcul était requise dans de nombreuses branches d'activité. Des lettres d'écorce de bouleau de Novgorod et d'autres centres, divers documents écrits (chroniques, histoires, etc.), des inscriptions sur des objets d'artisanat indiquent que les personnes alphabétisées n'ont jamais été traduites en Russie. Les personnes riches tenaient des registres écrits de leurs ménages; du XNUMXème siècle divers types de livres comptables ont été conservés. Il existe des guides pour : 1) grammaire ; 2) arithmétique ; 3) traitement avec des herbes (alphabétiques, herboristes, etc.). Accumulé: 1) observations pratiques ; 2) connaissance des équipements de construction (nécessaires à la construction de bâtiments); 3) connaissance de la dynamique (calculs de la portée de vol des pierres, des noyaux). Le cercle des connaissances géographiques a été élargi par les voyageurs russes. Ils ont laissé des descriptions de leurs voyages. Tels sont les marchands V. Poznyakov, T. Korobeinikov (lieux saints, 2e moitié du XVIe siècle). Le peuple russe, pénétrant au nord, jusqu'en Sibérie, a fait des descriptions, des "dessins" de nouvelles terres; ambassadeurs - listes d'articles contenant des informations sur les États étrangers. Un aperçu de l'histoire du monde a été donné par les "Chronographes" des XVe-XVIe siècles, qui glorifiaient les activités des princes, des hiérarques de l'église, des saints canonisés, ainsi que de la "Vie" (Dmitry Donskoy, Sergius de Radonezh, Stefan de Perm , etc.). Des œuvres littéraires traduites étaient en circulation; d'eux, ainsi que de diverses collections, des Russes instruits ont puisé des pensées, des paroles de Démocrite, d'Aristote et d'autres philosophes et écrivains. 3. Vie et pensée sociale Dans les écrits des libres penseurs-hérétiques religieux du XVIe siècle. des jugements audacieux sont prêchés sur la nécessité d'une église "bon marché", le non-sens des sacrements et des icônes de l'église. Les thèses sur la trinité de Dieu, l'immaculée conception sont contestées. L'égalité des personnes, des peuples, des confessions est proclamée. Ces idées réformatrices et humanistes ont été étouffées au début et au milieu du XVIe siècle. Une caractéristique notable du XVIe siècle - l'essor du journalisme. Les questions les plus importantes de la société deviennent le sujet de larges discussions non seulement par l'église, mais aussi par les auteurs laïques qui développent des idées : 1) centralisation ; 2) le renforcement du pouvoir grand-ducal et royal ; 3) le rôle de l'église ; 4) sur la situation de la paysannerie, etc. Au milieu et au 3ème quart du siècle, toute une pléiade de publicistes apparaît avec leurs œuvres. I. S. Peresvetov à l'automne 1549 a soumis des propositions de réformes au jeune tsar Ivan IV le Terrible. Ermolai-Erasmus, adversaire des non-possesseurs et des hérétiques, propose d'apaiser la situation des paysans. Il a exprimé cette idée de manière particulièrement vivante dans son traité "Le souverain et l'arpentage du roi bienveillant". Sylvestre, le confesseur du roi, est issu de la conviction de la nécessité d'une « juste acquisition » (c'est-à-dire du profit). Ces idées sont également développées sur les pages de "Domostroy" (en termes modernes - économie domestique) - un ensemble de règles morales quotidiennes, d'enseignements, qu'il a édités. Les publicistes les plus éminents de l'ère oprichnina étaient le tsar Ivan le Terrible et son adversaire, le prince Andrei Kurbsky. Le prince, qui a fui la Russie vers la Lituanie à cause des répressions déclenchées par le tsar suspect et cruel, expose son comportement et ses méthodes de gouvernement terroristes. Le tsar, reprochant à Kurbsky de trahison, part du principe : le tsar est libre de pardonner, dit-on, à ses sujets-serfs, et de l'exécuter aussi. Son adversaire, n'acceptant pas le "féroce" royal, estime que le monarque devrait gouverner avec des "conseillers avisés", les écouter et ne pas être un tyran autocratique illimité. Ils traitent l'État comme une création divine. Certes, ils en tirent les conclusions opposées. Ivan - sur le droit à l'autocratie, Kurbsky - sur le devoir du souverain de prendre soin de ses sujets. Dans "Le conte des princes de Vladimir", les idées les plus importantes de la doctrine officielle de l'autocratie ont été étayées et la famille des souverains de Moscou a été érigée en "César d'août". La question de la nature du pouvoir a été discutée dans la controverse entre les Joséphites et les non-possédants. Nil Sorsky (le chef des non-possesseurs) n'a pas pris part à la controverse, mais son élève, l'ancien prince en disgrâce Vassian Patrikiev, y a prêté une grande attention. Le deuxième type d'académie à Moscou était le cercle du métropolite Macaire. De son milieu, en particulier, est venue une collection aussi monumentale de littérature russe ancienne que le "Grand Honoré Menaion". L'idéologie de l'Église orthodoxe a été développée dans des travaux journalistiques tels que les messages de l'ancien du monastère de Pskov-Pechora Philothée (dans les années 20), "Le conte du Klobuk blanc de Novgorod", dont la création date de plusieurs chercheurs remonte au XVe siècle. Ces œuvres prêchent les idées du caractère pécheur de toute la foi catholique et le rôle de la Russie en tant que seul centre du vrai christianisme après la chute de Constantinople en 1453. 4. L'apparition de l'imprimerie en Russie L'émergence de l'impression de livres en Russie a été d'une grande importance. L'impression de livres n'a commencé qu'au milieu du XVIe siècle, sous Ivan le Terrible. Au début, c'était le soi-disant. "impression sans sortie" (à partir des années 1550), puis - avec des données d'impression (c'est-à-dire indiquant le lieu, l'année de publication, etc.). Au début des années 50. 1563e siècle La première imprimerie commence son activité à Moscou. En XNUMX, Ivan Fedorov a commencé à travailler à Moscou. Il n'était pas seulement un éditeur, mais aussi un éditeur de livres. Ses premières éditions à Moscou étaient des livres de l'Ecriture Sainte. Dans des circonstances peu claires, Ivan Fedorov a été contraint de déménager à Lvov. Au XVIe siècle. la vie a essentiellement conservé ses anciennes caractéristiques. Mais il y avait aussi quelque chose de nouveau. Ils ont commencé à utiliser des épices dans les maisons riches (cannelle, clous de girofle, etc.), citrons, raisins secs, amandes ; saucisse mangée avec de la bouillie de sarrasin. La mode des calottes (tafias) s'est répandue - cela a été condamné par la cathédrale Stoglavy. D'autres maisons en pierre ont été construites, bien que la plupart d'entre elles soient restées en bois. Les Russes adoraient jouer aux dames et aux échecs. L'intérêt pour la littérature narrative et de fiction, caractéristique de la 2e moitié du XVe siècle, a considérablement diminué. 5. Peinture Au XVIe siècle. Les thèmes de la peinture russe ancienne ont commencé à se développer de manière significative. Beaucoup plus souvent qu'auparavant, les artistes se tournent vers les intrigues et les images de l'Ancien Testament, vers les récits instructifs des paraboles et, surtout, vers le genre légendaire-historique. Jamais auparavant un thème historique n'avait occupé autant de place dans les œuvres des peintres d'icônes. À cet égard, pénètrent de plus en plus dans la créativité artistique: 1) genre ; 2) intérêt pour la vie quotidienne ; 3) de plus en plus souvent des réalités russes apparaissent dans les compositions. L'architecture dite conditionnellement "hellénistique" est progressivement remplacée par des icônes russes. En même temps, dans la peinture du XVIe siècle. il y a une tendance perceptible à « philosopher » abstraitement. L'église et l'État contrôlaient étroitement l'iconographie. Par conséquent, à cette époque, les originaux iconographiques (collections d'échantillons), qui établissaient l'iconographie des principales compositions de l'intrigue, ainsi que des personnages individuels, se sont répandus. Peinture moscovite de la fin du XVe siècle. marqué par des réalisations considérables. Cela est dû au travail de maîtres exceptionnels - Denys et son école. Lui-même et ses assistants ont décoré de fresques les cathédrales des monastères Joseph-Volokolamsk, Pafnutievo-Borovsky, Ferapontov et autres. Grâce à leurs efforts, l'iconostase de la cathédrale de l'Assomption du Kremlin de Moscou a été créée. Dans la représentation de la Mère de Dieu, considérée comme la patronne de Moscou, d'autres personnages de l'histoire biblique sont frappés par les couleurs vives et le caractère décoratif, qui devinrent plus tard des traits distinctifs de la peinture d'icônes russe des XVIe et XVIIe siècles. Les créations de Denys, un maître habile, selon le chroniqueur, et d'autres artistes sont imprégnées d'une atmosphère de jubilation victorieuse, de solennité et de confiance. Ils reflètent clairement les principales étapes de leur époque : 1) obtenir son indépendance vis-à-vis de la Horde ; 2) unification des terres russes ; 3) la création d'un État unique dirigé par Moscou. Au tournant des XV-XVI siècles, d'une part, la prédominance de l'école de peinture de Moscou en Russie est déterminée; d'autre part, son assimilation des traditions des écoles locales, qui se sont progressivement nivelées sous l'influence du centre culturel panrusse, qu'est devenu Moscou avec ses maîtres, ses idées, ses aspirations. La brillance et le souci du détail, l'élégance et la subtilité du dessin sont caractéristiques des icônes de l'école dite de Stroganov. Ses représentants (Prokopiy Chirin, Nikifor Savin et autres) travaillaient à Moscou, mais exécutaient souvent les commandes des Stroganov, les riches Sol-Vychegda. Leurs œuvres, lumineuses, colorées, miniatures, ressemblent à des bijoux. Ils ont eu une grande influence sur le développement de l'art russe; par exemple, leurs traditions sont encore préservées par les maîtres Palekh. Ce peu de tout ce que la peinture de la fin des XVe-XVIe siècles a donné à l'art russe peut être défini comme : 1) compétence en dessin; 2) la luminosité de la gamme colorée ; 3) un sentiment joyeux d'être; 4) la montée de l'esprit national. Mais en même temps, il y a un certain écart par rapport aux exemples puissants d'Andrei Rublev et de Théophane le Grec, une diminution du souffle héroïque de l'art de l'ère de la bataille de Koulikovo. Parallèlement, le développement progressif de la peinture prépare ses futurs succès. 6.Architecture La réalisation la plus remarquable de l'architecture russe au tournant des XV-XVI siècles. était la construction des bâtiments du Kremlin de Moscou. Les anciens bâtiments délabrés ont été remplacés par de nouveaux. 1. Ouspensky. 2. Arkhangelsk. 3. Cathédrale de l'Annonciation. 4. Temple-pilier d'Ivan le Grand. Pour les réceptions cérémonielles, la Chambre à facettes a été construite. Tout un ensemble de bâtiments constituait le palais du Grand-Duc. Enfin, de nouveaux murs de forteresse et des archers (tours) sont apparus. Au XVIe siècle. construit à plus grande échelle. De nombreuses églises et cathédrales ont été érigées dans tout le pays. Certains d'entre eux ont pris une place exceptionnelle dans l'architecture nationale et mondiale. Telle est, par exemple, la célèbre église de l'Ascension dans le village de Kolomenskoïe près de Moscou (maintenant dans la ville). Il a été construit (1532) à l'occasion de la naissance du fils d'Ivan, le futur Tsar des Terribles, chez le Grand-Duc Vassili III. Le modèle du bâtiment était les anciennes églises en bois à toit en croupe. La cathédrale de l'Intercession (église de l'Intercession de la Mère de Dieu) ou la cathédrale Saint-Basile sur la Place Rouge à Moscou, le plus grand monument de l'architecture de la tente, essentiellement un complexe de neuf églises, est tout aussi fabuleuse. Il a été construit par des architectes russes - Barma et Postnik en 1555-1560. Initialement, le temple était blanc et il n'a reçu sa coloration hétéroclite qu'au XVIIe siècle. Les maîtres du filigrane (filigrane), de la ciselure, de la fonderie, de la joaillerie, de la couture de la soie atteignent une haute perfection. L'art de l'estampage à la basse et de l'émail s'épanouit. Les bijoutiers ont créé des objets en or d'une beauté et d'une élégance étonnantes (par exemple, le plat en or de la tsarine Maria Temryukovna, qui lui a été présenté par Ivan le Terrible en 1561). En général, la culture russe du XVIe siècle. est d'une grande importance. Premièrement, il reflétait pleinement la transition finale d'une Russie fragmentée à un État centralisé avec ses nouvelles exigences en matière d'art. De plus, elle a pu résister à la pression idéologique de la 2e moitié du siècle et préparer la conscience du peuple russe aux changements et changements importants qui ont eu lieu dans le développement culturel du XNUMXe siècle. CONFÉRENCE N ° 5. La culture russe du XVIIe siècle 1. Tendances générales de la culture russe du XVIIe siècle XNUMXème siècle dans l'histoire de la culture russe, ainsi que dans l'histoire de la Russie en général, - le début d'une nouvelle période. A cette époque s'opère la sécularisation de la culture, un tournant dans la conscience de l'homme et de la société. Le peuple russe dans les années turbulentes du temps des troubles, des soulèvements populaires et des guerres, des avancées en Sibérie et en Extrême-Orient s'est réalisé en tant que personne. 2. Littérature, éducation, sciences L'apogée de la pensée sociale russe dans le 1er quart du XVIIe siècle. associé à l'apparition d'un certain nombre de récits d'auteurs spirituels et laïques sur les événements du Temps des Troubles. Le représentant le plus éminent de la littérature officielle du XVIIe siècle. était un moine Siméon de Polotsk. La tendance folklorique accusatrice est "La vie de l'archiprêtre Avvakum", écrite par lui-même. L'auteur était l'inspirateur du mouvement des vieux croyants et prêchait les idées de la piété antique. Tout au long du siècle, une variété d'histoires quotidiennes sont apparues qui dépeignent la vie quotidienne des gens ordinaires. Des signes de sécularisation se retrouvent également dans les Lumières - à la fin du siècle, un citadin sur deux ou trois savait lire et écrire. Dans le même temps, l'alphabétisation a cessé d'être un privilège de l'Église. Les hommes ont été entraînés. Il y avait peu de femmes alphabétisées. Ils enseignaient, tout d'abord, l'alphabet élémentaire selon les abécédaires. En 1634, l'abécédaire de V. Burtsev a été publié et republié à plusieurs reprises au cours d'un siècle. La question s'est posée de la création d'écoles. En 1680, une école est fondée à l'imprimerie, dont la discipline principale est la langue grecque ; en 1687 - l'école slave-grec-latine, puis l'académie, où les disciplines profanes et spirituelles étaient enseignées. La gamme de lecture s'est considérablement élargie. A partir du XNUMXème siècle de nombreux livres, imprimés et surtout manuscrits, ont été conservés. Parmi eux, à côté de l'église, il y a de plus en plus de laïcs : 1) chroniques et chronographes ; 2) histoires et légendes. Les rois et les nobles boyards avaient des bibliothèques avec des centaines de livres dans différentes langues. De nombreux étrangers sont venus en Russie, connaissant bien divers domaines de connaissances scientifiques et techniques. Ils vivaient à la périphérie de Moscou dans la colonie allemande, que les habitants de la capitale appelaient Kukuy (Kokuy). Ils les regardaient avec une curiosité avide et de la peur : danser, fumer, la libre communication entre hommes et femmes était inhabituel pour un Russe. Les connaissances scientifiques se sont également développées. Les Russes étaient célèbres en tant que maîtres du traitement des métaux et des fonderies. Les cloches étaient bien coulées en Russie, leur "sonnerie cramoisie" était célèbre dans tout le pays. Les maîtres russes des équipements de construction, la construction de bâtiments en bois et en pierre, ont été tout aussi performants et fiables. Lors de la construction de moulins à eau et, ce qui est particulièrement significatif et important, le travail du fer et d'autres usines utilisaient des moteurs à eau. Connaissances géographiques élargies, idées sur la Russie, son territoire et les peuples qui y vivent, les vastes étendues de la Sibérie et de l'Extrême-Orient. 3. Peinture du XNUMXème siècle Tout au long du XNUMXème siècle Le style national russe développe de nouvelles fonctionnalités et formes. L'école Stroganov s'est encore développée avec son écriture fine, le dessin le plus fin des détails. Le raffinement des performances, la couleur des icônes ravissent les contemporains. Dans l'œuvre de Simon Fedorovich Ushakov (1626-1686), le maître de l'armurerie du tsar, le plus grand artiste russe et d'autres maîtres, un désir de réalisme se dessine. Iosif Vladimirov a écrit une sorte de traité théorique sur la justification du réalisme en peinture: la proximité avec la nature, la nécessité pour l'art de rechercher la beauté et la lumière, non de supprimer, mais de plaire à une personne. SF Ouchakov, répondant à Vladimirov, son ami, poursuit les mêmes principes : réalisme, vivacité, justesse, image « miroir ». Des tendances réalistes, combinées à des motifs lumineux et joyeux, ont été tracées dans les œuvres des maîtres russes et dans la peinture des églises. Les fresques des églises de la Trinité à Nikitniki (auteurs - Vladimirov et Ushakov) à Moscou, Élie le Prophète à Yaroslavl (G. Nikitin, S. Savin) et bien d'autres étonnent par leurs compositions colorées et riches, leur ingéniosité et leur optimisme, folk esprit et une abondance de détails quotidiens. 4. Genre des portraits Les caractéristiques du réalisme se manifestent également dans le genre du portrait. Si les parsunas (portraits) du tsar Fiodor Ivanovitch (1600), du prince M.V. Skopin-Shuisky (1610) ont été écrits à la manière habituelle de la peinture d'icônes, alors les œuvres du milieu et de la 2e moitié du siècle parlent d'un désir de portrait ressemblance, lettre réaliste. Ceux-ci incluent des portraits des tsars Alexei (S. Loputsky), Fedor (I. Bogdanov), du patriarche Nikon (I. Deterson). Des paysages réalistes apparaissent sur les icônes (par exemple, à Tikhon Filatiev, fin du XVIIe siècle), images de bâtiments. Mais les beaux-arts, principalement la peinture d'icônes, ont également conservé un style conservateur traditionnel, car sous la surveillance étroite de l'État et de l'église, les activités des peintres étaient contrôlées par l'Armurerie du Kremlin, qui depuis le XVIIe siècle. devient un centre d'art. Des travaux pour la cour royale y ont été réalisés : des portraits ont été peints, des manuscrits ont été décorés, des meubles et des jouets ont été fabriqués. 5. Architecture russe du XVIIe siècle Au XNUMXème siècle Des changements importants ont affecté l'architecture. Après le Temps des Troubles, l'architecture de pierre reprend vie. A Moscou, les murs et les tours du Kremlin sont en cours de restauration ; au-dessus de sa porte principale, Spassky, une belle superstructure de tente est érigée, ce qui donne à la tour un aspect festif et solennel. Un autre nouveau détail apparaît dans l'apparence de la tour - les carillons. Le principal matériau de construction était encore le bois. Le summum de l'architecture en bois du XVIIe siècle. est un luxueux palais royal à Kolomenskoïe (1667-1668), démantelé "pour délabrement" un siècle plus tard, sous Catherine II.Les contemporains l'appelaient la huitième merveille du monde. Les principes suivants ont été largement utilisés ici : 1) carré ; 2) rectangulaire ; 3) cruciforme ; 4) support octogonal pour le bâtiment principal ; 5) toit à pignon élevé ; 6) tente ; 7) Achèvement de 5 chapitres. Le palais du tsar à Kolomenskoye se composait de chœurs à plusieurs cadres placés sur des sous-sols (étages inférieurs d'importance économique). Les façades des pièces avant résidentielles étaient richement décorées d'architraves sculptées et de diverses terminaisons en forme de tentes, de tonneaux, de toits en cubes et à corniches. 6. Essor de l'architecture civile L'essor de l'architecture civile, clairement manifesté à la fin du XVe - début du XVIe siècle. dans la construction du palais du Kremlin, eut une digne continuation au XVIIe siècle. À une échelle sans précédent ont été construits: 1) palais ; 2) bâtiments administratifs ; 3) bâtiments résidentiels ; 4) cours d'invités. L'aspect architectural de ces bâtiments reflétait la volonté des architectes de créer des types de bâtiments complètement nouveaux, de développer un nouveau style. Le palais Terem du Kremlin de Moscou, construit en 1635-1636, par sa taille, sa magnifique splendeur de décor, semblait défier les traditions de construction du siècle précédent. Peu à peu, le volume de la construction en briques a augmenté - principalement les bâtiments des agences gouvernementales, des entreprises commerciales et industrielles. L'utilisation de carreaux multicolores, de briques façonnées et de détails en pierre blanche a commencé, ce qui a donné aux bâtiments un aspect festif. La construction de temples traditionnels a atteint son apogée. Au XNUMXème siècle le grandiose Rostov Kremlin a été construit, la conception des monastères Joseph-Volokolamsky, Trinity-Sergius, Kirillo-Belozersky a été achevée. Le commerce en développement rapide nécessitait des chantiers commerciaux modernes pour les marchands russes et étrangers. Gostiny Dvor à Arkhangelsk (1668-1684) a été construit selon un plan spécial dans les limites d'une cour fermée. Son territoire comprenait des murs avec des tours, divers locaux (stockage, habitation, commerce) et une église. L'architecture résidentielle de la province reflétait les traditions locales. Souvent, des chambres en bois dominaient les chambres en pierre, dans lesquelles vivre était considéré comme plus bénéfique pour la santé. Mais en raison des incendies fréquents, les citoyens aisés abandonnent de plus en plus les superstructures en bois. Le pittoresque de l'architecture résidentielle était souligné par l'élégante asymétrie des porches et la teinte des détails décoratifs. A cette époque, le principe de régularité s'impose peu à peu dans les édifices architecturaux. A la fin du XVIIème siècle. un nouveau style d'architecture de temple apparaît - le baroque de Moscou, qui a été utilisé pour construire de petites églises dans les domaines des nobles russes. C'est dans ce style que fut construite l'église de l'Intercession à Fili. Il utilise une construction de type tour, une combinaison de brique rouge pour la maçonnerie principale et de pierre blanche pour la décoration. Les bâtiments se distinguent par leur élégance et une variété de décoration décorative. Une telle architecture a été appelée par les chercheurs Moscou, ou Narychkine, baroque. Cependant, bien que certains de ses détails soient réalisés dans le style baroque européen, il contient de nombreux motifs qui remontent à l'architecture de la Renaissance et au maniérisme. Les bâtiments de Naryshkin ont une naturalité, une intégrité et une perfection artistique étonnantes. Le développement de l'art russe s'est toujours distingué par ses particularités, qui ne s'inscrivaient pas dans le cadre européen. Lorsque la Renaissance a prospéré en Europe, il y avait encore un Moyen Âge profond en Russie. L'architecture du style Naryshkin est devenue un pont entre l'ancien et le nouveau, entre byzantin et européen. CONFÉRENCE N ° 6. Culture de l'ère de Pierre le Grand 1. Tendances générales de la culture de l'époque de Pierre le Grand Au tournant des XVIIe et XVIIIe siècles. En Russie, le Moyen Âge s'est terminé et le Nouvel Âge a commencé. En Russie, cette transition historique s'est produite rapidement - en l'espace d'une génération. Art russe du XVIIIe siècle. en quelques décennies, elle est destinée à se séculariser (passer du religieux au profane), à maîtriser de nouveaux genres (par exemple, le portrait, la nature morte et le paysage) et à découvrir des thèmes totalement nouveaux (notamment mythologiques et historiques). Pour cette raison, différents styles d'art existaient en Russie au XVIIIe siècle. simultanément. Les réformes menées par Pierre 7 (1698-1725) ont touché non seulement la politique, l'économie, mais aussi l'art. Les objectifs du jeune roi étaient : 1) mettre l'art russe sur un pied d'égalité avec l'art européen ; 2) éduquer le public national ; 3) entourez votre cour d'architectes, de sculpteurs et de peintres. Malgré le fait qu'à cette époque il n'y avait presque pas de grands maîtres russes, après seulement cent ans, la Russie présentait toute une galaxie de talents. 2. Éducation, sciences La création d'une armée et d'une marine régulières, la formation d'une bureaucratie absolutiste et d'autres réformes dans le pays ont nécessité une restructuration radicale de l'ensemble du système éducatif et la formation d'un grand nombre de spécialistes qualifiés. Pierre I a forcé la noblesse russe à étudier. Déjà en 1699, l'école Pushkar a été fondée à Moscou, et en 1701, une "école des sciences mathématiques et de navigation" a été ouverte dans le bâtiment de la tour Sukharev. À l'époque de Pierre le Grand, l'École de médecine a été ouverte (1707), ainsi que les écoles suivantes : 1) ingénierie ; 2) construction navale ; 3) naviguer ; 4) montagne ; 5) artisanat. L’éducation laïque nécessitait de nouveaux manuels. En 1703, « L'arithmétique, c'est-à-dire la science des nombres... » de L. F. Magnitsky fut publié, qui introduisit des chiffres arabes au lieu des chiffres alphabétiques, puis Magnitsky et le mathématicien anglais A. Farvarson publièrent « Tables de logarithmes et de sinus ». » Parallèlement à la réforme dans le domaine de l'éducation dans le 1er quart du XVIIIe siècle. L'industrie de l'édition a prospéré. En 1708, Pierre I a introduit une nouvelle écriture civile au lieu de l'ancienne église slave. De nouvelles imprimeries ont été créées pour imprimer la littérature éducative, scientifique et spécialisée laïque, ainsi que les actes législatifs. Le développement de la science et de la technologie à l'époque pétrinienne répondait avant tout aux besoins pratiques de l'État. De grands progrès ont été réalisés dans : 1) géodésie ; 2) hydrographie ; 3) cartographie ; 4) l'étude des intestins et la recherche de minéraux. Les marins hydrographes russes ont beaucoup fait pour cartographier les mers d'Azov, de la Caspienne, de la Baltique et de la Blanche. La recherche de minerais de fer et de cuivre dans l'Oural et la Sibérie a été activement menée avec l'aide de paysans locaux. Les activités des inventeurs russes ont été notées avec un grand succès. E. P. Nikonov a présenté un projet de création de "navires cachés" (sous-marins). Un célèbre mécanicien de l'époque de Pierre le Grand était A. K. Nartov, l'inventeur des tours et des machines à décolleter, le créateur du viseur optique. Dans le 1er quart du XVIIIe siècle. un certain nombre d'études précieuses sur l'histoire nationale ont été écrites. A l'initiative de Pierre Ier, une collection de collections scientifiques a été initiée en Russie. Le summum des réalisations de l'époque de Pierre le Grand dans le domaine de la science et de l'éducation a été la création (par décret du 28 janvier 1724) à Saint-Pétersbourg de l'Académie des sciences (elle a été ouverte après la mort de Pierre I en 1726). L'Académie des sciences a été créée non seulement en tant que centre scientifique national, mais également en tant que base pour la formation du personnel scientifique. Dans ce centre scientifique, une université et un gymnase ont été ouverts. 3. Littérature et théâtre Cette couche de la culture russe était la plus colorée, la plus mosaïque et la plus hétérogène ; il n'est pratiquement pas entré en contact avec le travail de l'élite. Au temps de Pierre le Grand, on persécutait moins les fêtes païennes traditionnelles avec leurs " bourdonnements " orageux, danses, rondes, etc. Pendant cette période, la noblesse, et en partie les citadins, ont été les témoins directs d'une augmentation notable des livres imprimés non religieux. En 1708, un échantillon de lettres de contenu varié a été publié avec l'utilisation du vocabulaire le plus récent, où abondaient les mots, termes et expressions néerlandais, allemands. Dans le cadre de la littérature, la naissance du classicisme russe a lieu. Les œuvres les plus célèbres de ce genre sont les créations de l'orateur, écrivain, église et personnage public de l'époque de Pierre le Grand, le principal partisan de la réforme de l'église Feofan Prokopovich. Le thème principal de Prokopovitch est la glorification de l'armée, des réformes et de la Russie. Le journalisme économique était représenté par les travaux du scientifique exceptionnel I. T. Pososhkov (1652-1726). En 1702, un théâtre a été construit sur la Place Rouge de Moscou, qui a ouvert ses portes au grand public. Des acteurs allemands y ont joué, le répertoire était composé de : 1) allemand ; 2) français ; 3) pièces espagnoles. Cependant, un tel théâtre était rare. L'époque de Peter comprend des tentatives de création de théâtres publics («temples de la comédie») à Moscou et à Saint-Pétersbourg, où des pièces sur des thèmes historiques et des comédies ont été mises en scène (par exemple, J.-B. Pierre's Amphitrion et The Forced Doctor). À l'époque de Pierre le Grand, l'intérêt pour la musique profane, la musique amateur est né et l'art choral professionnel se développe. La musique de combat militaire Bravura gagne en popularité. 4. La vie du peuple russe De nouvelles formes quotidiennes de culture ont été implantées dans la vie de l'élite noble. En 1700, aux portes du Kremlin, des mannequins avec des échantillons de vêtements neufs pour la noblesse (hongroise, saxonne et française) sont même exposés. La figure originale du roi, qui au début n'observait les cérémonies traditionnelles que lors des réceptions diplomatiques, a apporté des changements spectaculaires à la vie du palais. Les traditions se sont simplifiées, la raideur a disparu. Depuis 1718, par décret du roi, des assemblées ont été introduites qui ont légalisé les formes de communication royale avec les personnes dont il avait besoin et qu'il aimait. Le comportement des jeunes nobles dans la société était régi par les normes d'Europe occidentale énoncées dans le livre traduit "Youth's Honest Mirror". Dans les capitales, à des dates solennelles, en l'honneur de telle ou telle "Victoria" (la guerre du Nord, la prise d'Azov, la victoire à Poltava, l'anniversaire de la paix de Nishtad, etc.), des feux d'artifice colorés et des mascarades grandioses étaient en mode. Des friandises étaient exposées sur les places (fontaines de vin, carcasses frites). Le mode de vie patriarcal cède progressivement la place à la laïcité et au rationalisme. 5. Peinture 1700-1725 Dans le domaine des beaux-arts du 1er quart du XVIIIe siècle. le développement actif reçoit la peinture profane. A. M. Matveev (1701-1739) était un portraitiste exceptionnel de cette époque. Parmi les maîtres de la gravure, I. B. Adolsky était célèbre. Les œuvres des artistes A.F. Zubov, A.I. Rostovtsev et P. Picard nous ont apporté l'aspect architectural des deux capitales russes. Le genre le plus proche de la vie quotidienne était le genre de la gravure, qui avait un cercle assez large de connaisseurs. De nombreux livres avaient des images gravées. Dès la fin du XNUMXème siècle L'art pictural russe se transforme. Dans l'art de la peinture d'icônes, une tendance a commencé à apparaître pour une transition vers une représentation réaliste du monde et des gens. Le genre dit parsuna se développe - un portrait réaliste créé de manière planaire traditionnelle. Les artistes de ce genre ont été influencés par la peinture d'Europe occidentale. Dans les premières années du XVIIIe siècle. émis des décrets spéciaux concernant la formation et l'éducation des artistes. Les plus talentueux ont été envoyés en longs voyages d'affaires à l'étranger (A. M. Matveev, I. Nikitin, R. Nikitin). Au cours de cette période, un certain nombre d'artistes étrangers ont également été invités en Russie. Ce sont Louis Caravaque, Johann Tannauer et d'autres. 6. Architecture 1700-1725 L'architecture à l'époque de Pierre le Grand a également connu l'influence de l'Europe occidentale. Un nouveau phénomène dans la culture russe a été la diffusion des compositions sculpturales, qui a été particulièrement prononcée dans la création d'ensembles de palais et de parcs, par exemple dans la conception de la Grande Cascade du Palais de Peterhof (architecte J. B. Leblon). Au début du XVIIIe siècle. en matière d'urbanisme, une transition s'opère vers une construction régulière des villes, la création de grands ensembles architecturaux, principalement à des fins civiles, et non à des fins religieuses. La construction de Saint-Pétersbourg en est un parfait exemple. Fin XVII-début XVIII siècles. la formation du style dit Naryshkin, ou le style "baroque de Moscou" de l'architecture de l'église, est en cours (pour plus de détails, voir la conférence n ° 4). Il y avait aussi une architecture fondamentalement nouvelle basée sur le système d'ordre (colonnes, portiques, frontons, etc.). Les intérieurs des églises ont commencé à être décorés d'iconostases en bois à plusieurs niveaux avec les sculptures décoratives les plus complexes, dont les meilleurs artisans étaient des sculpteurs sur bois biélorusses. L'architecte IP Zarudny était l'un des brillants maîtres de la sculpture. Une architecture fondamentalement nouvelle a créé la base de la capitale de la Russie à cette époque - Saint-Pétersbourg. Ici, dès le début, la version nord-allemande (néerlandaise) du baroque a été développée avec un décor sec et sobre, avec un désir de rationalité maximale. Le porteur de cette tendance était D. Trezzini. Il a pris une part active à la planification de Saint-Pétersbourg, en particulier sa partie Vasilyevsky. Le Suisse D. Trezzini a conçu les bâtiments les plus importants de Saint-Pétersbourg - la forteresse Pierre et Paul et sa cathédrale, le bâtiment des Douze Collèges (construit sur l'île Vassilievski en 1722-1734, achevé par M. G. Zemtsov). Ce dernier se compose de 12 parties identiques, situées sur la même ligne et décorées uniquement de pilastres. Le bâtiment est déployé non pas le long de la Neva, mais à angle droit avec celle-ci. Telle que conçue par l'architecte, la longue façade avant de la Douze Collegia était censée faire face à la place proposée à la pointe de l'île. Le palais d'A. D. Menchikov, dont la façade principale fait face à la Neva, a longtemps été la maison privée la plus luxueuse de la capitale du Nord. Il a récemment été restauré dans sa forme originale. Et dans la conception des façades (hauts toits, fenêtres à petits galons), et dans les intérieurs, décorés de bois, de tuiles blanches et bleues (tuiles en terre cuite) et de tissus divers, le goût hollandais domine. Un peu en amont de la Neva se trouvait le Palais d'été (1710-1714, architectes D. Trezzini et A. Schluter), que Pierre offrit à sa femme Catherine. Une fierté particulière de Peter I était le jardin d'été entourant ce bâtiment. Les transformations de Pierre dans le domaine de la culture, de la vie et des coutumes étaient de nature politique prononcée. Les intérêts de l'État ont été placés au premier plan de ces réformes. Ils étaient censés souligner la différence fondamentale entre l'Empire russe, créé en un quart de siècle, et un grand État de type européen. CONFÉRENCE N ° 7. Culture de la Russie 1725-1800 1. Caractéristiques générales de la culture de l'époque des "coups de palais" et du règne de Catherine XNUMXème siècle occupe une place importante dans l'histoire de la culture russe. La direction laïque devient décisive dans son développement. Un système d'enseignement général et spécial a été créé, une université a été ouverte, des périodiques et du journalisme sont apparus. Une nouvelle poésie, un drame et une prose orientés vers l'ouest émergent. En peinture, le portrait est au premier plan. Des exemples remarquables d'architecture civile apparaissent dans l'architecture. Dans cette conférence, nous nous concentrerons principalement sur les réalisations de la culture noble. 2. Éducation Depuis l'époque de Pierre Ier, l'éducation en Russie a acquis un caractère laïque de plus en plus clair. En même temps, la forme traditionnelle « d'alphabétisation » était massive et omniprésente. Le nombre d'écoles de garnison pour soldats a augmenté. L'attention principale a été accordée à l'éducation des nobles dans des établissements d'enseignement fermés. En 1731, le corps de cadets Shlyakhetsky a été créé et en 1752, le corps naval Shlyakhetsky. De plus, les enfants nobles étaient scolarisés dans des internats privés, ainsi qu'à la maison. Au XVIIIe siècle. il devient à la mode d'inviter des professeurs étrangers, surtout français. Malgré de si grands succès dans le domaine de l'éducation en Russie, le besoin d'un système éducatif se faisait de plus en plus sentir. À l'initiative de l'impératrice, le développement de projets d'éducation scolaire a été confié à l'une des personnalités publiques les plus brillantes de l'époque - I. I. Betsky. Il a également été l'initiateur de l'éducation des femmes. Mais les activités de I. I. Betsky et la mise en œuvre de son plan n'ont en aucun cas résolu le problème de la création d'un système d'enseignement primaire. Pour résoudre ce problème, en 1782, une "Commission sur l'établissement des écoles" a été organisée. Le premier résultat des travaux de la Commission a été l'ouverture d'écoles publiques à 4 et 2 classes dans la province de Saint-Pétersbourg. Au total, à la fin du XVIIIe siècle. en Russie, il y avait environ 550 établissements d'enseignement différents, dans lesquels environ 60 XNUMX personnes étudiaient. L'un des principaux événements du milieu du XVIIIe siècle. a été l'ouverture du premier établissement d'enseignement supérieur civil - l'Université de Moscou. I. I. Shuvalov en était le conservateur. Cependant, le bâtisseur idéologique de l'Université de Moscou était M. V. Lomonosov. Il a élaboré un projet d'organisation de l'université, a cherché à faire en sorte que l'université soit sans classe et laïque (puisqu'elle n'enseignait pas la théologie). Il a participé activement à la création de manuels scolaires. Un gymnase spécial avec deux départements a été créé à l'université pour former le personnel étudiant - pour la noblesse et le raznochintsy. Création de l'Académie des sciences en Russie, développement rapide au XVIIIe siècle. la science naturelle mondiale a contribué à la formation et au développement de la science russe. 3. Sciences Il a atteint un niveau de développement significatif au 1711ème siècle. Sciences russes. M. V. Lomonossov (1768-1755) était un scientifique exceptionnel du XVIIIe siècle, dont les intérêts couvraient divers domaines scientifiques. Son principal mérite fut la fondation et l'ouverture de l'Université de Moscou (XNUMX). Au XVIIIe siècle. l'intérêt de la société russe pour son passé historique grandit, des ouvrages historiographiques apparaissent. Le premier historien russe VN Tatishchev (1686-1750) a écrit "L'histoire russe des temps les plus anciens". A la suite de Tatishchev, des ouvrages historiques apparaissent : 1) M.V. Lomonossov ; 2) M. M. Shcherbatova ; 3) I.N. Boltina ; 4) I. I. Golikova; 5) G. F. Miller et autres. Dans les années 70-80. XNUMXème siècle Les documents historiques sont publiés sur les pages de la presse périodique. Un certain nombre de réalisations très intéressantes caractérisent le développement de la pensée technique en Russie. Mais dans la plupart des cas, les innovations techniques n'ont pas trouvé d'application. L'un des inventeurs les plus célèbres de cette époque était IP Kulibin (1735-1810). La recherche physico-géographique et les sciences naturelles se sont largement développées. En 1724, sur ordre de Pierre Ier, la première expédition du Kamtchatka fut équipée, dirigée par V. Bering et A. I. Chirikov. Les résultats de cette expédition sont grandioses : les richesses de l'Oural, de la Sibérie et de l'Altaï sont décrites, des matériaux sur la géographie, la zoologie, la botanique, l'ethnographie, etc. sont rassemblés. 4. Littérature et pensée sociale. Théâtre Dans les conditions du système féodal-serf, la littérature était principalement de la noblesse. L'art populaire était oral. Littérature noble du XVIIIe siècle. développé dans la lignée du classicisme. La tendance principale de la littérature était le classicisme sous forme d'odes, de tragédies, de paroles de louange. Cela s'est manifesté le plus clairement dans le travail d'A.P. Sumarokov, qui a écrit des comédies et des tragédies qui remplissent des fonctions éducatives, ainsi que dans le premier représentant du classicisme du XVIIIe siècle. - A.D. Kantemir. Une étape importante dans le développement du classicisme russe a été l'œuvre du poète de la cour V. K. Trediakovsky (1703-1769). Défendant la pureté de la langue littéraire russe, M. V. Lomonosov crée la doctrine des trois "calmes" littéraires. Le plus grand poète russe de la fin du XVIIIe siècle. était G. R. Derzhavin (1743-1816). A la fin du XVIIIème siècle. il y a une rupture avec le classicisme, le dépassement du sentimentalisme et la formation de tendances réalistes. Tout d'abord, cela s'est manifesté dans l'œuvre de D. I. Fonvizin (1745-1792), le créateur de la comédie sociale. Le fondateur du sentimentalisme russe est N. M. Karamzine (1766-1826), écrivain et historien qui portait le surnom de "Colomb de l'histoire russe", auteur de "L'histoire de l'État russe". La figure la plus importante de la pensée sociale russe est A. N. Radichtchev (1749-1802). Alors qu'il occupait le poste de procureur militaire, pendant les années du soulèvement de Pougatchev, il s'est familiarisé avec les cas de recrues fugitives, dans lesquels, comme dans un miroir, les ordres de la Russie serf se reflétaient. Cela a conduit Radichtchev à l'idée de la nécessité d'une révolution paysanne en Russie. Dans son œuvre littéraire "Voyage de Saint-Pétersbourg à Moscou", il a fait la transition du genre littéraire du sentimentalisme au réalisme critique. Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, le journalisme se développe en Russie. Dès la fin des années 1750. les premiers journaux privés apparaissent. Parmi eux se trouve "Abeille travailleuse" de A.P. Sumarokov. Fondamentalement, il s'agissait des publications de la classe noble. Sous le règne de Catherine II, les activités de l'éducateur N. I. Novikov (éditeur des magazines satiriques "Druten", "Painter", "Ridder", éditeur de dictionnaires, magazines pour enfants et femmes) se sont déroulées. Au XVIIIe siècle, l'art théâtral se développe assez largement en Russie. Le théâtre le plus célèbre avec une magnifique troupe d'acteurs serfs appartenait aux comtes P. B. Sheremetyev et N. P. Sheremetyev. La célèbre actrice et chanteuse serf P. I. Kovaleva-Zhemchugova (1768-1803) a brillé dans la troupe Sheremetev. Une évolution intéressante au XVIIIe siècle. subit la créativité musicale. Parmi la noblesse, les chansons folkloriques russes sont largement diffusées, ainsi que les chansons folkloriques stylisées. 5. Peinture Un trait caractéristique de la peinture du XVIIIe siècle. - libération des thèmes cultes. Une place à part dans la peinture russe du XVIIIe siècle. pris le portrait. Le réalisme commence à apparaître dans les portraits de L. P. Antropov (1716-1795). L'artiste serf Sheremeteva I. P. Argunov (1729-1802) a travaillé avec succès dans le genre du portrait. L'art du portrait russe de cette époque est d'importance mondiale, trois maîtres se distinguent en particulier : 1) Dmitri Levitsky ; 2) Vladimir Borovikovski ; 3) Fédor Rokotov. Parallèlement à un magnifique portrait formel dans l'œuvre de F. S. Rokotov (1736-1808), un portrait informel et intime apparaît, dans lequel toute l'attention est accordée non pas aux vêtements magnifiques, mais au visage d'une personne. L'œuvre de D. G. Levitsky (1735-1822) est diversifiée et largement représentée. Les portraits cérémoniels de Levitsky, admirant la splendeur des vêtements, transmettent la richesse de la texture du sujet. Des exemples en sont le portrait de l'éleveur le plus riche P. A. Demidov; une série de portraits d'élèves nobles de l'Institut Smolny - des adolescentes sous la forme de dames laïques (E. I. Nelidova, E. N. Khrushchova et autres). D. G. Levitsky a peint des portraits de Diderot, Catherine P. Le continuateur des traditions de Levitsky était VL Borovikovsky (1757-1825), dans les portraits duquel l'art du psychologisme atteignit le sommet de la perfection. Le maître est proche du sentimentalisme (les portraits de la rêveuse et languissante M. I. Lopukhina sont l'un des meilleurs exemples de ce genre; l'impératrice Catherine II, marchant dans le jardin dans des vêtements simples, sans aucun attribut de sa position royale, pour laquelle Borovikovsky a été récompensé le titre d'académicien). 6. Architecture, sculpture Dans la 1ère moitié du XVIIIe siècle. le style dominant en architecture était le baroque. Il se caractérise par la création d'ensembles immenses, distingués par la solennité, la splendeur, une abondance de stucs, de sculptures, de colonnes. Dans la 2e moitié du XVIIIe siècle. le baroque est remplacé par le classicisme. La figure la plus frappante du milieu du XVIIIe siècle était V. V. Rastrelli (1700-1771). Ses principaux chefs-d'œuvre architecturaux sont : 1) un palais à Peterhof ; 2) l'ensemble du palais de Tsarskoïe Selo ; 3) Monastère Smolny près de Saint-Pétersbourg. Il a construit de magnifiques palais, temples, pavillons, complexes de banlieue, etc. En 1754-1762. Rastrelli a érigé un nouveau palais d'hiver à peu près au même endroit où se trouvait le palais d'hiver de Pierre Ier. Dans la 2e moitié du XVIIIe siècle. un certain nombre des plus grands architectes russes talentueux apparaissent. Dans leur travail, le classicisme russe a acquis ses principales caractéristiques. V. I. Bazhenov (1737-1799) - le grand architecte russe, l'un des premiers représentants du classicisme russe. Il a subi un destin tragique : le projet d'un palais grandiose au Kremlin de Moscou a été approuvé, mais pas mis en œuvre. Son deuxième travail était la conception et la construction du palais de campagne royal dans le village. Tsaritsyno près de Moscou - a été amené à la fin de la construction, mais, sur ordre de Catherine II, il a été détruit en raison de la proximité de Bazhenov avec Novikov. Pendant de nombreuses années, V.I. Bazhenov a exécuté des commandes de particuliers, et seulement dans les années 90. 1797ème siècle a créé un projet pour le château Mikhailovsky, construit pour Paul Ier en 1800-XNUMX. l'architecte Brenn. Parallèlement à l'architecture des palais et des parcs au XVIIIe siècle, la construction d'édifices publics prend de plus en plus d'importance. L'un des premiers bâtiments de ce type est la célèbre Amirauté de Saint-Pétersbourg de l'architecte russe I.Korobov (1700-1747). Le grand architecte russe M. F. Kazakov (1738-1812) a grandement contribué à la construction de grands édifices publics à Moscou. Étant l'un des étudiants et admirateurs de V.I. Bajenov, il a continué à améliorer les caractéristiques du classicisme russe, le rendant encore plus strict et simple. Le bâtiment du Sénat au Kremlin de Moscou est un merveilleux exemple de la créativité de Kazakov. Parallèlement aux architectes russes, des étrangers ont également travaillé avec succès en Russie. Parmi eux, les plus talentueux étaient l'Ecossais Charles Cameron et l'Italien Giacomo Quarenghi. L'un des premiers exemples de classicisme est l'immense bâtiment de l'Académie des Arts, construit en un quart de siècle (1763-1788). Créer en Russie l'Académie des Arts, où les peintres, sculpteurs, architectes pourraient étudier, c'est-à-dire une sorte de centre d'art, a été conçu par Peter I. Cette idée a été réalisée par sa fille Elizabeth à la fin de son règne - en 1757 à Saint-Pétersbourg. L'architecte I. E. Staroye (1745-1808) a lui aussi adhéré aux canons du classicisme. Son œuvre la plus célèbre est le palais de Tauride du prince G. A. Potemkin-Tavrichesky à Saint-Pétersbourg (1783-1789). Il a également construit la cathédrale de la laure Alexandre Nevski. C'est Starov qui a créé le type classique de palais-domaine, en utilisant une composition spéciale avec le bâtiment principal et les ailes latérales (dépendances) avancées (les propriétaires fonciers russes ont vraiment aimé ce schéma). Enfin, on ne peut manquer d'évoquer les magnifiques réalisations des sculpteurs russes du XVIIIe siècle. Parmi les premiers figure le célèbre F. I. Shubin (1740-1805). Les tendances du réalisme, les caractéristiques nettes du portrait s'expriment dans son travail clairement, en relief. Les bustes de portrait de Shuba sont conçus pour une inspection complète. Le jeu d'ombres et de reflets à la surface du marbre ou du bronze confère à la sculpture une vivacité et une expressivité particulières. Toute une pléiade de maîtres exceptionnels ont travaillé dans le domaine de la sculpture décorative à cette époque : 1) F. G. Gordeev ; 2) M. I. Kozlovsky ; 3) I.P. Prokofiev ; 4) F. F. Shchedrin ; 5) I.P. Martos. Ils ont produit des exemples remarquables de sculpture décorative et monumentale. A noter en particulier le monument à Pierre Ier, créé par le sculpteur français Falcone (1716-1791). En général, à la fin du XVIIIe-début du XIXe siècle. le public préfère les sculptures basées sur des sujets mythologiques et historiques. Par conséquent, M. I. Kozlovsky (1753-1802) était très populaire, car dans son travail, il s'est principalement tourné vers la mythologie ancienne et les traditions bibliques. CONFÉRENCE N ° 8. L'âge d'or de la culture russe. 1ère moitié 1. Caractéristiques générales de la culture de cette période Le destin de la Russie dans la première moitié du XIXe siècle était ambigu. Ces années ont commencé avec la victoire dans la guerre patriotique et se sont terminées par l'échec de la guerre de Crimée. La première moitié du XIXe siècle, l'époque de Pouchkine, est appelée l'âge d'or de la culture russe. Son début a coïncidé avec l'ère du classicisme dans la littérature et l'art russes. Après la défaite des décembristes, une nouvelle poussée du mouvement social a commencé. Cela laissait espérer que la Russie surmonterait progressivement ses difficultés. Le pays a réalisé les succès les plus impressionnants de ces années dans le domaine de la science et surtout de la culture. La première moitié du siècle a donné à la Russie et au monde Pouchkine et Lermontov, Griboedov et Gogol, Belinsky et Herzen, Glinka et Dargomyzhsky, Bryullov, Ivanov et Fedotov. 2. Développement de l'éducation, de la littérature et de la science Pendant la période des transformations du début du XIXème siècle. le système d'éducation publique a été réformé. En 1803, six districts scolaires dirigés par des administrateurs et quatre catégories d'établissements d'enseignement ont été créés. Selon la Charte de 1804, les universités sont devenues des centres de formation du personnel pédagogique, ont assuré l'orientation méthodologique des écoles du district éducatif. En 1802, l'Université Dorpat a été restaurée, en 1804 des universités ont été fondées à Vilna, Kazan et Kharkov. Les universités jouissaient d'importants droits d'autonomie gouvernementale. Au début du siècle, des établissements d'enseignement fermés pour les nobles sont apparus - des lycées (à Yaroslavl, Odessa, Tsarskoïe Selo), des établissements d'enseignement supérieur ont été ouverts (Institut commercial, Institut des communications). Dès le début du XIXe siècle. N. M. Karamzin a écrit sur "l'amour de la lecture en Russie". En 1813, il y avait 66 imprimeries en Russie. Le nombre de périodiques au milieu du siècle était passé de 64 titres à 200. S'appuyant sur les réalisations de la science européenne, les scientifiques russes ont obtenu des succès majeurs. Les centres de la pensée scientifique étaient: 1) Académie des sciences ; 2) universités ; 3) sociétés scientifiques. Les mathématiques ont obtenu des succès remarquables : 1) N. I. Lobachevsky (créateur de la géométrie non euclidienne) ; 2) P.V. Chebyshev; 3) l'astronome V. Ya. Struve ; 4) chimiste N. N. Zinin. Le niveau de développement de la science mondiale correspondait aux découvertes et inventions du professeur V. V. Petrov (électrochimie et électrométallurgie), de l'académicien B. S. Jacobi (galvanoplastie), P. L. Schilling (télégraphe électromagnétique), P. P. Anosov (métallurgie). De nouvelles idées en médecine et en physiologie ont été avancées par N. I. Pirogov. Parmi les historiens de cette période, le professeur de l'Université de Moscou T. N. Granovsky se distingue. En 1811, des marins russes menés par le capitaine V. M. Golovkin (1776-1831) explorèrent les îles Kouriles. F. P. Litke (1797-1882) a exploré l'océan Arctique, les côtes du Kamtchatka et de l'Amérique, a fondé la Société géographique russe. En 1819, la Russie a envoyé une expédition dans les mers polaires du sud sur deux sloops dirigés par F. F. Bellingshausen (1778-1852). Des découvertes géographiques majeures dans l'Extrême-Orient russe sont associées au nom de G. I. Nevelsky (1813-1876). En 1819, la persécution commença dans les universités et des départements de théologie y furent créés. La charte rigide "en fonte" de 1828 pour les établissements d'enseignement inférieur et secondaire déterminait que les enfants des "personnes de statut inférieur" devaient étudier dans les écoles paroissiales, les enfants des marchands, artisans et autres orozhans dans les écoles de district, et les enfants des nobles et fonctionnaires dans les gymnases. En 1835, les universités sont privées du statut de centres scientifiques, ainsi que de l'autonomie interne. Pour former du personnel qualifié, des établissements d'enseignement supérieur technique ont été ouverts: 1) école professionnelle de Moscou; 2) Ecole d'architecture ; 3) Académie médicale et chirurgicale de Saint-Pétersbourg ; 4) Institut Lazarevsky des langues orientales à Moscou; 5) Écoles et académies spirituelles, militaires. La pensée publique en Russie au début du XIXe siècle. développé dans la tradition des Lumières. Les idées se répandent : 1) Montesquieu ; 2) Diderot ; 3) Voltaire ; 4) Rousseau. Cependant, seule une petite partie de la société jugeait nécessaire de réformer le régime autocratique et d'abolir le servage. La majeure partie de la noblesse et de la bureaucratie était conservatrice. 1ère moitié du 1815ème siècle est devenu le moment de la formation de la langue littéraire russe. La terminologie scientifique russe s'est développée - des départements verbaux ont été ouverts dans les universités. "Libéré la langue du joug extraterrestre" N. M. Karamzin. Les partisans de Karamzin créent l'association « Arzamas » (1818-XNUMX). 3. Littérature et pensée sociale Dans la littérature de la 1ère moitié du XIXème siècle. différentes directions artistiques ont coexisté : 1) classicisme ; 2) sentimentalisme ; 3) pré-romantisme; 4) romantisme; 5) réalisme. A cette époque, A. S. Pouchkine, M. Yu. Lermontov, N. V. Gogol créent leurs œuvres. L'importance de la littérature en Russie dans la première moitié du siècle était énorme. Dans les sociétés savantes et littéraires, dans les cercles d'étudiants et d'enseignants, les salons laïcs, on débattait des problèmes politiques d'actualité. Une étape importante dans le développement de l'identité nationale fut la guerre patriotique de 1812. Parallèlement, après la guerre, les sentiments religieux s'intensifièrent dans la société. Craignant l'influence du mouvement révolutionnaire européen, le gouvernement a accru le contrôle politique à l'intérieur du pays. En 1814-1815. les premières organisations secrètes sont apparues dans l'armée, dont la tâche était de changer le système existant. En 1816, à l'initiative des frères Muravyov, S. P. Trubetskoy, des frères Muravyov-Apostles et I. D. Yakushkin, l'Union du Salut a été créée. L'Union comptait environ 200 membres. Au congrès tenu en janvier 1821, les avis sur le programme d'action de l'Union sont partagés. La direction a annoncé la dissolution du Welfare Union. Mais immédiatement après cela, les sociétés conspiratrices du Nord et du Sud ont surgi simultanément. En 1824, la Société du Sud adopte un document de programme ("Russian Truth" de P. I. Pestel). La Société du Nord a adopté la "Constitution" de Nikita Muravyov. En 1824, lors des négociations, il fut décidé de convoquer un congrès au début de 1826 pour unir les deux sociétés. Mais en novembre 1825, Alexandre Ier mourut subitement à Taganrog, et une fois la question de la succession au trône clarifiée, le serment au nouvel empereur Nikolai Pavlovich était prévu pour le 14 décembre 1825. Les dirigeants de la Société du Nord, K. F. Ryleev et A. A. Bestuzhev, a décidé d'agir. Nicolas I a pris connaissance du complot. Sur les 579 personnes impliquées dans l'enquête, 289 ont été reconnues coupables. K. F. Ryleev, P. I. Pestel, S. I. Muravyov-Apostol, M. P. Bestuzhev-Ryumin, P. G. Kakhovsky ont été pendus le 13 juillet 1826. A. I. Herzen a appelé la période qui a commencé après la défaite des décembristes "le temps de l'esclavage externe". La charte de censure de 1826 interdit tout ce qui « affaiblit le respect » des autorités. Dans les années 30. XNUMXème siècle en développement: 1) le genre de l'histoire (A. A. Bestuzhev-Marlinsky, V. F. Odoevsky); 2) roman historique (A. S. Pouchkine, N. V. Gogol). En poésie, les auteurs de la soi-disant galaxie Pouchkine se distinguent. Début du 1ème siècle - l'époque de la formation du journalisme russe. Le nombre de journaux et de magazines a considérablement augmenté, leur tirage a augmenté, bien que même les publications les plus populaires n'aient pas été imprimées à plus de 500 XNUMX exemplaires. Parmi les magazines russes, Vestnik Evropy, fondé par N. M. Karamzin, était particulièrement populaire. Dans la seconde moitié des années 2 - début des années 20. 30ème siècle De nombreux cercles secrets se sont formés en Russie. Leurs membres discutaient de problèmes politiques et philosophiques, essayaient de comprendre les événements du 14 décembre 1825 et lisaient de la littérature interdite. Des cercles ont été créés à l'Université de Moscou: V. G. Belinsky, A. I. Herzen, N. V. Stankevich et d'autres. La plupart d'entre eux ont été dispersés par la police. La censure toujours croissante était principalement dirigée contre les périodiques, qui jouaient un rôle important dans la lutte idéologique. En 1836, le magazine "Telescope" a publié l'une des "Lettres philosophiques" de P. Ya. Chaadaev (1794-1856), un penseur brillant et original. S. S. Uvarov, devenu ministre de l'Instruction publique, propose d'introduire une éducation "vraiment russe", fondée sur trois principes indissociables: l'orthodoxie, l'autocratie, la nationalité. La théorie de la "nationalité officielle" de S. S. Uvarov est devenue la base de l'idéologie de l'ère Nikolaev. Dans les années 1830 et 40 les principales directions de la pensée sociale se forment, partant du besoin de transformations en Russie. Leurs représentants s'appelaient : 1) Slavophiles ; 2) Occidentaux ; 3) révolutionnaires. 4. Théâtre Le théâtre commença à jouer un rôle de plus en plus important dans la vie publique. Les centres de la vie théâtrale étaient le Théâtre Maly de Moscou (depuis 1824) et le Théâtre Alexandrinsky de Saint-Pétersbourg (depuis 1832). Des théâtres existaient dans de nombreuses villes de Russie. En 1825, le Théâtre d’Opéra et de Ballet du Bolchoï a commencé à fonctionner à Moscou. "Woe from Wit" de A. S. Griboïedov et "L'Inspecteur général" de N. V. Gogol ont été mis en scène. Des compositeurs tels que A. A. Alyabyev, A. L. Gurilev, A. E. Varlamov ont écrit des chansons et des romances basées sur des poèmes de poètes russes. La formation de l'école nationale russe de musique est associée au nom de M. I. Glinka (1804-1857), auteur de romans, d'œuvres symphoniques, d'opéras classiques Une vie pour le tsar (1836), Ruslan et Lyudmila (1842). A. S. Dargomyzhsky (1813-1869) était un innovateur en musique, il a créé l'opéra-ballet Le Triomphe de Bacchus, les opéras Mermaid et The Stone Guest. Bien que les troupes étrangères et les théâtres de serfs aient continué à jouer un rôle important dans la vie théâtrale de la Russie, certains propriétaires terriens russes sont devenus des entrepreneurs de théâtre. Leurs théâtres sont devenus publics. Dans les mêmes années, l'opéra de Glinka Une vie pour le tsar a été mis en scène au Théâtre Bolchoï (il a ensuite été joué sur la scène soviétique sous le nom d'Ivan Susanin). La luminosité des couleurs musicales, la légèreté ingénieuse de la technique et la simplicité classique se distinguent également par un autre opéra de Glinka - Ruslan et Lyudmila, qui a été froidement accueilli par le public. L'intrigue de Pouchkine a également constitué la base de l'opéra "Mermaid" d'A. S. Dargomyzhsky. Cet opéra rencontre également un accueil froid de la part du public, habitué à la musique des compositeurs italiens. 5. Peinture Le début du XIXe siècle est appelé l'âge d'or de la peinture russe. À cette époque, les artistes russes ont atteint un niveau de compétence qui place leurs œuvres au même niveau que les meilleurs exemples de l'art européen. La primauté est restée au genre historique. Un portraitiste bien connu de cette époque était O. A. Kiprensky (1782-1836). Sa peinture attire avec des tons dorés chauds dans l'esprit de l'artiste hollandais Rembrandt. Vers 1808-1809 Kiprensky a écrit "Portrait d'un garçon A. A. Chelishchev". L'artiste semble prédire le sort extraordinaire de son héros : à l'âge de 15 ans, il participe déjà à la guerre patriotique de 1812 et atteint Paris. Les images féminines de Kiprensky ont une grande profondeur. V. A. Tropinin (1776-1857) est né dans une famille de serfs, le comte Morkov. Un fort caractère et un amour pour l'art l'ont aidé à défendre son droit de faire ce qu'il aime. En 1823, sous la pression du public, le comte rend la liberté à Tropinin. La même année, l'artiste présente à l'académie les œuvres "Portrait de l'artiste Skotnikov" (1821), "Le vieux mendiant" et "La dentellière" (toutes deux en 1823). Ayant reçu la liberté, l'artiste s'est installé à Moscou. Dans la période des années 20 aux années 40. 1827ème siècle le maître était exceptionnellement populaire et a écrit de nombreuses œuvres. Parmi eux se trouvent un portrait de Pouchkine (1846) - très simple et "simple", "Autoportrait avec une palette sur fond de Kremlin" (XNUMX), etc. Le célèbre artiste S. F. Shchedrin (1791-1830) a été l'un des premiers à découvrir l'effet de couleur inhabituel du chemin au clair de lune, qui est devenu très populaire dans la peinture russe au milieu et dans la seconde moitié du XIXe siècle. Son œuvre a anticipé les découvertes des peintres impressionnistes français. K. P. Bryullov (2-1799) parvient à trouver le juste milieu entre le classicisme qui domine la peinture académique et les nouvelles tendances romantiques. La première œuvre majeure d'Alexander Ivanov (18-1806), 1858 ans, sur une intrigue de l'Iliade d'Homère - "Priam demandant à Achille le corps d'Hector" (1824) - a montré qu'il maîtrisait parfaitement le style académique de la peinture. Dans le tableau "L'apparition du Christ à Marie-Madeleine" (1834-1836), la pose et les gestes classiques des héros sont combinés à l'illumination chrétienne de leurs visages, un sens du miracle. Pour cette photo, Ivanov a reçu le titre d'académicien. Depuis plus de 20 ans, l'auteur travaille sur le tableau "L'apparition du Christ au peuple". 6. Architecture et sculpture Dans l'architecture du XIXe siècle dominé par le classicisme. Les bâtiments construits dans ce style se distinguent par un rythme clair et calme, des proportions correctes; ils se conforment clairement à des lois de composition architecturale telles que : 1) symétrie ; 2) soulignant le centre; 3) l'harmonie générale des parties et du tout. Il y avait des différences significatives dans l'architecture de Saint-Pétersbourg et de Moscou. Même au milieu du XVIIIe siècle. Pétersbourg était une ville de chefs-d'œuvre architecturaux, immergée dans la verdure des domaines et ressemblait à bien des égards à Moscou. Puis la construction régulière de la ville commença le long des avenues qui la traversaient, rayons divergents de l'Amirauté. Le classicisme de Saint-Pétersbourg n'est pas l'architecture de bâtiments individuels, mais d'ensembles entiers qui étonnent par leur unité et leur harmonie. Les travaux de rationalisation du centre de la nouvelle capitale ont commencé avec la construction du bâtiment de l'Amirauté selon le projet de A. D. Zakharov (1761-1811). La construction revêt une importance fondamentale au début du XIXe siècle. le bâtiment de la Bourse sur la piste de l'île Vassilievski. Le nouveau bâtiment réunissait le reste des ensembles de cette partie de la ville. La conception de la Bourse et la conception de la flèche ont été confiées à l'architecte français Thomas de Thomon. La Perspective Nevski, artère principale de Saint-Pétersbourg, a acquis la forme d'un ensemble unique depuis sa construction en 1810-1811. Cathédrale de Kazan. Il a été construit sur le modèle de St. Pierre à Rome par l'architecte A. N. Voronikhin (1759-1814). En 1806, A. N. Voronikhin reçut l'ordre de reconstruire les bâtiments du Corps des cadets des mines (depuis 1833 - l'Institut des mines). Après avoir préservé les bâtiments existants, Voronikhin les a réunis avec une façade commune - stricte, dépourvue de détails décoratifs. Le bâtiment est décoré d'une série d'œuvres sculpturales basées sur des scènes antiques, symbolisant le but de cette institution. Ils ont été réalisés par les sculpteurs V. I. Demut-Malinovsky (1779-1846) et S. Pimenov (1784-1833). Pendant quarante ans, de 1818 à 1858, la cathédrale Saint-Isaac a été construite à Saint-Pétersbourg - le plus grand bâtiment érigé en Russie dans la première moitié du XIXe siècle. Le projet a été développé par l'architecte français O. Montferrand (1-1786). Les motifs triomphaux de la colonne Alexandre ont été incarnés dans la décoration sculpturale de l'arc de l'état-major général, qui a englouti la place du Palais par le sud. Dans le même temps, le bâtiment de l'état-major général, construit selon le projet de K. I. Rossi, semblait répéter les grands motifs solennels de l'Amirauté, situés en oblique par rapport à celui-ci. Ainsi, l'ensemble de la place du Palais était relié à l'ensemble de l'Admiralteisky Prospekt. Le travail final sur la formation des ensembles de Saint-Pétersbourg est associé aux travaux de K. I. Rossi (1775-1849). Les bâtiments ont été construits selon sa conception. 1. Sénat et Synode. 2. Théâtre d'Alexandrie. 3. Palais Mikhailovsky (maintenant le Musée russe). Ne se limitant pas à la construction de bâtiments individuels, le célèbre maestro a reconstruit les rues et les places adjacentes. Ces œuvres ont acquis une telle ampleur qu'il semblait que Rossi était sur le point de réaliser son rêve - transformer toute la ville en une œuvre d'art. Cependant, l'architecte n'a pas tenu compte des besoins quotidiens des habitants de la ville et ses créations ont commencé à se transformer en décorations grandioses. Les manifestations du classicisme de Moscou étaient caractéristiques des bâtiments individuels. Même l'incendie de 1812 n'a pas éliminé la diversité des rues de Moscou, le pittoresque aléatoire des bâtiments. En 1813, la Commission pour la restauration de Moscou a été organisée, qui s'est engagée dans la restructuration de la ville pendant trente ans. La même année, O. I. Bove (1784-1834) est revenu à Moscou de la milice populaire après avoir reçu le poste d'architecte. Dans les premières décennies du XIXe siècle Moscou a changé de visage. Et en cela, avec Osip Bove, Domenico Gilardi (1785-1845) a joué un rôle important. Le premier grand travail de l'architecte fut la restauration de l'Université de Moscou après l'incendie de 1812. Gilardi conserva la composition du bâtiment construit par M. F. Kazakov, mais modifia la façade. Parallèlement, l'architecte Stasov poursuit son travail. Ses bâtiments les plus célèbres étaient deux églises de Saint-Pétersbourg - les cathédrales de la Transfiguration et de la Trinité. Pour la cathédrale de la Transfiguration (1827-1829), l'architecte a choisi une forme cubique simple et expressive. Lors de la conception de la cathédrale de la Trinité (1828-1835), le maître ne pouvait s'écarter des formes des anciennes églises du XVIIIe siècle. En conséquence, il érigea un édifice cruciforme, complétant chacun des rebords de la croix par un portique à 6 colonnes et le couronnant d'un petit dôme sur un tambour lisse. Stasov occupait une place particulière dans l'architecture russe de la première moitié du XIXe siècle, montrant qu'une solution architecturale lumineuse ne dépend pas de la destination du bâtiment. En 1839-1852. Selon le projet de l'architecte allemand Leo Klenze, le bâtiment du Nouvel Ermitage a été construit à Saint-Pétersbourg. L'équilibre calme de ses parties, la décoration dans le style grec moderne, les puissants atlantes de granit à l'entrée - tout cela a créé une image impressionnante du musée - un dépositaire des chefs-d'œuvre de l'art mondial. K. A. Ton (1794-1881) dans son travail a tenté de faire revivre les traditions de l'architecture russe ancienne. Il a construit des églises à 5 dômes avec des fenêtres étroites et arrondies, a utilisé un décor russe et byzantin. Tout cela était soumis aux proportions et à la symétrie strictes du classicisme, que Tone ne pouvait refuser. Nicolas J'ai aimé les œuvres de Ton. En 1838-1849. sous sa direction, le Grand Palais du Kremlin a été construit. En 1839, sur les rives de la Moskova, la cathédrale du Christ Sauveur a été érigée pour commémorer la délivrance de la Russie de l'invasion napoléonienne. La sculpture a également prospéré. Un monument à Minine et Pojarski a été érigé sur la Place Rouge - l'œuvre d'I.P. Martos (1754-1835). Suivant les traditions du classicisme, le sculpteur a habillé ses héros d'habits antiques. Dans les années 40-50. 1805ème siècle Nevsky Prospekt a été décoré de sculptures en bronze de P. K. Klodt (1867-XNUMX) "Horse Tamers", installées sur les fondations du pont Anitchkov sur la Fontanka. Le monument à Nicolas Ier sur la place Saint-Isaac à Saint-Pétersbourg appartient également à Klodt. CONFÉRENCE N° 9. Culture de la seconde moitié de l'âge d'or 1. Caractéristiques générales de l'époque 2ème moitié du 1853ème siècle - le moment de l'approbation finale et de la consolidation des formes et traditions nationales dans l'art russe. Au milieu du XIXème siècle. La Russie a connu de graves bouleversements : la guerre de Crimée de 1856-1855 s'est soldée par une défaite, l'empereur Nicolas Ier est mort, Alexandre est monté sur le trône // a procédé à l'abolition tant attendue du servage et à d'autres réformes. Années de gouvernement 1881-XNUMX. Le "thème russe" est devenu populaire dans l'art. La culture russe n'était pas isolée à l'intérieur des frontières nationales, elle n'était pas séparée de la culture du reste du monde. Les réalisations de l'art étranger ont résonné en Russie. À son tour, la culture russe, principalement la littérature et la musique, a reçu une reconnaissance mondiale. La culture russe a pris une place d'honneur dans la famille des cultures européennes. 2. Éducation Le système existant d'éducation publique ne satisfaisait pas le développement social et économique du pays. Le faible taux d'alphabétisation de la population générale et la pénurie de professionnels instruits ont souligné la nécessité d'un changement. Dès lors, la réforme de l'instruction publique fait partie intégrante des réformes des années 1860. L'ère de la libération a donné une forte impulsion au développement culturel de la Russie, a contribué à une croissance sans précédent du nombre d'écoles rurales et urbaines. L'héritage de l'ère des serfs était le faible niveau d'alphabétisation de la population. Même à Saint-Pétersbourg à la fin des années 60. 7ème siècle la proportion d'analphabètes (hors enfants de moins de 44 ans) était de 1871 %. A Moscou, selon le recensement de 55, XNUMX% étaient analphabètes. Sur la question de l'enseignement secondaire, il y a eu une longue discussion entre partisans de l'école réelle et de l'école classique. Les partisans de la direction classique ont pris le dessus, s'appuyant sur les ministres conservateurs de l'instruction publique D. A. Tolstoï et I. D. Delyanov. Le «Règlement sur les écoles publiques élémentaires» du 14 juin 1864 a introduit, en plus des écoles publiques, des zemstvo et des écoles du dimanche. La charte des gymnases et des progymnasiums, approuvée le 19 novembre 1864, divisait les établissements d'enseignement secondaire - gymnases - en classiques et réels avec une durée d'études de 7 ans. Les frais de scolarité étaient assez élevés. En 1865, il y avait 96 gymnases, au milieu des années 1890. - environ 600. En 1897, le taux d'alphabétisation moyen était de 21,1 %. Dans le même temps, il y avait 2 fois plus de personnes alphabétisées en ville qu'à la campagne. L'alphabétisation était plus courante chez les hommes (29,3 %) que chez les femmes (13,1 %). Le 18 juin 1863, une nouvelle charte pour les universités est approuvée. L'autonomie universitaire a été restaurée. Au cours de la période post-réforme, de nouvelles universités ont ouvert en: 1) Odessa ; 2) Varsovie ; 3) Tomsk. Les universités ont formé des scientifiques éminents tels que: 1) A.M. Butlerov; 2) D.I. Mendeleïev ; 3) I.M. Sechenov ; 4) S.M. Solovyov ; 5) K. A. Timiryazev et autres. Le statut universitaire du 23 août 1884 abolit de fait l'autonomie des universités. En 1858, des gymnases pour femmes font également leur apparition. Avant cela, les femmes n'étaient pas autorisées à entrer dans les universités. Dans les années 1860-70. les premiers cours supérieurs pour femmes avec un programme universitaire ont été organisés à Moscou (Prof. V. I. Guerrier) et à Saint-Pétersbourg (Prof. K. N. Bestuzhev-Ryumin). Après 1881, des changements ont de nouveau eu lieu dans le domaine de l'éducation. Et la tristement célèbre circulaire du Ministère de l'instruction publique du 5 juin 1887 ("sur les enfants de cuisinier") introduit une restriction d'admission au gymnase afin d'empêcher "l'admission des enfants de cochers, laquais, cuisiniers, blanchisseuses, petits commerçants, etc. de personnes" ; les frais de scolarité ont été augmentés. Après avoir été autorisé en 1858 à discuter dans la presse des problèmes de la vie publique et de l'activité gouvernementale, le nombre de périodiques et de titres de livres augmenta fortement. Les "règles temporaires", approuvées le 12 mai 1862, autorisaient même l'impression de documents critiques dans des éditions coûteuses inaccessibles au commun des mortels. Mais comme le procureur en chef et censeur K.P. Pobedonostsev était profondément préoccupé par les bibliothèques et les salles de lecture, en 1888, le catalogue des livres autorisés à être distribués aux lecteurs a été révisé. 3. Sciences 2ème moitié du XNUMXème siècle est devenue une période de nouvelles découvertes exceptionnelles de la science russe, pour le développement desquelles des conditions favorables ont été créées. Les contacts entre scientifiques russes et collègues d'Europe occidentale ont repris. I. M. Sechenov 1829-1905) a jeté les bases de la physiologie russe. II Mechnikov (1845-1916) a fondé l'école de microbiologie et de pathologie comparée. K. A. Timiryazev (1843-1920), étudiant le processus de la photosynthèse, a jeté les bases de l'école russe de physiologie végétale. 60-70 1869ème siècle appelé l'âge d'or de la chimie russe. La plus grande découverte de cette époque fut la loi périodique des éléments chimiques (1834), découverte par D. I. Mendeleev (1907-1828) et enregistrée par lui sous la forme d'un tableau. A. M. Butlerov (1886-XNUMX) a développé la théorie fondamentale de la structure chimique. Les découvertes dans le domaine de la technologie ont apporté une renommée mondiale aux scientifiques russes. Ce sont les inventions de P. N. Yablochkov (1847-1894) - une lampe à arc et un système d'éclairage électrique développés par lui; A. N. Lodygina (1847-1923) - une lampe à incandescence électrique; A. F. Mozhaisky (1825-1890) - le premier avion breveté au monde (1881). UN F. Mozhaisky a étudié le vol des oiseaux, fabriqué des modèles et, en 1881, a commencé à construire un avion avec deux moteurs à vapeur d'une capacité de 20 et 10 chevaux. P. L. Chebyshev (1821-1894) a fait des découvertes majeures dans le domaine de l'analyse mathématique, de la théorie des nombres et de la théorie des probabilités. Il a jeté les bases de l'école mathématique de Pétersbourg. A. G. Stoletov (1839-1896) a joué un rôle remarquable dans le développement de la physique. Il possède un certain nombre d'études dans le domaine des phénomènes photoélectriques, utilisés par la suite dans la création de la technologie électronique moderne. La découverte de l'importance mondiale a été l'invention du radiotélégraphe. A. S. Popov (1859-1905), qui a traité ce problème, n'a pas pu réaliser pleinement ses idées: les tentatives d'établir des communications radio dans la marine se sont heurtées au scepticisme et à l'incompréhension du commandement. Les réalisations des scientifiques russes dans le domaine de la recherche géographique revêtaient une importance particulière. Les voyageurs russes ont visité des endroits où aucun Européen n'avait jamais mis les pieds auparavant. Dans la 2ème moitié du XIXème siècle. leurs efforts se sont concentrés sur l'exploration de l'intérieur de l'Asie. P. P. Semenov-Tyan-Shansky (1827-1914), chef de la Société géographique impériale russe, a exploré le Tien Shan, organisé un certain nombre d'expéditions majeures en Asie centrale (N. M. Przhevalsky), en Nouvelle-Guinée (N. N. Miklukho -Maclay), etc. . La science géographique mondiale de ces années-là reposait largement sur les réalisations des chercheurs russes. Vers la fin du XIXème siècle. l'ère des découvertes géographiques est terminée. Et seules les étendues glacées de l'Arctique et de l'Antarctique gardaient encore nombre de leurs secrets. L'épopée héroïque, à laquelle les chercheurs russes ont pris une part active, s'est poursuivie au début du XXe siècle. S. M. Solovyov (1820-1879) et son élève V. O. Klyuchevsky (1841-1911) ont travaillé activement dans le domaine des sciences historiques. En philosophie, des écrits originaux ont été créés: 1) V. S. Solovyov; 2) K.N. Léontiev ; 3) S.N. Trubetskoï. Dans la 2ème moitié du XIXème siècle. Les scientifiques russes ont obtenu des succès significatifs dans diverses branches de la connaissance. Moscou et Saint-Pétersbourg comptent parmi les centres scientifiques mondiaux. 4. Littérature et pensée sociale Fiction de la 2ème moitié du 1880ème siècle. a poursuivi les traditions de A. S. Pouchkine et N. V. Gogol. Le choc des idées, les problèmes moraux, les nouveaux phénomènes dans la vie publique, les voies de développement de la Russie - ces sujets et d'autres ont inquiété les héros des œuvres de I. S. Tourgueniev, F. M. Dostoïevski, L. N. Tolstoï. Dans les années XNUMX les premières histoires d'A.P. Tchekhov sont apparues. Le thème du peuple était central dans l'œuvre de N. A. Nekrasov. Des œuvres lyriques subtiles ont été créées par A. A. Fet, F. I. Tyutchev. Dans le dernier quart du XIXème siècle. Les journaux commencent à circuler largement en Russie. Néanmoins, les magazines sont restés le principal type de publications temporelles. A la fin du XIXème siècle. Des journaux sont également apparus dans les provinces. Le secteur de l'édition de livres est devenu une branche de l'entrepreneuriat de plus en plus en développement. Certains éditeurs ont cherché à donner à leurs activités une orientation pédagogique. ID Sytin (1851-1934) a commencé par la publication d'estampes populaires, de livres de rêve, d'oracles. Puis il a commencé à imprimer des abécédaires, des calendriers, de la littérature de fiction et de vulgarisation scientifique - à un prix très bas, en comptant sur la demande de masse. A la fin du XIXème siècle. deux maisons d'édition (F. A. Brockhaus (Leipzig) et I. A. Efron (Petersburg)) ont décidé de publier en Russie une encyclopédie allemande en russe avec un petit ajout de nouveau matériel. Cependant, en conséquence, les éditeurs ont créé une encyclopédie russe indépendante. "Dictionnaire encyclopédique" de Brockhaus et Efron, en 82 volumes, a été publié en 1890-1907. et est devenu la meilleure encyclopédie russe. 5. Musées. Théâtre. Musique La Galerie nationale Tretiakov de Moscou est l'une des plus grandes collections d'art russe, un centre culturel national de renommée mondiale. Le musée porte le nom du fondateur, le marchand moscovite P. M. Tretiakov (1832-1898), qui a fait don de sa galerie d'art à la ville en 1892, ainsi que d'une petite collection de son frère et d'une maison qui a commencé à être reconstruite en un bâtiment du musée. Tretiakov voulait créer un musée public d'art national, donnant "une image complète de notre peinture". En 1881, il s'est ouvert aux visiteurs. Les principaux théâtres du pays dans la seconde moitié du XIXème siècle. restait encore Petit et Alexandrie. Des acteurs et actrices talentueux - P. A. Strepetova, M. N. Ermolova - se sont produits sur scène. A la fin des années 70. XNUMXème siècle l'activité théâtrale du réalisateur K. S. Stanislavsky commence. Peinture et vie musicale de la 2ème moitié du 1850ème siècle. marqué par l'émergence de nouveaux talents qui ont apporté une renommée mondiale à l'art russe. Leurs vues esthétiques ont été influencées par les idées du mouvement démocratique des années 60 et 1863. En 13, un groupe d'élèves de l'Académie des Arts, qui a quitté ses murs ("révolte des XNUMX"), organise "l'Artel des Vagabonds". Les mêmes idées ont inspiré les participants du Cercle Musical de Saint-Pétersbourg : 1) M. A. Balakireva ; 2) M. P. Moussorgski ; 3) N. A. Rimsky-Korsakov. Une place particulière dans la musique russe est occupée par P. I. Tchaïkovski, auteur : 1) opéras ; 2) ballets; 3) œuvres symphoniques et de chambre. Dans les années 60. 1836ème siècle à Saint-Pétersbourg, un petit groupe de compositeurs s'est rallié pour poursuivre l'œuvre de M. I. Glinka. Par la suite, ce groupe, selon l'expression appropriée du critique d'art V.V. Stasov, a été appelé le "Mighty Handful". Son principal organisateur et théoricien était M. A. Balakirev (1910-XNUMX). En plus de lui, le "Mighty Handful" comprenait: 1) M. P. Moussorgski ; 2) N.A. Rimski-Korsakov ; 3) A.P. Borodine ; 4) C.A. Cui. L'activité du "Mighty Handful" est un phénomène si frappant dans la culture russe que les contemporains en ont parlé comme d'une "révolution musicale" des années 1860 et 70. Après avoir fait face à la tâche avec brio, le "Mighty Handful" a finalement approuvé les débuts nationaux russes dans la musique. P. I. Tchaïkovski (1840-1893) n'a pas été inclus dans le "Mighty Handful". Il gravite vers des formes musicales paneuropéennes, bien que son travail appartienne sans aucun doute à l'école russe. Son talent s'est particulièrement manifesté dans les poèmes symphoniques "Roméo et Juliette", "La Tempête". Les ballets de Tchaïkovski ("Le Lac des cygnes", "La Belle au bois dormant", "Casse-Noisette") sont devenus des classiques du ballet mondial. 6. Peinture Le 9 novembre 1863, un grand groupe de diplômés de l'Académie des Arts a refusé d'écrire des travaux compétitifs sur le thème proposé de la mythologie scandinave. 14 étudiants de la classe d'histoire ont demandé avec défi de quitter l'Académie. Se retrouvant sans ateliers et sans argent, les rebelles se sont unis dans une sorte de commune - "l'Artel des Artistes", dirigée par le peintre I. N. Kramskoy (1837-1887). Les ouvriers d'Artel recevaient des commandes pour l'exécution de diverses œuvres d'art, vivaient dans la même maison, se réunissaient dans une salle commune pour des conversations, des discussions sur des peintures et des livres de lecture. Cette organisation organisait des expositions annuelles, les montrait dans différentes villes de Russie et répartissait les revenus entre les membres du Partenariat. Sept ans plus tard, elle s'est dissoute, mais à cette époque est née "l'Association des expositions d'art itinérantes", une association professionnelle et commerciale d'artistes qui défendaient des positions idéologiques proches. Au milieu des années 90. 1917ième siècle Le partenariat a perdu son rôle. Au total, jusqu'en 45, 48 expositions ont eu lieu ; le dernier, le 1923e, fut aménagé en XNUMX. L'aîné des Wanderers, qui travaillait dans le genre domestique, était G. G. Myasoedov (1834-1911). L'œuvre qui lui a valu le plus grand succès est Zemstvo déjeune (1872). Le tableau le plus célèbre d'un autre vagabond - V. M. Maksimov (1844-1911) - "L'arrivée d'un sorcier lors d'un mariage paysan" (1875). Le sens accusatoire de l'image est évident (à cette époque, c'était presque une exigence obligatoire pour une œuvre d'art), ce qui montrait la superstition et le manque de lumière de la paysannerie. VE Makovsky (1846-1920) a travaillé presque exclusivement dans la peinture de genre. Dans l'une de ses meilleures œuvres, "Sur le boulevard" (1886-1887), l'artiste a représenté un lieu spécifique - le boulevard Tverskoy à Moscou. N. A. Yaroshenko (1846-1898) a également peint pas mal de toiles, mais le tableau "Life Everywhere" (1887-1888) lui a valu la renommée. I. K. Aivazovsky (1817-1900), alors qu'il était encore étudiant, a choisi le paysage marin comme thème principal de son travail. S'installant à Feodosia, il créa les meilleures œuvres, les plus célèbres - "La neuvième vague" (1850). Une autre œuvre remarquable d'Aivazovsky est La mer Noire (1881). L'artiste peignait souvent de mémoire et pouvait créer un tableau en deux heures. Il possédait les talents d'architecte, de musicien, de poète, d'archéologue. Des bijoux antiques qu'il a déterrés en Crimée sont toujours conservés à l'Ermitage. A. K. Savrasov a réussi à montrer la beauté et le lyrisme subtil d'un simple paysage russe. Son tableau "The Rooks Have Arrived" (1871) a incité de nombreux contemporains à porter un regard neuf sur leur nature natale. I. I. Shishkin (1832-1898) est devenu le chanteur de la forêt russe, l'étendue épique de la nature russe. AI Kuindzhi (1841-1910) était attiré par le jeu pittoresque de la lumière et de l'air. La peinture de paysage russe du XIXe siècle atteint son apogée. atteint dans le travail de l'étudiant de A. K. Savrasov I. I. Levitan (1860-1900). Dans la seconde moitié du XIXème siècle. l'épanouissement créatif de I. E. Repin, V. I. Surikov et V. A. Serov. 7. Architecture et sculpture Dans la 2ème moitié du XIXème siècle. dans le cadre de l'expansion de l'utilisation du fer et du verre, le début de l'utilisation du béton, les architectes se sont concentrés sur la fonctionnalité des bâtiments. Dans la 2ème moitié du XIXème siècle. l'architecture et la sculpture étaient en crise. Le réalisme a dominé l'art. Les architectes se sont tournés vers les traditions historiques, mais dans la pratique, cela a conduit à un mélange de styles différents. Un tel mélange de genres différents dans une même œuvre s'appelle l'éclectisme. A cette époque, l'apparence des villes change rapidement. Les immeubles locatifs occupaient les rues centrales, évinçant les manoirs. Les théâtres, les musées, les banques, les grands magasins et les gares rivalisaient avec les temples et les palais en taille et en abondance de décoration. Dans le même temps, suivant la mode de l'Europe occidentale, des galeries marchandes ont commencé à être construites en Russie. L'immeuble du passage animait tout l'îlot, et le long de celui-ci, comme le long d'un boulevard, on pouvait se promener d'une rue à l'autre. En 1889-1893. Des rangées commerciales supérieures ont été construites à Moscou (architecte A. N. Pomerantsev). Des tendances similaires ont été observées dans le domaine de la sculpture. A la fin des années 50. 1862ème siècle Un concours a été annoncé pour la création d'un monument au millénaire de la Russie. Il devait être érigé à Novgorod en 1835. M. O. Mikeshin (1896-1880) est devenu le vainqueur du concours. Le sculpteur n'a réussi qu'en abandonnant la monumentalité. Tel est le célèbre monument à A. S. Pouchkine sur le boulevard Tverskoy à Moscou (1838) par Alexander Mikhailovich Opekushin (1923-XNUMX). Le monument est petit ; Il s'agit d'une œuvre qui n'est pas conçue pour un grand espace. Le poète se tient debout, pensant, dans une pose libre. Le sculpteur a réussi à transmettre un moment d'inspiration et à rendre sublime et belle l'apparence modeste de Pouchkine. CONFÉRENCE N ° 10. La culture russe de l'âge d'argent 1. Caractéristiques générales de la culture de l'âge d'argent Culture russe de la fin du XIX - début du XX siècles. a reçu le nom de l'âge d'argent (terme N. A. Berdyaev). Au cours de cette période, deux courants culturels différents se sont rencontrés : d'une part, les traditions remontant au XIXe siècle prévalaient, d'autre part, une tendance à la recherche de formes non traditionnelles est apparue. La caractéristique de cette époque était le fait que les écoles qui s'écartaient des thèmes socio-politiques de l'art étaient souvent considérées comme des représentants de l'opposition (A. Blok et A. Bely, M. Vrubel, V. Meyerhold). Ceux qui perpétuaient consciemment les traditions classiques étaient considérés comme les porte-parole des idées démocratiques générales. Au tournant du siècle, de nombreuses associations artistiques ont vu le jour en Russie: le Monde de l'art, l'Union des artistes russes, etc. Les soi-disant colonies artistiques sont apparues - Abramtsevo et Talashkino, qui rassemblaient des peintres, des architectes et des musiciens sous un même toit. . En architecture, le style Art nouveau est promu. Un trait caractéristique de la culture du début du XXe siècle a été l'émergence et la propagation rapide de la culture urbaine de masse. L'exemple le plus frappant de ce phénomène est le succès sans précédent d'un nouveau genre de spectacle, le cinéma. 2. Éducation et sciences La croissance de l'industrie a créé une demande de personnes instruites. Cependant, le niveau d'éducation a légèrement changé : le recensement de 1897 enregistrait 21 personnes alphabétisées pour 100 habitants de l'empire, et dans la Baltique et l'Asie centrale, chez les femmes et au village, ce niveau était plus bas. Les crédits du gouvernement pour l'école ont augmenté de 1902 à 1912. plus de 2 fois. Depuis le début du siècle, la question de l'enseignement primaire obligatoire s'est posée (elle a été adoptée au niveau législatif en 1908). Après la révolution de 1905-1907. il y a eu une certaine démocratisation de l'enseignement supérieur : les élections des doyens et des recteurs ont été autorisées, des organisations étudiantes ont commencé à se former. Le nombre d'établissements d'enseignement secondaire et supérieur a augmenté rapidement: en 1914, ils étaient plus de 200. L'Université de Saratov a été fondée (1909). Au total, en 1914, il y avait environ 100 universités dans le pays avec 130 XNUMX étudiants. En général, le système éducatif ne répondait pas aux besoins du pays. Il n'y avait pas de continuité entre les différents niveaux d'enseignement. dans les sciences humaines au début du XXe siècle. un tournant important se produit. Les sociétés scientifiques ont commencé à réunir non seulement l'élite scientifique, mais aussi les amateurs, tous ceux qui veulent s'engager dans des activités de recherche. Les plus connus étaient : 1) géographique ; 2) historique ; 3) sociétés archéologiques et autres. Le développement des sciences naturelles a eu lieu en contact étroit avec la science mondiale. Le phénomène le plus frappant est l'émergence de la pensée religieuse et philosophique russe, attribut de la philosophie russe. Ecole historique russe du début du XXe siècle. a acquis une reconnaissance mondiale. Les études de A. A. Shakhmatov sur l'histoire de l'écriture de chroniques russes, V. Klyuchevsky (période pré-pétrinienne de l'histoire russe) sont devenues largement connues dans le monde. Les réalisations en sciences historiques sont également associées à des noms: 1) P.N. Milyukov; 2) N.P. Pavlov-Silvansky; 3) A. S. Lappo-Danilevsky et autres. La modernisation du pays exigeait aussi un nouvel afflux de forces dans le domaine des sciences naturelles. De nouveaux instituts techniques ont été ouverts en Russie. Les scientifiques de classe mondiale étaient le physicien P. N. Lebedev, les mathématiciens et mécaniciens N. E. Zhukovsky et S. A. Chaplygin, les chimistes N. D. Zelinsky et I. A. Kablukov. Moscou et Saint-Pétersbourg sont devenues des capitales scientifiques reconnues dans le monde. Au début du siècle, la « découverte » géographique de la Russie se poursuivait. D'immenses étendues inexplorées ont encouragé les scientifiques et les voyageurs à faire des expéditions risquées. Les voyages de V. A. Obruchev, G. Ya. Sedov, A. V. Koltchak ont acquis une grande popularité. V. I. Vernadsky (1863-1945), encyclopédiste, l'un des fondateurs de la géochimie, la doctrine de la biosphère, qui a ensuite formé la base de son idée de la noosphère, ou la sphère de l'esprit planétaire, est parmi les célèbres scientifiques de cette époque. En 1903, les travaux du créateur de la théorie de la propulsion des fusées, K. E. Tsiolkovsky (1875-1935), sont publiés. Les travaux de N. E. Zhukovsky (1847-1921) et I. I. Sikorsky (1889-1972) dans la construction aéronautique, I. P. Pavlov, I. M. Sechenov et d'autres étaient d'une importance significative. 3. Littérature. Théâtre. Cinéma Le développement de la littérature s'est aligné sur les traditions de la littérature classique russe du XIXe siècle, dont la personnification vivante était L. N. Tolstoï. Littérature russe du début du XXe siècle. représenté par les noms de A. P. Chekhov, M. Gorky, V. G. Korolenko, A. N. Kuprin, I. A. Bunin, etc. Début du XNUMXème siècle était l'apogée de la poésie russe. De nouvelles tendances sont nées: acméisme (A. A. Akhmatova, N. S. Gumilyov), symbolisme (A. A. Blok, K. D. Balmont, A. Bely, V. Ya. Bryusov), futurisme (V. V. Khlebnikov, V. V. Mayakovsky) et autres. Cette période a été caractérisée par des caractéristiques telles que : 1) la pensée moderniste des créateurs de culture ; 2) forte influence de l'abstractionnisme ; 3) parrainage. La presse périodique a acquis une grande importance dans la vie de la société russe. La libération (1905) de la presse de la censure préalable a contribué à une augmentation du nombre de journaux (à la fin du XIXe siècle - 105 quotidiens, en 1912 - 1131 journaux en 24 langues), et à une augmentation de leur tirage. Les plus grandes maisons d'édition - I. D. Sytin, A. S. Suvorin, "Knowledge" - ont produit des éditions bon marché. Chaque mouvement politique avait ses propres organes de presse. La vie théâtrale était également riche, où les théâtres Bolchoï (Moscou) et Mariinsky (Pétersbourg) occupaient les premières places. En 1898, K. S. Stanislavsky et V. N. Nemirovich-Danchenko ont fondé le Théâtre d'art de Moscou (à l'origine le Théâtre d'art de Moscou), sur la scène duquel des pièces de Tchekhov, Gorki et d'autres ont été mises en scène. Au début du XXe siècle. l'attention de la communauté musicale a été attirée sur le travail de compositeurs russes talentueux tels que: 1) A.N. Skryabine ; 2) N.A. Rimski-Korsakov ; 3) SV Rachmaninov ; 4) I. F. Stravinsky. Particulièrement populaire auprès de divers segments de la population urbaine, celle qui est apparue au tournant des XIXe et XXe siècles. cinéma; en 1908, le premier long métrage russe "Stenka Razin" est sorti. En 1914, plus de 300 peintures avaient été produites dans le pays. 4. Peinture Dans les arts visuels, il y avait une tendance réaliste - I. E. Repin, l'Association des expositions itinérantes - et des tendances avant-gardistes. L'une des tendances était un appel à la recherche de la beauté originale nationale - les œuvres de M. V. Nesterov, N. K. Roerich et d'autres. L'impressionnisme russe est représenté par les œuvres de V. A. Serov, I. E. Grabar (Union des artistes russes), K. A Korovina , P. V. Kuznetsova ("Golubayaroza") et autres. Dans les premières décennies du XXe siècle. artistes unis pour organiser des expositions communes: 1910 - l'exposition "Jack of Diamonds" - P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, R. R. Falk, A. V. Lentulov, D. D. Burliuk et d'autres artistes célèbres de cette période - K. S. Malevitch, M. 3. Chagall, V. E. Tatline. Un rôle majeur dans le développement des artistes avait des contacts avec l'art occidental, une sorte de "pèlerinage à Paris". Un rôle important dans le développement de l'art russe a été joué par la direction artistique "World of Art", née à la fin du XIXe siècle. A Pétersbourg. En 1897-1898. S. Diaghilev a organisé et tenu trois expositions à Moscou et, après avoir apporté un soutien financier, a créé en décembre 1899 le magazine "World of Art", qui a donné le nom au mouvement. "World of Art" a ouvert la peinture finlandaise et scandinave, les artistes anglais au public russe. En tant qu'association littéraire et artistique intégrale, le "Monde de l'Art" a existé jusqu'en 1904. La reprise du groupe en 1910 ne pouvait plus lui rendre son ancien rôle. Les artistes A. N. Benois, K. A. Somov, E. E. Lansere, M. V. Dobuzhinsky, L. S. Bakst et d'autres se sont unis autour du magazine. , metteurs en scène et décorateurs de théâtre, écrivains. Les premiers travaux de M. V. Nesterov (1862-1942), qui se considérait comme un élève de V. G. Perov et V. E. Makovsky, ont été réalisés sur des sujets historiques de manière réaliste. L'œuvre centrale de Nesterov est "La vision de la jeunesse Barthélemy" (1889-1890). K. A. Korovine (1861-1939) est souvent qualifié d'"impressionniste russe". En effet, de tous les artistes russes du tournant des XIX-XX siècles. il maîtrisait parfaitement certains des principes de cette direction - une perception joyeuse de la vie, le désir de transmettre des sensations fugaces, un jeu subtil de lumière et de couleur. Une grande place dans l'œuvre de Korovine était occupée par le paysage. L'artiste a également peint des boulevards parisiens ("Paris. Boulevard des Capucins", 1906), des vues spectaculaires sur la mer et la nature de la Russie centrale. Korovine a beaucoup travaillé pour le théâtre, conçu des performances. L'art de V. A. Serov (1865-1911) est difficile à attribuer à une direction spécifique. Dans son œuvre, il y a une place à la fois pour le réalisme et pour l'impressionnisme. Surtout, Serov est devenu célèbre en tant que portraitiste, mais il était aussi un excellent paysagiste. Depuis 1899, Serov a participé à des expositions de l'association "World of Art". Sous leur influence, Serov s'est intéressé au thème historique (l'ère de Pierre Ier). En 1907, il part en voyage en Grèce (tableaux "Ulysse et Nausicaa", "L'Enlèvement d'Europe", tous deux de 1910). Le grand artiste russe M. A. Vrubel (1856-1910) est largement connu. L'originalité de sa manière picturale était dans l'écrasement sans fin de la forme à la limite. M. A. Vrubel est l'auteur de cheminées en faïence avec des héros russes, de bancs avec des sirènes, de sculptures ("Sadko", "Snow Maiden", "Berendey", etc.). Originaire de Saratov, V. E. Borisov-Musatov (1870-1905) a beaucoup travaillé en plein air (dans la nature). Dans ses croquis, il a essayé de capturer le jeu de l'air et de la couleur. En 1897, il peint le croquis Agave, et un an plus tard, Autoportrait avec sœur est apparu. Ses personnages ne sont pas des personnes spécifiques, l'auteur lui-même les a inventés et les a habillés de camisoles, de perruques blanches, de robes à crinolines. Les peintures révèlent un monde poétique et idéalisé d'anciens "nids nobles" tranquilles, loin de la confusion générale de l'ère critique moderne. 5. Architecture et sculpture En architecture, un nouveau style s'est répandu - moderne avec sa volonté caractéristique de souligner le but des bâtiments résidentiels et publics. Il a largement utilisé : 1) fresques ; 2) mosaïque ; 3) vitraux ; 4) céramiques ; 5) sculpture ; 6) nouveaux designs et matériaux. L'architecte F. O. Shekhtel (1859-1926) est devenu un chanteur du style Art nouveau, l'épanouissement de l'architecture de ce style en Russie est associé à son nom. Au cours de sa vie créative, il a construit une quantité extraordinaire : des hôtels particuliers et des chalets d'été, des immeubles résidentiels à plusieurs étages, des bâtiments commerciaux et industriels, des banques, des imprimeries et même des bains. De plus, le maître a conçu des représentations théâtrales, illustré des livres, peint des icônes, conçu des meubles et créé des ustensiles d'église. En 1902-1904. F. O. Shekhtel a reconstruit la gare de Yaroslavsky à Moscou. La façade était décorée de panneaux de céramique fabriqués dans l'atelier de Bramtsevo, l'intérieur - avec des peintures de Konstantin Korovin. Dans la 1ère décennie du XNUMXe siècle, à l'apogée de l'Art nouveau, l'intérêt pour les classiques a commencé à renaître dans l'architecture. De nombreux artisans ont utilisé des éléments de l'ordre et du décor classiques. Il y avait donc une direction stylistique particulière - le néoclassicisme. Au tournant des XIX-XX siècles. une nouvelle génération de sculpteurs se forme qui s'oppose au sens réaliste. Désormais, la préférence n'était pas donnée aux détails minutieux de la forme, mais à la généralisation artistique. Même l'attitude envers la surface de la sculpture, sur laquelle les empreintes digitales ou les piles du maître étaient conservées, a changé. Intéressés par les caractéristiques du matériau, ils ont souvent préféré le bois, la pierre naturelle, l'argile et même la pâte à modeler. A. S. Golubkina (1864-1927) et S. T. Konenkov, qui sont devenus des sculpteurs de renommée mondiale, se distinguent particulièrement ici. CONFÉRENCE N° 11. La culture russe des années 20-30. XNUMXième siècle 1. Caractéristiques générales de l'époque La vie culturelle de l'Union soviétique dans les années 1920-30. contradictoires : l'alphabétisation de la population adulte, la familiarisation avec les acquis de la culture, la pression idéologique, la lutte contre toute manifestation de dissidence, la persécution de la religion, l'expulsion des personnalités culturelles du pays et la répression contre ceux qui sont restés. Les écrivains et compositeurs qui ont commencé leur vie créative dans les années révolutionnaires ont continué à créer. Parallèlement, diverses tendances littéraires et artistiques existaient dans le pays: du réalisme classique au modernisme dans ses manifestations les plus diverses. La révolution d'octobre 1917 a changé la direction du développement de l'art russe. Dans la première moitié des années 20. les artistes poursuivaient leurs expérimentations et leurs recherches, mais la vie artistique subissait une pression idéologique croissante de la part de l'État. De nombreux maîtres ont été contraints de partir à l'étranger et les autres ont été persécutés dans la presse. A partir du milieu des années 1920. la variété des directions créatives a commencé à disparaître progressivement. Les activités des écrivains, artistes, compositeurs et artistes étaient contrôlées par les autorités politiques. Lors de l'évaluation des œuvres littéraires et artistiques, leur affiliation à un parti est venue au premier plan. Dans les années 1930 dans l'art de l'URSS, le "Grand style" s'affirme. Les délices d'avant-garde se sont avérés totalement inutiles pour la nouvelle société. Donc depuis le début des années 1930. les premiers signes d'un retour à l'extérieur traditionnel dans la culture sont observés. L'idéologie d'État a mis en avant le réalisme socialiste comme principale méthode artistique - l'art académique, conçu pour éduquer les gens dans l'esprit de la morale communiste. En 1932, toutes les associations indépendantes ont été interdites par un décret gouvernemental spécial et un système étatique d'unions créatives a été créé - l'Union des artistes de l'URSS, l'Union des architectes de l'URSS, etc. 2. Éducation et sciences. sport Théoriciens du marxisme russe dans les années 1920. Ils ont établi une idéologie selon laquelle une « révolution culturelle » a eu lieu au cours de cette période. Le recensement de la population de 1920 a révélé que le pays comptait 54 millions de personnes analphabètes. L'élimination de l'analphabétisme était donc l'une des tâches principales. Des milliers d'écoles d'alphabétisation (écoles pédagogiques) ont été créées. Parallèlement à l'élimination de l'analphabétisme, les tâches de propagande visant à consolider l'idéologie bolchevique ont également été résolues. Ce travail était supervisé par le Glavpolitprosvet. » Le réseau de clubs ouvriers, de salles de lecture et de bibliothèques s'étendait. Les écoles FZU devinrent une nouvelle forme de formation pour les travailleurs. Le personnel était également formé dans les écoles techniques, les écoles spéciales et les cours de courte durée. cours. Le système d'enseignement supérieur et secondaire spécialisé du pays a subi des changements majeurs. Pendant les odes de la guerre civile, beaucoup a été fait pour rendre les universités accessibles aux travailleurs. Les examens d'entrée ont été annulés et tous ceux qui voulaient entrer dans les universités ont été acceptés. Dans les années 1920 une forme spéciale d'enseignement supérieur est apparue - les facultés ouvrières (facultés ouvrières). Des mesures ont été prises pour modifier radicalement les programmes des établissements d'enseignement supérieur et des universités, pour retirer des universités les professeurs et les enseignants déloyaux envers le gouvernement. En 1921, l'Institut des professeurs rouges (IKP) a été créé à Moscou pour former des enseignants marxistes dans l'enseignement supérieur. Vers la fin des années 30. dans toutes les républiques fédérées, il y avait des établissements d'enseignement supérieur et dans toutes leurs capitales - des universités. En termes de nombre d'étudiants qui étudient dans les universités et les écoles techniques, l'Union soviétique est arrivée à l'une des premières places au monde. La construction à grande échelle se déroule pendant les années du premier plan quinquennal (1928-1933). À cette époque, les instituts pédagogiques, les collèges et les écoles techniques forment un nombre important de spécialistes. Le centre de la vie scientifique était l'Académie des sciences de Moscou, qui réunissait les meilleurs scientifiques dans ses murs. Le gouvernement soviétique, afin de développer la science et d'augmenter le nombre de scientifiques, a initié la création d'académies républicaines des sciences, ainsi que d'académies de branche (sciences médicales, etc.). Tout un réseau de bureaux d'études et de conception a été organisé, à travers lequel les idées ont été introduites dans la production. Il convient de noter que l'État a soutenu dans une certaine mesure les sciences naturelles et techniques. Les sciences humaines se trouvent dans une situation bien plus difficile. En 1929, l'Académie des sciences agricoles de toute l'Union nommée d'après V.I. V. I. Lénine (VASKhNIL, président - N. I. Vavilov). Jusqu'à sa mort en 1936, le célèbre physiologiste russe IP Pavlov a poursuivi ses recherches. L'éleveur I. V. Michurin a obtenu un grand succès. L'Institut de génétique de l'Académie des sciences de l'URSS, l'Institut de la culture des plantes (VIR), a joué un rôle de premier plan dans le développement de la science mondiale. Cependant, de nombreux scientifiques éminents ont rapidement été réprimés, notamment N. I. Vavilov, S. P. Korolev, etc.. Le développement de domaines scientifiques prometteurs (génétique, etc.) a été interrompu pendant longtemps. L'Institut d'histoire a également été formé. Dans les années 30. 1ième siècle l'enseignement de l'histoire se développe dans les collèges et lycées. Le 1934er septembre XNUMX, les facultés d'histoire ont été restaurées dans les universités de Moscou et de Leningrad. L'Institut d'histoire, de philosophie et de littérature de Moscou a joué un rôle important dans la formation des spécialistes des sciences humaines. Les dirigeants du gouvernement soviétique ont également pris des mesures pour développer le sport: les athlètes ont reçu des commandes, ont reçu des prix en espèces et ont reçu le titre de maîtres émérites des sports de l'URSS. Dans les années 30. toute une galaxie d'athlètes exceptionnels est apparue qui a commencé à établir des records du monde. 3. Littérature. pensée publique. Vie publique. Cinéma. Théâtre En 1934, le premier congrès de toute l'Union des écrivains soviétiques a eu lieu. Deux ans plus tard, l'Union des écrivains de l'URSS est créée sous la direction de M. Gorki et le réalisme socialiste est proclamé la seule tendance officielle de la littérature soviétique. La prédominance du réalisme socialiste dans les années suivantes a isolé l'art soviétique des réalisations de la culture mondiale. Crée massivement divers groupes et associations. L'un des groupes littéraires influents, les Serapion Brothers (1921), réunissait principalement des prosateurs (K. A. Fedin, V. V. Ivanov, M. M. Zoshchenko, V. A. Kaverin). Le groupe littéraire "Pass" a été créé au magazine "Krasnaya Nov" (M. Prishvin, V. Kataev). Les membres du groupe ont plaidé pour la préservation de la continuité des traditions de la littérature russe et mondiale. En 1924, l'Association russe des écrivains prolétariens (RAPP) est née. Un autre groupe littéraire, le Front de gauche des arts (LEF, 1922), comprenait les poètes V. V. Mayakovsky, N. N. Aseev et S. M. Tretyakov. Certains écrivains et poètes éminents n'appartenaient à aucun groupe ni association. Au début des années 20. XNUMXième siècle la poésie dominait la littérature. Faute de papier, une forme de poésie "orale" s'est répandue : 1) soirées littéraires ; 2) concerts; 3) litiges. Il y a aussi de nouvelles histoires et romans de grands maîtres de la prose - par exemple, A. N. Tolstoï ("Marcher à travers les tourments" (1921)). Dans le contexte de l'ère révolutionnaire, les œuvres symbolistes et formalistes se sont généralisées. Le problème du héros a été relégué au second plan pendant un certain temps, et les problèmes d'intrigue, de forme et de style sont passés au premier plan. En prose, il y a eu un virage vers une plus grande concrétisation et individualisation des images. Des livres de contenu intime et policier ont commencé à apparaître, et la prose sociale est également apparue. A partir de la seconde moitié des années 1920. les œuvres littéraires ont commencé à être remplies des mêmes clichés, la gamme de sujets d'intrigue était limitée. Les romans satiriques construits sur des intrigues socio-utopiques aventureuses se sont répandus. Les écrivains les plus proches des autorités ont reçu des honoraires élevés, des appartements et des chalets d'été spacieux et des soins médicaux de haute qualité. Ainsi, le régime totalitaire a apprivoisé de nombreuses figures culturelles. Une "intelligentsia artistique soviétique" a commencé à prendre forme. Cependant, même au cours de ces années, tant au sein du courant dominant qu'en dehors, des œuvres importantes ont été créées : 1) "Quiet Flows the Don" et la 1ère partie de "Virgin Soil Upturned" de M. A. Sholokhov ; 2) "Le Maître et Marguerite" de M. A. Boulgakov ; 3) poèmes et poèmes de A. A. Akhmatova, P. N. Vasiliev, N. A. Klyuev, O. E. Mandelstam, M. I. Tsvetaeva; 4) romans et histoires de A. M. Gorki, A. N. Tolstoï, N. A. Ostrovsky, A. A. Fadeev, I. Ilf et E. Petrov, etc. La transition vers la NEP a donné vie au mouvement des "Smenovekhovites", qui a englouti une partie de l'intelligentsia russe (du nom de la collection socio-politique de 6 articles des auteurs de l'orientation des cadets - N. V. Ustryalova, Yu. A. Klyuchnikov et autres - "Changement de jalons"), qui a reconnu le caractère profondément russe de la révolution, a noté la coïncidence des intérêts du gouvernement soviétique et des besoins de l'État russe. L'Église, en tant que porteuse des valeurs spirituelles du peuple, ne pouvait pas se réconcilier avec l'approche bolchevique de la culture et de l'éducation des masses, qui s'accompagnait de la substitution des valeurs humaines universelles aux critères de classe. D'où la lutte sans merci contre la religion lancée par le gouvernement soviétique dans les années 1920 et 1930. Toutes les confessions religieuses répandues en URSS ont été persécutées : 1) Orthodoxie; 2) protestantisme ; 3) catholicisme ; 4) l'uniatisme ; 5) Islam ; 6) bouddhisme ; 7) judaïsme ; 8) diverses formes de sectarisme. Le cinéma joue toujours un rôle important. Des réalisateurs, caméramans et acteurs talentueux ont créé des films qui ont eu un impact indélébile sur l'esprit des gens ("Bright Way", "Volga-Volga", "Pig and Shepherd"). Les membres de la direction du parti ont personnellement regardé presque tous les films sortis et étaient les plus hauts censeurs. Sur les scènes de nombreux théâtres célèbres (MKhAT, Maly Theatre), aux côtés des classiques des années 1920. des pièces de nouveaux dramaturges sur des thèmes révolutionnaires ont été mises en scène. 4. Peinture Le développement de l'art s'est également accompagné de la lutte de diverses directions. L'Association des artistes de la Révolution (AKhR, 1922) était l'organisation artistique la plus massive, qui visait à développer les traditions errantes dans l'esprit du «documentarisme artistique». Les membres de l'AHR ont créé de nombreuses belles peintures (œuvres de I. A. Brodsky, E. M. Cheptsov, K. F. Yuon). L'AHR, comme le RAPP, revendiquait le monopole de l'art. Une autre association importante - la "Society of Easel Artists" (OST, 1925), organisée par des diplômés de VKhUTEMAS, a cherché à créer des peintures modernes non seulement dans leur contenu, mais aussi dans leurs moyens visuels (œuvres de A. E. Deineka, Yu. N Pimenova et autres). La Société des Artistes "4 Arts" (1924) s'est constituée parmi les anciens membres des associations "Blue Rose", "World of Art". Une culture professionnelle irréprochable, un sens artistique, une fidélité à la tradition et, en même temps, des recherches audacieuses caractérisent les membres de ce groupe (œuvres de P. G. Kuznetsov, K. S. Petrov-Vodkin, M. S. Saryan et autres). Le fondateur du suprématisme K. S. Malevich et V. Kandinsky ont également travaillé de manière fructueuse. La manière créative de K. S. Petrov-Vodkin (1878-1939) est particulière. Des impressions d'anciennes icônes russes et des toiles de la Renaissance italienne, de l'Art nouveau russe et du fauvisme français sont étroitement liées dans ses peintures. Le résultat de la quête de Petrov-Vodkin était un véritable chef-d'œuvre - "Bathing the Red Horse" (1912). L'image de la mère était très importante pour cet artiste. L'une des œuvres les plus importantes sur ce sujet était le tableau "1918 à Petrograd" ("Petrograd Madonna", 1920). L'œuvre de Marc Chagall (1887-1985), couvrant la quasi-totalité du XXe siècle, est devenue l'une des pages les plus intéressantes de la peinture russe et européenne. Il a facilement maîtrisé les traditions de différents pays, époques et styles, tout en conservant son écriture unique. L'image de sa province natale et étonnamment chère, Vitebsk, est devenue l'un des thèmes de l'œuvre de Chagall. V. E. Tatlin (1885-1953) - l'artiste de l'avant-garde russe, fondateur du constructivisme, qui a appelé le processus de son travail: "construction de matériaux", "culture de matériaux", etc. Dans les années 1920 un certain nombre de tendances artistiques ont conservé une continuité avec l'art russe moderne et avant-gardiste. D'autre part, de nouveaux types d'activités artistiques voient le jour : cinéma, publicité, design. La peinture était étroitement contrôlée. Les peintures et sculptures à contenu historique et révolutionnaire, les portraits de dirigeants et de dirigeants syndicaux étaient particulièrement appréciés. De nombreux artistes se sont lancés dans la peinture de paysage, dans d'autres thèmes neutres, mais même là, ils ont été obligés d'observer strictement les formes établies. Déjà dans les années 1920. les critiques ont noté le "virage vers le réalisme" pittoresque. 5. Architecture et sculpture À la suite de la nationalisation des terres et des grands biens immobiliers dans les villes, l'État est devenu le seul client des travaux de construction en Russie soviétique. Dans la première décennie post-révolutionnaire, sa dictature idéologique n'avait pas encore affecté l'art. Concours ouverts, discussions, projets originaux et systèmes d'enseignement dans les universités d'art composent le tableau d'un essor créatif sans précédent de la fin des années 1910-1920. L'architecture des années 1920 caractérisée par une recherche intensive de nouveaux styles, de formes innovantes. Dans la première moitié des années 1, alors que la construction était limitée, les projets de bâtiments divers (maisons d'habitation, palais du travail, clubs ouvriers, maisons communales) se sont largement développés. Le développement était un style architectural basé sur le soi-disant constructivisme. Le néoclassicisme a commencé à renaître. Le plan le plus grandiose, bien qu'inachevé, était la construction du Palais des Soviets à Moscou sur le site de la cathédrale du Christ Sauveur détruite. Le palais devait être couronné d'une immense statue de Lénine. Un exemple frappant d'innovation technique est la tour radio de Moscou, érigée en 1922 selon le projet de V. G. Shukhov (1853-1939). Il a été l'un des premiers à utiliser des structures en treillis d'acier à double courbure - hyperboloïdes, qui avaient un grand avenir dans la pratique mondiale de la construction. Le projet de développement de la capitale a anticipé les idées d'urbanisme ultérieures de l'Ouest. En 1929-1930. une discussion animée sur l'installation dans une société socialiste s'est déroulée - une dispute entre "urbanistes" et "dé-urbanistes". Les premiers (dont A. A. et L. A. Vesnin) ont avancé l'idée de créer des cités communales avec des logements de type hôtel et la socialisation complète de toutes les formes de services culturels et communautaires, y compris jusqu'à l'éducation des enfants. Leurs adversaires (M. Ya. Ginzburg et autres) ont estimé qu'il était possible de remplacer les villes par un réseau d'autoroutes, le long duquel des bâtiments résidentiels s'étendaient en un ruban continu, et derrière eux - des bandes industrielles et agricoles. Parallèlement, chaque famille devait être dotée d'une maison typique et d'une voiture. Au début des années 30. 1932ième siècle dans le développement de l'architecture soviétique, il y a eu un tournant décisif. En XNUMX, toutes les associations ont été fusionnées dans l'Union des architectes de l'URSS. De nombreux bâtiments sont apparus, d'une taille et d'une abondance de décorations désagréablement frappantes. Dans le même temps, des constructions de masse ont été réalisées dans le pays. Des projets modèles de bâtiments résidentiels, d'écoles et d'institutions publiques ont été développés. Le développement de l'industrie de la construction visait principalement à réduire les coûts et à accélérer les travaux : depuis 1927, l'utilisation de parpaings a commencé, en 1940, les premières maisons à panneaux ont été construites. En 1935, des travaux à grande échelle ont commencé sur la reconstruction de Moscou (l'auteur du projet était V. N. Semenov). En 1941, l'ensemble du centre de Moscou a été reformé, le système d'artères de transport de la ville a été mis à jour, 9 nouveaux ponts ont été construits sur les rivières Moscou et Yauza et des remblais de granit, trois lignes de métro, des espaces verts du parc central de la culture et du repos nommés d'après M. Gorki ont été aménagés. L'art de la sculpture a acquis une importance sociale et politique particulière en Russie après 1917. La propagande soviétique cherchait à créer une image de la modernité comme une époque héroïque ; un conte de fées qui devient réalité sous nos yeux. Pendant un certain temps, la sculpture soviétique a conservé des échos de l'impressionnisme, de la modernité et de l'avant-garde du début du XXe siècle, mais à la fin des années 1920. le principal point de référence pour la plupart des sculpteurs était les classiques. Ici, pour la première fois, la composition intensément dramatique de ID Shadr (1887-1941) "Cobblestone - l'arme du prolétariat" a été montrée; le majestueux, inspiré de l'image de l'Empire russe, le groupe d'A. T. Matveev "Octobre. Ouvrier, paysan et soldat de l'Armée rouge" et les statues de V. I. Mukhina (1889-1953) "Paysanne" et "Ouvrière et kolkhozienne " (tous deux 1927). CONFÉRENCE N ° 12. Culture de l'ère de la Grande Guerre patriotique 1. Caractéristiques générales de l'époque Les conditions dans lesquelles la culture s'est développée pendant la Grande Guerre patriotique étaient très difficiles. Tout manquait : papier, peintures, marbre, tissus, matériaux de construction. Toute l'industrie a été transférée d'urgence sur un pied militaire, les bâtiments et les villes ont été détruits. Le début patriotique dans l'art était très fort. De nombreuses personnalités culturelles ont rempli une mission importante pendant les années de guerre : leurs œuvres ont créé un contexte favorable dans les pays alliés pour soutenir l'URSS dans la lutte contre le fascisme. 2. Éducation et sciences Une condition nécessaire au développement réussi de l'économie nationale du pays était la formation continue du nouveau personnel dans les universités et les écoles techniques. En 1941, l'admission dans les universités a été réduite de moitié et leur nombre a diminué, le nombre d'étudiants a diminué de 3,5 fois et les durées d'études ont été réduites à 3 ans. Cependant, à la fin de la guerre, le nombre d'étudiants s'est approché du niveau d'avant-guerre. Un rôle important a été joué par l'Académie des sciences pédagogiques de la RSFSR (dirigée par V.P. Potemkine, fondée en 1943). La guerre a changé l'orientation pacifique du travail scientifique. Le 23 juin 1941, lors d'une réunion d'urgence, le Présidium de l'Académie des sciences de l'URSS appelle les scientifiques à mobiliser toutes les forces pour combattre les envahisseurs nazis. Les années de guerre sont devenues une période de solutions techniques audacieuses et originales. Au cours des premiers mois de la Grande Guerre patriotique, de nombreux instituts de recherche ont été contraints d'évacuer vers l'est. Pendant l'évacuation, ils ont conservé leurs équipes de recherche. Le présidium de l'Académie des sciences de l'URSS, évacué à Sverdlovsk, est resté le noyau organisateur des scientifiques du pays. Les sujets de recherche ont porté sur les domaines suivants : 1) développement de problèmes militaro-techniques; 2) assistance scientifique à l'industrie ; 3) Mobilisation des matières premières. Des gisements de bauxite dans le sud de l'Oural, des gisements de tungstène, de molybdène, de cuivre et de manganèse au Kazakhstan, d'importantes réserves de pétrole à Tataria ont été découverts et développés dans les plus brefs délais. Grâce aux géologues A. E. Fersman, V. A. Obruchev et d'autres, de nouveaux gisements de minerai de fer ont été explorés dans le Kuzbass, de nouvelles sources de pétrole en Bachkirie. De grands progrès ont également été réalisés dans les domaines de la biologie, de l'agriculture et de la médecine. Les scientifiques soviétiques ont trouvé de nouvelles matières premières végétales pour l'industrie, ont cherché des moyens d'augmenter le rendement des cultures vivrières et industrielles. Des problèmes majeurs ont été résolus par des scientifiques médicaux. Mais de nombreux scientifiques remarquables ont continué à languir dans les prisons et les camps du Goulag. Pendant les années de guerre, N. I. Vavilov, P. A. Florensky et d'autres y sont morts. Depuis 1943, un laboratoire sous la direction de I. V. Kurchatov a commencé à fonctionner à Moscou, qui a commencé à développer la fission de l'uranium. Et à la fin de la guerre, S. P. Korolev et Yu. B. Khariton, libérés du camp, ont commencé à jeter les bases du développement de la technologie des fusées. La contribution des mathématiciens a également été importante : 1) P. S. Aleksandrova ; 2) I.M. Vinogradova. Les physiciens A.F. Ioffe, S.I. Vavilov, P.L. Kapitsa, les chimistes N.D. Zelinsky, A.E. Favorsky ont activement travaillé pour la défense. Le scientifique A.P. Alexandrov a résolu avec succès le problème de la protection contre les mines des navires. Pendant les années de guerre, les créateurs des remarquables équipements et armes militaires soviétiques ont travaillé avec succès. Au cours de la lutte armée, il y a eu une amélioration qualitative continue des systèmes d'artillerie et des avions (auteurs V. G. Grabin, I. I. Ivanov, F. F. Petrov, B. I. Shavyrin et autres). Des succès dans la production d'armes légères ont été obtenus avec le rôle principal des concepteurs N. E. Berezina, S. V. Vladimirov, S. G. Simonov, F. V. Tokarev. Les scientifiques soviétiques ont réussi à réduire à plusieurs reprises le développement et la mise en œuvre de nouveaux types d'armes. Environ la moitié de tous les types d'armes légères et la grande majorité des nouveaux modèles de systèmes d'artillerie qui étaient en service dans l'armée en 1945 ont été créés et mis en série pendant la guerre. Grâce aux efforts des constructeurs de chars soviétiques, en particulier des ouvriers et des ingénieurs de l'Oural "Tankograd", l'avantage de l'ennemi dans les véhicules blindés a été relativement rapidement surmonté. En 1943, la prépondérance de la saturation des forces armées soviétiques avec des chars et de l'artillerie automotrice a commencé à croître. Un énorme mérite dans leur création appartenait à N. A. Astrov, N. L. Dukhov, Zh. Ya. Kotin, M. I. Koshkin, V. V. Krylov et d'autres. Depuis la seconde moitié de 1942, la production d'avions et de moteurs d'avions n'a cessé d'augmenter. L'avion d'attaque Il-2 est devenu l'avion le plus massif de l'armée de l'air soviétique. 3. Littérature. Musique. Théâtre Dans la confrontation spirituelle avec les agresseurs fascistes, notre culture a joué son propre rôle particulier. Un trait caractéristique du développement de la culture est l'approfondissement de l'intérêt pour le patrimoine classique national. Et ce n'est pas un hasard. Le fascisme avec sa division des peuples en "plein" et "inférieur" était un exemple de la destruction du patrimoine culturel de nombreux peuples. Au temps des épreuves sévères, le journalisme patriotique s'impose. Les auteurs se sont largement affranchis des stéréotypes des années d'avant-guerre, leurs œuvres sont devenues plus proches, plus compréhensibles pour les gens. La poésie connut un véritable essor. Le poème le plus célèbre de la guerre "Attends-moi" de K. M. Simonov, les soldats découpés dans des pages de journaux, réécrits, passés de main en main. Le poème d'A. Tvardovsky sur Vasily Terkin est devenu une œuvre exceptionnelle, dont le personnage principal combinait les caractéristiques de nombreuses personnes réelles et de personnages de contes populaires. Un homme qui pensait de manière indépendante, un homme de jugements et d'actions indépendants, qui ressentait un lien profond avec l'histoire de son peuple, a gagné la guerre. Les poèmes de Pouchkine et les romans de Tolstoï, de Tourgueniev, la musique de Glinka et de Tchaïkovski ont acquis un nouveau sens. Dans les jours les plus difficiles du siège de Leningrad, D. Chostakovitch a créé l'ingénieuse Septième Symphonie. Acteurs de théâtres dramatiques et musicaux, les artistes pop ont également contribué à la cause commune de la lutte contre l'ennemi. Les théâtres de première ligne étaient très populaires auprès des soldats et des commandants. L'activité concertiste des musiciens et artistes des fronts et des arrières prend une ampleur considérable. Les concerts ont été suivis par L. A. Ruslanova, L. O. Utesov, K. I. Shulzhenko et d'autres. Le thème patriotique est devenu incontournable dans les documentaires et les longs métrages. Il y avait environ 150 caméramans sur les fronts pendant les années de guerre. 4. Peinture et architecture La peinture des années de guerre est sensiblement différente de celle d'avant-guerre. Il y a eu des étapes dans son développement. Au début de la guerre - essentiellement réparer ce qu'il a vu. Les plans n'étaient pas toujours réussis, les peintures manquaient de profondeur dans la divulgation du sujet, le pouvoir de généralisation. Mais il y a toujours eu une grande sincérité, passion, admiration pour les gens, franchise et honnêteté de la vision artistique, un désir d'être extrêmement consciencieux et précis. Le laconisme, la simplicité des moyens visuels, mais aussi une certaine droiture sont caractéristiques des peintures parcellaires de 1941-1942. Une tache lumineuse sur fond sombre est la figure d'une femme dans le tableau de S. Gerasimov "Mère d'un partisan" (1943). Le même objectif est poursuivi par A. Deineka dans le film "Défense de Sébastopol" (1942). Bien que le spectateur sache que Sébastopol a été abandonné par nos troupes, mais ces marins qui se battent jusqu'à la mort sont perçus comme des vainqueurs. Les maîtres les plus anciens V. N. Baksheev, N. Krymov, A. N. Kuprin, I. E. Grabar ont également travaillé dans le genre du paysage pendant les années de guerre. Ces années ont également préservé des paysages presque documentaires, qui sont finalement devenus un genre historique, comme "Défilé sur la Place Rouge le 7 novembre 1941". K. F. Yuon (1942), qui a capturé ce jour mémorable pour tout le peuple soviétique, lorsque les soldats sont allés directement de la place enneigée à la bataille. "Leningrad à l'époque du blocus et de la libération" - c'est le nom d'une série de plus de trois douzaines d'autolithographies de A.F. Pakhomov (1908-1973), qu'il a commencée en 1941 et achevée après la guerre. Pakhomov lui-même a survécu au blocus et ses dessins sont pleins de sentiment tragique et d'admiration pour le courage de ses compatriotes. Le monde entier a fait le tour de son dessin "Sur la Neva pour l'eau", représentant des filles enveloppées, extrayant de l'eau de la Neva avec leurs derniers efforts. Tout d'abord, le portrait se développe, car les artistes ont cherché à rendre le caractère héroïque de notre homme. Au début, il s'agissait de portraits extrêmement modestes, ne fixant que les traits d'un homme en temps de guerre - les partisans biélorusses F.A. Modorov et les soldats de l'Armée rouge V.N., Yakovlev. Plus tard, des images cérémonielles, solennelles, parfois même pathétiques, sont apparues, comme par exemple le portrait du maréchal G.K. Zhukov par P. Korin (1945). P. Konchalovsky a beaucoup travaillé dans le genre du portrait pendant les années de guerre. Il crée des personnages optimistes et amoureux de la vie à sa manière décorative habituelle. Les portraits de l'intelligentsia peints pendant les années de guerre par M. Saryan sont des images monumentales particulièrement significatives (académicien I. A. Orbeli, 1943; compositeur A. I. Khachaturyan, 1944; poète M. Lozinsky, 1944; écrivain M. . Shaginyan, 1944 et autres) . Pendant les années de guerre, Saryan était également engagé dans le paysage et la nature morte. Il convient de noter une nature morte spéciale, appelée par lui "Aux soldats arméniens, participants à la guerre patriotique" (1945), représentant les fruits et les fleurs de l'Arménie: comme cadeau et gratitude à ceux qui ont combattu et vaincu, et comme un souvenir des morts. En 1941-1945. les genres domestiques et paysagers se développent. Une place prépondérante dans la formation des deux pendant les années de guerre appartient à A. Plastov. Les deux genres se conjuguent dans son tableau « Le fasciste s'envola » (1942) : jeunes bouleaux, ciels gris, champs lointains familiers à chacun de nous. Sur fond de ce paisible paysage d'automne, l'atrocité du pilote fasciste qui a tué le jeune berger semble encore plus monstrueuse. Les pinceaux de Plastov appartiennent également à des paysages très lumineux et émouvants de notre patrie. Au cours de la dernière année de la guerre, A. Plastov a peint un beau tableau "Récolte" (1945): un vieil homme sérieux et fatigué et des enfants dînent aux gerbes récoltées. B. Nemensky a représenté une femme assise au-dessus de soldats endormis et a appelé son œuvre "Mère" (1945). Dans la peinture historique, les images des héros du passé apparaissent. Au cours des dernières années de la guerre, l'une de leurs meilleures peintures a été créée par les Kukryniksy, se tournant vers l'image de l'Antiquité - Sophia de Novgorod comme symbole de l'invincibilité de la terre russe ("La fuite des nazis de Novgorod", 1944-1946). La peinture monumentale, bien sûr, a eu peu d'opportunités de développement pendant les années de guerre. Mais, malgré cela, l'art des "matériaux éternels", fresques et mosaïques, continue d'exister. Ainsi, par exemple, à Leningrad assiégée, des mosaïques pour le métro ont été assemblées à l'aide des cartons de Deineka. Les auteurs des affiches les plus célèbres étaient les dessinateurs Moor (D. S. Orlov) et Denis (V. N. Denisov). L'affiche héroïque de la Grande Guerre patriotique a adopté les meilleures traditions de l'affiche révolutionnaire. Dans les premiers jours de la guerre, la célèbre affiche de I. M. Toidze "The Motherland Calls!" est apparue dans les rues. (1941). Si dans la période initiale de la guerre, le personnage principal des affiches était un soldat soviétique combattant, comme, par exemple, sur l'affiche de A. A. Kokorekin "Pour la patrie!" (1942), puis avec le début d'un tournant dans la guerre en faveur de l'Union soviétique, les intrigues tragiques ont été remplacées par des images qui inspirent confiance dans la victoire. Il est difficile de parler de l'architecture de cette période. Il y avait un manque de main-d'œuvre et de matériaux. La guerre a apporté des ravages, en particulier dans les régions occidentales proches des frontières. Tous les travaux de construction durant cette période ont été principalement associés à l'installation d'équipements évacués, à la création de bâtiments pour les besoins de l'industrie. CONFÉRENCE N° 13. La culture soviétique des années 1950-1980 1. Caractéristiques de la culture de la période étudiée Les caractéristiques de la culture de l'URSS de cette période consistaient en la lutte du gouvernement contre les écarts par rapport aux «tâches de construction sociale». La pression et le contrôle de la part du parti étaient si grands qu'ils opprimaient la liberté des artistes et des scientifiques. Les discussions de masse dans diverses branches de la science de l'époque avaient un impact négatif sur leurs participants. Après l'arrivée au pouvoir de N. S. Khrouchtchev, ses rencontres avec l'intelligentsia sont devenues coutumières, au cours desquelles le secrétaire général a reproché aux « formalistes » et aux avant-gardistes d'être « incompréhensibles ». Il convient de noter que Khrouchtchev était peu versé en matière de culture et que la plupart des personnalités culturelles "progressistes" ne pouvaient pas s'opposer ouvertement à lui. Le développement de la culture a pris un caractère utilitaire. L. I. Brejnev s'est prononcé contre deux extrêmes de la culture : "la calomnie" et "l'embellissement de la réalité". Les ouvrages consacrés à des sujets d'actualité sont critiqués. Les travaux dans l'esprit du néo-stalinisme ont été soutenus. Afin de contrôler la culture au milieu des années 1970. le système des ordres d'État a été introduit. Augmentation de la censure. La connaissance des citoyens soviétiques avec la culture artistique étrangère était constamment limitée. Le développement de la culture dans les années 1960-80. était contradictoire. Bien que les fonds pour le développement de la culture ne cessent d'augmenter, les réalisations ne correspondent pas aux coûts. 2. Éducation et sciences Au cours de cette période, les dirigeants de l'URSS ont commencé à accorder une grande attention à l'éducation. En 1946, le gouvernement soviétique a également augmenté de manière significative les dépenses consacrées à la science (elles étaient 2,5 fois plus élevées que les dépenses de l'année précédente). Dans le même temps, les Académies des sciences d'Ukraine, de Biélorussie et de Lituanie ont été restaurées et créées au Kazakhstan, en Lettonie et en Estonie. Dans la période d'après-guerre, toute une série d'instituts de recherche ont été organisés. Guerre et répression dans les années 1930 porté un coup dur à l'intelligentsia, donc dans les années 1940 - début des années 50. en Union soviétique, il y avait une pénurie de spécialistes ayant fait des études supérieures et secondaires. Dans les années 1940 - début des années 50. La science et la technologie soviétiques ont remporté un certain nombre de succès dans le domaine de la physique, de la chimie et de la mécanique de précision, mais elles étaient principalement destinées aux besoins militaires. En 1949, une bombe atomique est testée en URSS et des recherches sont en cours dans le domaine des armes chimiques et bactériologiques. Les branches de la science qui n'étaient pas directement liées à la défense étaient soumises à un contrôle strict. La persécution de la cybernétique, déclarée science contraire aux lois du matérialisme, est révélatrice à cet égard. Cela a eu un impact négatif sur le niveau de développement mondial de l'URSS. Une position de monopole dans les sciences agricoles était occupée par les partisans de l'académicien T. D. Lysenko, qui a promis d'augmenter rapidement le rendement des cultures agricoles sans investissements sérieux en capital. Après l'arrivée au pouvoir de N. S. Khrouchtchev, il y a eu une certaine émancipation de la science historique. Peu à peu, il y a eu une entorse aux dogmes du cours abrégé de l'histoire du PCUS (b), une révision du rôle de Staline dans l'histoire de l'État soviétique. Le culte de la personnalité de Khrouchtchev lui-même s'est développé. Pendant les années du plan de 7 ans (1959-1965), il y a eu un changement significatif dans le domaine du progrès technique. En juillet 1956, le premier avion de passagers à réaction soviétique TU-104 a décollé dans le ciel. En 1957, un missile balistique intercontinental à plusieurs étages a été lancé. Le 4 octobre 1957, le satellite terrestre artificiel soviétique a été lancé. L'URSS est devenue un pionnier de l'exploration spatiale. Le 12 avril 1961, le pilote-cosmonaute soviétique Yu. A. Gagarine a effectué le premier vol spatial de l'histoire. Au milieu des années 1950-début des années 60. le développement des médias de masse (médias). La diffusion couvrait tout le pays. L'époque du "dégel" a été caractérisée par l'essor de la science et de la culture soviétiques. Une grande attention a été accordée à l'enseignement secondaire et supérieur. En décembre 1958, une loi a été adoptée, selon laquelle, au lieu d'un enseignement de 7 ans, un enseignement universel obligatoire de 8 ans a été introduit. En 1957, l'accélérateur de particules élémentaires le plus puissant du monde, le synchrophasotron, est lancé en URSS. En 1956, un important centre de recherche international, l'Institut commun de recherche nucléaire, a été créé à Dubna. Les travaux des physiciens soviétiques - les académiciens L. D. Landau, A. D. Sakharov et d'autres - ont acquis une renommée mondiale.La production de la technologie informatique nationale a commencé. L'état de crise de l'enseignement scolaire a provoqué des tentatives de réforme de l'école (1983-1984). Mais l'impréparation, l'incompréhension des causes de la crise dans ce domaine ont conduit à un rejet rapide de la réforme. Déjà en 1985-1986. elle s'est retournée. Les mêmes problèmes se posent dans l'enseignement supérieur. Malgré le fait que le nombre d'universités et d'universités ne cesse de croître dans le pays, l'industrie et l'agriculture du pays ont besoin de personnel qualifié. Les principales raisons à cela étaient : 1) utilisation irrationnelle des diplômés universitaires ; 2) faible niveau de leur formation ; 3) une diminution du prestige d'un diplômé. La situation scientifique était un peu meilleure. La science soviétique n'était pas en retard sur la science des pays occidentaux uniquement dans les domaines fondamentaux, tandis que dans le domaine appliqué, et en particulier dans l'informatisation, elle était aux derniers rangs. Des succès significatifs ont été obtenus par la science soviétique dans les domaines de la physique, de la chimie et de l'exploration spatiale. 1985-1991 dans le domaine de l'éducation, de la science et de la culture sont caractérisées de manière ambiguë. Dans le domaine de l'éducation, des changements ont commencé à se produire à partir de 1988. La pénurie d'enseignants s'est accentuée, car ils ont commencé à se lancer dans le commerce afin de s'assurer un revenu décent. L'intérêt des jeunes pour l'éducation a fortement diminué. Introduction progressive de l'éducation alternative : 1) des gymnases ont été créés ; 2) lycées et collèges. Au cours de la seconde moitié des années 2. en URSS, il n'y a pratiquement pas eu de découvertes sérieuses et les principales branches de la science, telles que l'astronautique, la physique nucléaire, la biologie moléculaire, etc., ont à peine maintenu le niveau atteint au cours de la période précédente. 3. Littérature La campagne de lutte contre le cosmopolitisme, qui s'est déroulée à la fin des années 1940 et au début des années 50, a eu un impact négatif sur le développement de la littérature et de l'art. Son but était : 1) dénigrer tout ce qui n'est pas soviétique, non socialiste ; 2) ériger une barrière entre l'URSS et les pays occidentaux. En 1946-1948. des décisions du Comité central du Parti ont été adoptées « Sur les magazines « Zvezda » et « Leningrad », « Sur le répertoire des théâtres dramatiques et les mesures pour l'améliorer », « Sur le film « Big Life », « Sur l'opéra de V. Muradeli " La Grande Amitié ». Des personnalités célèbres ont été persécutées par des compositeurs et des écrivains soviétiques : S. S. Prokofiev, A. N. Khachaturyan, N. Ya Myaskovsky, A. A. Akhmatova, M. M. Zoshchenko et d'autres, dont les œuvres ont été classées comme antisoviétiques. Pendant les années du "dégel", le niveau de vie du peuple soviétique a sensiblement augmenté. Depuis 1956, une journée de travail de 6 heures a été instaurée pour les adolescents de 16 à 18 ans. En 1956-1960. le transfert de tous les ouvriers et employés à une journée de 7 heures est terminé, et dans les travaux souterrains et dangereux - à une journée de travail de 6 heures. Au cours du « dégel », il y a eu un essor notable de la littérature et de l'art, grandement facilité par la réhabilitation de certaines personnalités culturelles réprimées sous Staline. En 1958, le Comité central du PCUS a adopté une résolution « Sur la correction des erreurs dans l'évaluation des opéras « La Grande Amitié » et « Bogdan Khmelnitsky ». En même temps, c'est dans le domaine de la culture que les rechutes du stalinisme se sont particulièrement manifestées. En 1957-1962. des "réunions" de chefs de parti avec des personnalités culturelles et artistiques ont eu lieu, au cours desquelles des évaluations extrêmement sévères d'œuvres anti-staliniennes telles que les romans "Pas par le pain seul" de Dudintsev, "Levers" de A. A. Yashin, "Own Opinion" de D. A. Granin et le roman "Doctor Zhivago", qui n'a même pas été publié en URSS, sont devenus la raison de la persécution de B. L. Pasternak. Dans le cadre du processus littéraire et artistique du "dégel", il y a eu la formation d'une couche d'intelligentsia opposée au régime en place - les dissidents. L'émergence de la littérature "samizdat" et "tamizdat" appartient également à cette époque. Dans de nombreuses villes, le nombre de studios de théâtre a considérablement augmenté. De nouveaux films ont commencé à apparaître sur les écrans. Il faut nommer les films de T. E. Abuladze. La pénétration des produits culturels occidentaux, en particulier des films vidéo, dans le pays a considérablement augmenté. Le prestige des revues Novy Mir (éditeur A.T. Tvardovsky), Yunost (éditeur V.P. Kataev) ne cessait de croître. Un véritable choc pour des millions de Soviétiques a été la publication d'une nouvelle d'A. I. Soljenitsyne, Un jour dans la vie d'Ivan Denisovitch. Il convient de noter que Khrouchtchev a soutenu la publication de ce livre et a même publiquement approuvé sa nomination au prix Lénine. Cependant, l'I.A. Soljenitsyne n'a pas été récompensé et Khrouchtchev lui-même n'est pas revenu sur cette question. 4. Pensée publique. Standard de vie Dans la seconde moitié des années 2. mouvement dissident commence à se développer dans le pays. Il s'est répandu parmi l'intelligentsia des grandes villes. Le concept de «dissidence» comprenait diverses manifestations. Les personnalités culturelles qui tentaient d'exprimer ouvertement leurs doutes devenaient dangereuses pour les dirigeants du pays ; très souvent, ils ont été emprisonnés ou expulsés d'URSS. En 1960, les écrivains A. D. Sinyavsky et Yu. M. Daniel ont été condamnés pour avoir publié leurs œuvres en Occident. En 1965, AI Soljenitsyne a été privé de la citoyenneté soviétique et expulsé de force de l'URSS. Le réalisateur A. A. Tarkovsky, le réalisateur Yu. P. Lyubimov, l'écrivain V. A. Nekrasov, le poète I. A. Brodsky, le violoncelliste M. L. Rostropovich et d'autres se sont retrouvés à l'étranger. L'idéologie du néo-stalinisme a également été combattue par la prose "villageoise" de V.P. Astafiev, B.A. Mozhaev. Une place particulière dans la culture de ces années était occupée par les livres et les films de V. M. Shukshin. Une autre caractéristique spécifique de la culture des années 1960 et 1970 était la soi-disant. "la révolution de l'enregistrement". Les enregistrements de chansons, ainsi que les discours satiriques, joués à la maison, étaient pratiquement incontrôlables et se sont généralisés. Les leaders reconnus étaient les bardes V. S. Vysotsky, B. Sh. Okudzhava, A. A. Galich et d'autres Des éléments d'une culture pop spéciale pour les jeunes apparaissent et sont fixés. Depuis le milieu des années 1970. l'inflation a commencé. La rareté a eu un effet profond sur la conscience de masse. Dans le même temps, la propagande officielle menait une lutte intensifiée contre le « matérialisme ». Dans les années 1970-1980. parmi les écrivains, il convient de distinguer F. A. Iskander, les poètes I. A. Brodsky, N. M. Korzhavin, A. A. Galich, les réalisateurs A. A. Tarkovsky, Yu. P. Lyubimov, A. A. German, T. E. Abuladze, S. N. Paradzhanov, les frères Mikhalkov et d'autres. De grands changements ont eu lieu dans la littérature et l'art. Un phénomène significatif a été le retour au peuple soviétique des œuvres des auteurs de la "diaspora russe": les philosophes N. A. Berdyaev et V. D. Solovyov, les écrivains D. S. Merezhkovsky, M. A. Aldanov, I. A. Bunin et V. D. Nabokov , les poètes N. S. Gumilyov et I. A. Brodsky et de nombreux De nombreuses œuvres du lauréat du prix Nobel de littérature A. Soljenitsyne ont commencé à apparaître, principalement l'archipel du Goulag et l'épopée historique La roue rouge. La presse dite « informelle » fait son apparition. 5. Peinture En 1947, l'Académie des arts de l'URSS a été créée, et déjà dans les années 1950. dans le domaine des beaux-arts, un système rigide d'enseignement et de production a été mis en place. Le futur artiste devait passer par un certain nombre d'étapes obligatoires : 1) école d'art; 2) école ou institut. Il complète ses études par une grande peinture thématique puis devient membre de l'Union des Artistes. L'État était le principal client et acheteur de ses œuvres. Le style principal était le soi-disant réalisme socialiste (réalisme socialiste), ou Sots Art. Dans la peinture soviétique de la fin des années 1950 - début des années 60. le "style sévère" s'est instauré. La source d'inspiration des maîtres du "style sévère" était la vie des gens ordinaires, qu'ils traduisaient dans un esprit sublimement poétique. Les images des peintures "Notre vie quotidienne" (1960) de P.F. Nikonov et "Rafters" (1961) de N.A. Andronov sont généralisées et laconiques. Certains maîtres, contrairement aux thèmes imposés par le réalisme socialiste, se sont tournés vers d'autres genres : 1) un portrait ; 2) paysage ; 3) nature morte. N. S. Khrouchtchev a critiqué les artistes abstraits et formalistes lors d'expositions. En particulier, le sculpteur E. Neizvestny, n'ayant aucune idée ni de ses œuvres ni de l'auteur lui-même. La rencontre entre E. N. Neizvestny et N. S. Khrouchtchev est entrée dans l'histoire. L'artiste - le commandant de combat de la guerre patriotique - a enlevé sa chemise devant le chef de l'État, a montré de terribles cicatrices de blessures au dos. Khrouchtchev était étonné et embarrassé. 6. Dans les cercles de l'intelligentsia créative Dans les cercles de l'intelligentsia créative - écrivains, artistes, cinéastes (plus tard on les a appelés "sixties") - l'opposition à l'art officiel s'est formée. Déjà à la fin des années 1950. il y avait un groupe d'artistes passionnés par le surréalisme européen et américain. Ils se déclarent pleinement dans la 2e moitié des années 60 et dans les années 70. XNUMXième siècle Chaque artiste a développé son propre ensemble d'images-signes facilement reconnaissables. Vladimir Borisovich Yankilevsky (né en 1938) est diplômé de l'atelier d'art de l'Institut polygraphique de Moscou. Ses œuvres - "Atmosphère de Kafka" (1969), une série de gravures "Mutations" (années 1970) et autres - sont des rébus composés de diverses icônes qui évoquent des associations avec des tableaux, des schémas, des graphiques, etc. Plus tard, Yankilevsky a commencé à créer trois -objets dimensionnels. Ilya Iosifovich Kabakov (né en 1933) a choisi un "dictionnaire" pictural différent pour ses œuvres : images pour livres pour enfants, stands, journaux muraux, affiches. Cependant, dans les compositions de l'artiste, ils perdent leurs fonctions habituelles, et le spectateur est invité à leur trouver une autre destination. Le fils de E. L. Kropivnitsky, Lev Evgenievich Kropivnitsky (1922-1994) et V. I. Nemukhin (né en 1925) ont utilisé les techniques de l'expressionnisme abstrait dans leur travail. De plus, Lev Kropivnitsky a illustré des livres. Dans les mêmes années, un artiste talentueux et ami de V. S. Vysotsky M. M. Shemyakin a été expulsé du pays. Des maîtres de différentes générations, qui jusqu'alors ne rêvaient que de liberté d'expression, se livrent désormais avec enthousiasme à des expérimentations dans l'esprit des courants artistiques occidentaux modernes. Les artistes soviétiques qui travaillaient en dehors du cadre de l'art officiel ont acquis une renommée en Occident, car leurs œuvres ont été acquises principalement par des étrangers. Les critiques occidentaux ont qualifié ces maîtres de « non-conformistes » (de l'anglais « dissidents »). Lors de l'exposition de 1962 au Manège de Moscou, N. S. Khrouchtchev a soumis les "non-conformistes" à de sévères critiques. Après l'exposition, les "non-conformistes" sont entrés dans la clandestinité : ils ont organisé des expositions de leur travail dans des appartements privés, parfois dans des clubs et des cafés. La prochaine grande performance des "non-conformistes" était une exposition sur un terrain vague dans le quartier moscovite de Belyaevo (1974). Les autorités de la ville, en présence de journalistes étrangers, l'ont dispersée à l'aide de bulldozers (elle est entrée dans l'histoire sous le nom de "Bulldozer Exhibition"). L'événement a reçu une publicité internationale et deux semaines plus tard, avec l'autorisation des autorités, une nouvelle exposition en plein air a eu lieu à Izmailovo. Depuis lors, lors d'expositions officielles jusqu'au milieu des années 1980. une plus grande variété de thèmes, de traditions et de manières de jouer était autorisée. Dans les années 1970-80. parmi les "non-conformistes", les formes d'art d'avant-garde, telles que les actions, les performances, sont devenues de plus en plus populaires. Ici l'artiste ne représentait aucune œuvre, mais lui-même comme porteur de l'idée. Dans les années 1980-90. L'art russe s'est développé parallèlement à l'art occidental. Des galeries privées (MA Gelman, A. Salakhova et autres) ont vu le jour pour soutenir des formes d'art «non traditionnelles». 7. Architecture et sculpture Des processus similaires ont eu lieu en architecture. Donc, dans les années 1950. la direction du parti a condamné la "décoration" et le "luxe excessif". Un cours a été pris pour la construction massive de bâtiments résidentiels. L'ascétisme et la simplicité deviennent des standards. La position dominante parmi les formes architecturales était occupée par un parallélépipède, parmi les matériaux de construction - le béton (le Palais des Congrès du Kremlin, le Théâtre Taganka). Et dans les années 1970 et 80. une variété de formes, de styles et de matériaux est devenue populaire. Des structures en titane et en verre apparaissent, le style historique affectionne particulièrement les architectes. CONFÉRENCE N ° 14. Culture de la Russie 1991-2003 1. Caractéristiques générales de la période La culture de la période étudiée se caractérise par les caractéristiques suivantes : 1) une grande variété de styles, de genres et de tendances ; 2) l'État cesse de dicter les canons, le style et les sujets de l'art ; 3) les restrictions en matière de science et d'enseignement sont supprimées ; 4) de nouveaux mythes naissent dans la culture ; 5) la culture perd son principal client, et son financement est fortement réduit ; 6) l'art de masse prend le devant de la scène ; 7) dans les années 1990. il y a eu un retour d'un certain nombre de noms - les Russes ont découvert des couches de culture telles que la culture de l'âge d'argent (l'œuvre des poètes O. E. Mandelstam, A. A. Akhmatova, M. N. Tsvetaeva, N. S. Gumilev, etc.) et la diaspora russe ( V. D. Nabokov, M. A. Allanov et autres) 2. Éducation et sciences La science et l'éducation se trouvaient dans des conditions difficiles. Fait intéressant, la place principale dans la politique de l'État est donnée à l'enseignement secondaire. Elle est régie par la loi sur l'éducation, adoptée en 1992. Dans le même temps, le contenu de l'éducation a changé qualitativement : il est devenu axé sur la personne et corrélé aux normes mondiales. Les collèges et lycées connaissent des difficultés dues au manque de moyens matériels, à la baisse du niveau d'enseignement et à la réticence des structures de pouvoir et des responsables politiques à assurer un financement normal. Le manque de préparation de la plupart des établissements d'enseignement à fonctionner dans une économie de marché, à gagner de l'argent par eux-mêmes, a également eu un effet. Mais l'enseignement supérieur est aujourd'hui très demandé et se développe activement : des universités ouvrent, de nouvelles spécialités prometteuses voient le jour. Ainsi, au milieu de 2001, il y avait environ 600 universités publiques et 250 universités non publiques en Russie. Un trait caractéristique est la forme payante - commerciale - d'éducation. Quant à la science, la science post-soviétique s'est extrêmement mal adaptée à une économie de marché. monnaie courante dans les années 1990. est devenu ce que l'on appelle la "fuite des cerveaux" à l'étranger - de nombreux scientifiques ont choisi de meilleures conditions de travail. Néanmoins, un grand nombre de scientifiques sont restés en Russie, ils travaillent et obtiennent de bons résultats avec un financement modeste. La priorité de financement est accordée aux scientifiques travaillant dans les sciences naturelles (industries fondamentales et appliquées). Les sponsors de fonds jouent un rôle important (national - par exemple, la Fondation Potanin, étranger - la Fondation Ford, la Fondation Soros). Les scientifiques des sciences humaines, qui ont eu la possibilité de communiquer librement avec des collègues étrangers, ne sont aujourd'hui pas entravés par l'ancienne uniformité idéologique. Ils révèlent plus objectivement l'histoire de la Patrie, sa culture et sa contribution au développement de la civilisation mondiale. 3. Littérature, cinéma, théâtre. médias de masse La littérature continue d'évoluer. De nouveaux noms apparaissent : 1) A. S. Petrushevskaya (nouveau style - "gris sur gris"); 2) V. G. Sorokin (naturalisme) ; 3) V. O. Pelevin (modernisme); 4) B. Sh. Akunin (genre policier). Le lecteur russe découvre et relit les chefs-d'œuvre de la littérature mondiale - les œuvres de G. G. Marquez, P. Coelho et d'autres. À la fin des années 1990 le cinéma domestique commence à se développer. Les peintures de N. S. Mikhalkov et S. V. Bodrov se comparent favorablement. Quant aux acteurs, beaucoup d'entre eux travaillent à la télévision, au théâtre. L'art théâtral est très demandé aujourd'hui. Les comédies musicales sont populaires. Le théâtre d'O. Tabakov "Snuffbox" est mondialement connu. De nouveaux théâtres s'ouvrent constamment (il y en a plus de 200 rien qu'à Moscou), des expositions d'art, des festivals de musique, etc. sont organisés, l'art du cirque se développe. Dans une situation différente se trouvent les archives et les musées qui, pour survivre, fournissent des services payants à la population et aux personnes morales (par exemple, louer des locaux pour des présentations et des expositions). Parmi les musées, le musée de cire de Saint-Pétersbourg est particulièrement populaire. En général, le manque de fonds prive les bibliothèques de la possibilité d'augmenter leurs fonds, les musées de reconstituer leurs collections, les maisons d'édition de publier de la littérature sérieuse, etc. Le show-business russe se développe activement, essayant de se rapprocher le plus possible des normes américaines et européennes. Un véritable boom dans les années 1990. survécu aux médias - il existe de nombreux nouveaux journaux, magazines, chaînes de télévision. Une place particulière parmi eux est occupée par la chaîne "Culture", qui présente les phénomènes et les événements de la culture russe et mondiale. L'absence de publicité est l'un des avantages de cette chaîne. Les modes de diffusion de la culture changent à l'échelle mondiale - Internet est apparu et est devenu un réseau mondial massif. 4. Peinture, architecture et sculpture La peinture et la sculpture russes se trouvent aujourd'hui dans des conditions difficiles. Le portraitiste officiel du président de la Fédération de Russie Vladimir Poutine, Nikas Safronov, a réalisé un grand nombre de portraits du président, ainsi que des personnalités de la culture mondiale (par exemple, le portrait de Sophia Loren, stylisée comme La Gioconda par L . da Vinci). Le portraitiste A. M. Shilov ("Danse avec Cupidon") travaille activement. Parmi les artistes, un ami de V. Vysotsky, qui vit en Amérique, M. M. Shemyakin (une série de peintures "Masquerade", des scènes de la vie du XVIIIe siècle) est largement connu. Les œuvres sculpturales et les projets de Zurab Tsereteli, dont le monument à Pierre le Grand (2002), jouissent d'une popularité dans le monde entier. Il y a une reprise dans le secteur de la construction. Mais la construction de bâtiments résidentiels selon des projets individuels, ainsi que de bâtiments résidentiels à plusieurs appartements selon des projets de conception non standard, vient au premier plan. CONFÉRENCE N° 15. Culture de l'époque primitive 1. Caractéristiques générales de la période La culture de l'ère primitive est le fondement de toute culture ultérieure de l'humanité. De nombreux phénomènes de la vie de la société moderne trouvent leur origine dans la haute antiquité de l'ère primitive : 1) langue ; 2) écriture ; 3) art ; 4) religieux ; 5) mythologie ; 6) sciences ; 7) la morale, etc. Certains problèmes modernes sont entièrement ou partiellement résolus sur la base de l'étude de l'ère primitive : l'histoire de l'émergence de l'homme, l'origine des races, des peuples, l'émergence de la mythologie, de la religion, de l'art, etc. Il est à noter que l'ère primitive n'est pas irrévocablement passée dans le passé. Il continue d'exister dans les zones locales: 1) la jungle amazonienne ; 2) dans les régions centrales de l'Afrique ; 3) sur les îles d'Océanie ; 4) à l'intérieur de l'Australie. L'ère primitive couvre une vaste période depuis l'apparition de l'homme jusqu'à l'émergence des sociétés et des États de première classe, ainsi que de l'écriture. La race humaine existe depuis environ 2,5 millions d'années. L'Homo sapiense (homme raisonnable) n'a qu'environ 40 XNUMX ans. 2. Culture matérielle L’homme utilise des outils depuis plus de 2 millions d’années. Cela lui a ouvert de larges opportunités : 1) utilisation des ressources naturelles ; 2) adaptation à l'environnement ; 3) chasse collective ; 4) protection contre les ennemis. Au Néolithique : 1) les outils sont améliorés ; 2) méthodes de traitement de la pierre (sciage, forage, meulage); 3) des arcs, des flèches, des poteries apparaissent. Parallèlement à la chasse, la pêche, la cueillette, l'agriculture et l'élevage se répandent. Ces deux grandes réalisations de l'économie primitive ont fait de l'homme un homme. La condition préalable la plus importante à la décomposition de la société primitive était le passage à l'utilisation des métaux. 3. L'émergence de l'art. Mythologie Avec l'avènement de l'art, un saut qualitatif a eu lieu dans le développement de la société humaine. L'art primitif est devenu un phénomène nouveau. Le point de départ de la créativité artistique humaine pourrait être : ses besoins esthétiques, son instinct sexuel, sa pensée mythologique, sa pratique religieuse, le besoin de consolider et de transférer l'expérience accumulée, le besoin de divertissement, etc. Le développement biologique et culturel a aidé l'homme à utiliser des symboles. Aucun être vivant, sauf l'homme, n'a cette capacité. La mythologie occupe une place importante dans la culture primitive. Elle, étant la forme principale de la vision du monde d'une personne à un stade précoce de développement, montre comment elle se réalise, le monde qui l'entoure et sa place dans ce monde. La littérature s'est également formée sur la base de diverses formes de créativité verbale. De la mythologie, de telles formes de conscience sociale ont émergé comme suit : 1) art ; 2) idéologie politique, etc. Dans les temps anciens, l'homme ne se distinguait pas encore de l'environnement. Il a transféré ses propres propriétés, ses sentiments aux objets naturels, les a dotés d'âmes et d'esprits. La caractéristique la plus importante du mythe est qu'en remplaçant certains symboles du mythe par d'autres, il rend les objets décrits plus accessibles à la compréhension. Des études ont montré qu'aux premiers stades du développement, les mythes étaient primitifs et brefs. Plus tard, la mythologie s'est transformée en un système étendu de mythes liés les uns aux autres, formant des cycles ramifiés. Voici comment il s'est avéré: 1) antiquité ; 2) Vieux slave; 3) Mythologie scandinave, etc. Les scientifiques distinguent plusieurs types de mythes : 1) anthropogonique ; 2) solaire ; 3) lunaire ; 4) astral ; 5) zooanthropomorphe ; 6) cosmogonique ; 7) théogonique, etc. L'une des formes les plus courantes de croyances primitives était le culte des ancêtres - la vénération des esprits des parents décédés. On croyait que ces esprits, mauvais et bons, pouvaient influencer la vie des gens. Il y avait de nombreuses façons dont les gens essayaient de se concilier les esprits de leurs ancêtres et de neutraliser leur mauvaise volonté. Les variétés de croyances primitives sont: 1) animisme ; 2) totémisme ; 3) fétichisme. Le développement de l'agriculture à la fin de l'ère primitive a nécessité la mise en ordre du calendrier, et par conséquent, des observations astronomiques. Les travaux d'irrigation ont conduit à la formation de la technique des calculs géométriques, au développement de l'échange - à l'amélioration des systèmes de comptage. En fin de compte, tout cela a conduit à l'accumulation de connaissances mathématiques. Les maladies, les épidémies, les guerres ont forcé l'utilisation et l'amélioration de la médecine primitive. Les mouvements terrestres et maritimes ont servi d'incitation au développement de la géographie et de la cartographie. Et avec l'avènement de la fusion des minerais métalliques, les fondements de la chimie sont nés. 4. Arts visuels À l'époque primitive, tous les types de beaux-arts se sont formés: 1) graphiques (dessins, silhouettes); 2) peinture (images en couleur, réalisées avec des peintures minérales) ; 3) sculpture (figures taillées dans la pierre ou moulées dans l'argile); 4) art décoratif (sculpture sur bois, pierre, os ; reliefs, ornements). Les origines de ces types de créativité artistique remontent à l'Antiquité, telles que : 1) musique ; 2) chanter; 3) danse ; 4) représentations théâtrales. Les premières œuvres d'art primitif qui nous sont parvenues appartiennent au Paléolithique supérieur, leur âge est d'environ 40 XNUMX ans. Parmi eux, une place particulière est occupée par la soi-disant "Vénus" - des images, apparemment associées au culte de l'ancêtre mère. Des images expressives généralisées d'animaux ont été trouvées: un mammouth, un cheval, un cerf, un ours, un bison, des scènes de chasse pour eux. A la fin du XIXème siècle. la peinture rupestre primitive a été découverte (grotte d'Altamir en Espagne). Plus tard, des chercheurs ont découvert des dizaines de grottes similaires en Espagne, en France et aussi en Russie (Grotte de Kapova, Oural du Sud). La première période de développement de l'art rupestre a été caractérisée par: 1) dessins primitifs; 2) des signes peu clairs ; 3) lignes ondulées ; 4) empreintes de mains. Vers la fin de la première période, des dessins aux contours incertains d'animaux apparaissent, qui commencent à se remplir de peinture. La deuxième période est caractérisée par une transition d'une image de contour planaire au transfert de volume et de détails individuels. Dans la troisième période, l'art rupestre atteint son apogée. Les peintures sont frappantes dans leur: 1) échelle et réalisme ; 2) la perfection du transfert des volumes ; 3) proportions des chiffres; 4) point de vue ; 5) mouvement ; 6) l'utilisation de la polychromie. Plus tard, une simplification de l'image est observée, les chiffres deviennent des symboles. 5. L'émergence de l'écriture L'émergence de l'écriture a été d'une grande importance. Les systèmes d'écriture lettre-son modernes ont été précédés par ses diverses formes, l'une des premières étant l'écriture pictographique, constituée d'images individuelles spécifiques. Avec le début de l'ère mésolithique, l'image commence à dominer la personne. La couleur et le volume cèdent la place au mouvement. Si la peinture rupestre paléolithique se compose de nombreuses figures qui n'ont aucun rapport entre elles sur le plan de la composition, l'art rupestre à plusieurs figures reproduit des scènes de chasse, de récolte de miel, d'actions rituelles, de danses, de batailles, etc. Au Néolithique, l'art subit de profondes mutations qualitatives. La culture cesse d'être unifiée, elle acquiert des traits distincts et un caractère original dans des territoires différents. 6. Développement ultérieur de la pensée abstraite, accumulation de connaissances rationnelles Avec le développement de la pensée abstraite, du langage, de la mythologie, de la religion, de l'accumulation de connaissances rationnelles, une personne avait besoin d'incarner des images complexes dans l'art: le soleil, la terre, le feu, l'eau. Un ornement composé de motifs abstraits stylisés gagne en popularité: une croix, un cercle, une spirale, un triangle, un carré, etc. En même temps, il y a un désir de décorer tous les objets qu'une personne a utilisés. Des ornements ou des symboles individuels couvraient la céramique ancienne - le type d'art décoratif le plus courant. L'homme s'est paré : 1) coloration corporelle; 2) colliers ; 3) perles ; 4) bracelets. Parmi les phénomènes les plus mystérieux de l'art primitif figure un ensemble de monuments mégalithiques : 1) les menhirs ; 2) les dolmens ; 3) cromlechs. Les structures mégalithiques étaient le prototype de l'architecture monumentale. Déjà au seuil de l'émergence des premières civilisations, des fortifications cyclopéennes ou brutes, des temples, des tombeaux sont apparus, qui à leur tour ont été associés à la stratification de la société en classes, à la séparation de la noblesse, à la complication des idées religieuses et de la pratique religieuse. Les données archéologiques accumulées permettent de retracer l'émergence et le développement d'autres types de créativité artistique primitive : 1) musique ; 2) danse ; 3) représentation théâtrale; 4) arts appliqués. Des os tubulaires trouvés avec des trous percés sur les côtés, des cornes percées, des crânes d'animaux avec des traces de nombreux coups sont des exemples des premiers instruments de musique à vent et à percussion. La danse occupait également une place importante dans le système de l'art primitif. Les danses étaient : 1) rituel ; 2) militaire ; 3) la chasse ; 4) mâle ; 5) femmes, etc. La danse est étroitement liée à la représentation théâtrale. Avec beaucoup de confiance, on peut également deviner l'existence à cette époque du type de créativité le plus accessible - le folk oral : 1) chansons ; 2) histoires ; 3) contes de fées ; 4) mythes ; 5) épopées. L'art primitif est devenu le début d'une réflexion figurative du monde environnant, un moyen de sa connaissance, ainsi que la formation du monde intérieur de la personne elle-même. L'étude des monuments de l'art primitif nous permet de retracer l'évolution des styles, des formes, des moyens et des méthodes de la créativité artistique, de comprendre les schémas de formation et de développement de l'ensemble de la culture artistique mondiale. CONFÉRENCE N° 16. Culture chinoise 1. Caractéristiques de la culture chinoise La civilisation chinoise est l'une des plus anciennes du monde. Selon les Chinois eux-mêmes, l'histoire de leur pays commence à la fin du XNUMXe millénaire av. e. La culture chinoise a acquis un caractère unique : elle est rationnelle et pratique. La Chine se caractérise par un certain dogmatisme. Une nouvelle pensée ne pouvait se développer que sous la forme de commentaires sur les vieux dictons des sages. La culture chinoise a fortement influencé le développement des pays voisins (Japon, Corée et États d'Asie du Sud-Est). La connaissance de l'art, de la littérature et de la musique chinoises a longtemps été considérée comme la principale vertu d'un Asiatique instruit. 2. Éducation et sciences. La religion. jours fériés La connaissance et l'apprentissage étaient traités avec beaucoup de respect en Chine. La connaissance signifiait généralement des postulats de la sphère des sciences humaines. Comme pour les autres sciences (mathématiques, astronomie, médecine, etc.), les données d'observation accumulées sur plusieurs centaines d'années étaient généralisées, mais non comprises théoriquement. Ces domaines de connaissance n'étaient pas prestigieux. A quoi sont liées les réalisations des Chinois dans le domaine des sciences exactes et techniques ? Les mathématiques sont nées en Chine dans les temps anciens. Les mathématiciens chinois ont écrit des essais sur les calculs utilisant un pôle dans un cercle. Dès le Ve siècle avant JC e. les chinois connaissaient les propriétés d'un triangle rectangle, au 12er siècle. n.m. e. un traité a été créé résumant les connaissances mathématiques accumulées en Chine au cours de plusieurs siècles. L'astronomie s'est développée. Déjà au IIe millénaire av. e. les anciens habitants de la Chine divisaient l'année en 4 mois, le mois - en XNUMX semaines. Les médecins chinois ont apporté une grande contribution à la médecine mondiale. Parmi les inventions techniques, il faut citer le moulin à eau. La connaissance de l'écriture est basée sur des sources, dont beaucoup ont été compilées dans les premières périodes de l'histoire chinoise. On sait que déjà au XVe siècle. avant JC e. En Chine, il existait un système développé d'écriture hiéroglyphique (plus de 2000 hiéroglyphes). La grande invention a été la fabrication du papier, dont la production a commencé en 105 après JC. e. Il était cuit à partir d'écorce d'arbre, de chiffons, de chanvre. L'auteur de cette plus grande découverte de l'histoire de l'humanité était le Tsai Lun officiel. La création de mythes en Chine remonte à l'Antiquité. La place de nombreux dieux vénérés dans la culture chinoise est occupée par des sages légendaires et des héros culturels comme Huangdi. Les enseignements philosophiques ultérieurs - le confucianisme, le taoïsme et le bouddhisme - ont sans aucun doute enrichi la culture chinoise. Il est caractéristique que tous les systèmes religieux de la Chine aient beaucoup en commun : ils avaient tous un culte d'obéissance, le respect des anciens et des ancêtres, et l'idée d'une attitude passive et contemplative envers la réalité. Ces idées ont défini la psychologie nationale chinoise. Le bouddhisme, qui est arrivé en Chine aux Ier et IIe siècles, a également eu un impact très important sur la culture chinoise. Beaucoup de choses sont liées au bouddhisme dans l'histoire de la culture. Par exemple, la légende sur l'origine du thé et la consommation de thé. À l'avenir, le bouddhisme, comme le taoïsme, laissera la place au confucianisme, qui a élaboré des critères d'évaluation des actions de chaque Chinois. L'amour des Chinois pour les cérémonies est bien connu. Dans la Chine impériale, tous les événements importants de la vie d'une personne, d'une famille et d'une société étaient organisés selon un rituel cérémonial complexe. Parmi les fêtes avec l'histoire la plus ancienne, les suivantes se distinguent: 1) fête du printemps (Nouvel An); 2) une fête des lanternes ; 3) festival des bateaux-dragons ; 4) Festival de la mi-automne ; 3. Littérature La littérature chinoise plonge ses racines dans l'Antiquité profonde. Le plus ancien monument littéraire chinois est l'anthologie poétique Shijing (Livre des chansons). La littérature chinoise est assez inhabituelle dans sa diversité de genres. Connu par exemple : 1) prose rimée "fu" ; 2) vers "shi" ; 3) vers "tsy" ; 4) romans. Pendant la dynastie Han, le principal ouvrage historique chinois, les Notes historiques de Sim Qian, a été écrit. Cet ouvrage contient une description détaillée de personnalités et d'événements importants. Le bouddhisme a introduit la Chine dans la prose artistique. L'apogée du développement culturel du pays est considérée comme l'époque des dynasties Sui, Tang et Song. C'est durant ces années que la versification a littéralement imprégné toute la société chinoise éduquée. Des poèmes ont été donnés à des amis, des parents, des mécènes. Pendant les dynasties Ming et Qing, les romans se sont répandus. Au cours de ces années, 4 célèbres romans classiques chinois ont été écrits : 1) « Trois Royaumes » de Luo Guanzhong ; 2) "River Backwaters" de Shi Naian; 3) Le voyage de Chen'en vers l'Ouest ; 4) "Rêve dans la chambre rouge" de Cao Xue-qin. Ces romans ont eu un impact énorme sur la culture chinoise et ont ensuite été traduits dans de nombreuses langues à travers le monde. 4. Fiction chinoise des années 1920 et 30 Début du 1920ème siècle a été marquée par la croissance de la conscience nationale des Chinois, qui a contribué au renversement du système impérial dans le pays. Le magazine New Youth, paru ces années-là, critiquait la culture traditionnelle chinoise et appelait à l'introduction rapide des normes occidentales. Fiction chinoise des années 30 et XNUMX caractérisé par l'influence des idées socialistes et communistes, satire dure sur l'ordre existant. Le parcours de la littérature chinoise après 1949 (la création de la République populaire de Chine) est associé au développement de problèmes tels que : 1) changements dans le paysage ; 2) l'émancipation des larges masses paysannes ; 3) la lutte de libération nationale du peuple chinois. Parallèlement, le mouvement progressiste de la littérature et de l'art au début des années 1950. entravé à plusieurs reprises par diverses campagnes idéologiques du Parti communiste chinois (par exemple, la discussion sur l'évaluation du roman "Dream in the Red Chamber"). Un nombre important d'écrivains connus ont souffert. Le 10e anniversaire de la "révolution culturelle" (1966-1976) a causé encore plus de dommages à la littérature chinoise. Au cours de ces années, la publication de fiction et la grande majorité des magazines ont complètement cessé. 5. Théâtre. Musique Le rôle du théâtre chinois était important, toutes les représentations étaient accompagnées de musique. Retour au 80er s. avant JC e. plus de 5 types d'instruments de musique nationaux étaient connus en Chine. Au cours d'un long développement, XNUMX principaux types de musique traditionnelle se sont progressivement formés : 1) chansons ; 2) musique de danse ; 3) musique de contes chantés; 4) musique d'opéras locaux ; 5) musique instrumentale. Chaque empereur de Chine avait une équipe de musiciens et de danseurs à la cour. En Chine, la musique professionnelle était considérée comme un acte indigne d'une personne noble, et même les musiciens de cour étaient des représentants des couches sociales inférieures. Au début du XXe siècle. La musique chinoise a été fortement influencée par la musique européenne. Changements importants dans la société, l'influence des idées de gauche a contribué à l'émergence d'œuvres de style folklorique, reflétant les humeurs populaires. Afin d'enrichir la vie culturelle de la population, de grands festivals de musique, comme le "Shanghai Spring", étaient régulièrement organisés dans de nombreuses villes du pays. Le théâtre chinois réuni : 1) danse ; 2) chanter; 3) discours ; 4) actions ; 5) acrobaties. Déjà dans la Chine ancienne, il existait différents types de spectacles : 1) cirque; 2) danses acrobatiques ; 3) théâtres de marionnettes et d'ombres. Dans les villes de la Chine médiévale, il y avait des bâtiments de théâtre permanents. Les acteurs en Chine étaient considérés comme la classe la plus basse et devaient respecter de nombreuses règles et interdictions. Les arts théâtraux de Chine comprennent: 1) plus de 300 genres traditionnels ; 2) plus de 60 types de théâtres d'ombres et de marionnettes ; 3) opéra européen ; 4) drame dansé (ballet). Puisqu'il n'y a pratiquement pas d'accessoires théâtraux sur la scène, des gestes conditionnels sont utilisés. L'action n'est pas limitée dans le temps ou dans l'espace. 6. Danse. Ballet. Cinéma Le ballet, qui a de profondes racines historiques dans l'art de la danse folklorique, est devenu un nouveau type d'art théâtral en Chine. Du début des années 1950 au milieu des années 1960. un certain nombre de spectacles de ballet sur des thèmes historiques et contemporains ont été créés, et dans les années 1980. Plus de 100 nouvelles productions ont déjà été montées. L'un des plus célèbres est le ballet "Fleurs sur la route de la soie", qui raconte l'amitié du peuple chinois de l'époque de la dynastie Tang avec les peuples d'autres pays. Dans les années 1950 Le ballet européen a pénétré la scène chinoise. Le cinéma en Chine est apparu dans les années 1920, mais il a atteint son succès le plus significatif après 1949. Les films chinois sont récemment devenus de plus en plus populaires dans le monde et reçoivent des prix dans les festivals de films internationaux. En plus des longs métrages, tournés : 1) documentaire ; 2) vulgarisation scientifique ; 3) films d'animation. 7. Peinture Guohua est un genre traditionnel de la peinture chinoise. Les peintures sont écrites à l'encre noire ou grise au pinceau sur du papier ou de la soie. Le maître, à l'aide de quelques traits d'encre noire de différentes épaisseurs, crée les grandes lignes du paysage et des figures humaines, sans écrire les détails. Les paysages étaient et restent le thème principal du « guohua » : montagnes et rivières, fleurs et oiseaux. Les images dans leur ensemble et leurs détails individuels ont généralement leur propre interprétation. Par exemple, un pin, souvent représenté sur des toiles, symbolise l'endurance et la longévité, un saule symbolise la féminité, la modestie et la sophistication, une orchidée symbolise la simplicité et la noblesse, etc. Pour les artistes chinois, il n'y avait pas de perspective linéaire, et les montagnes, présentes en abondance dans leurs peintures, étaient perçues comme un symbole. Le bouddhisme, en particulier le bouddhisme Chan, a joué un rôle important dans l'épanouissement de la peinture chinoise classique. Les arts appliqués, l'épanouissement de la peinture et de la sculpture sont associés par de nombreux chercheurs au bouddhisme : de nombreuses statues de divinités et de saints divers ont été placées dans les temples bouddhiques. La peinture s'est particulièrement développée (à l'encre sur papier, sur soie), ainsi que l'art de la fresque. Bouddhistes, comme taoïstes, les monastères ont été l'un des centres de la culture chinoise pendant de nombreux siècles. Des générations de poètes, d'artistes, de scientifiques et de philosophes y ont passé du temps, ont cherché l'inspiration et créé. Des trésors inestimables de culture écrite se sont accumulés dans les archives et les bibliothèques des monastères, traducteurs, compilateurs et scribes ont travaillé. Ce sont les moines bouddhistes chinois qui ont inventé l'art de la gravure sur bois, c'est-à-dire la typographie - la reproduction de texte à l'aide de matrices (planches avec des hiéroglyphes miroir gravés dessus). Les genres des beaux-arts occidentaux se sont également répandus en Chine : 1) huile ; 2) gravure ; 3) aquarelle. Parallèlement à la peinture, la calligraphie, considérée comme le summum de tous les arts, se développe en Chine. Les Chinois apprécient dans leur écriture la force, l'expressivité et l'élégance des lignes, l'harmonie compositionnelle de la combinaison d'éléments graphiques. Ce type d'art a atteint une floraison particulière aux IVe-Ve siècles, lorsque les quatre plus hautes qualités de la calligraphie ont été établies : 1) style plein d'énergie et de vitalité; 2) sévérité, force ; 3) équilibre ; 4) qualité esthétique. 8.Architecture. L'artisanat Déjà au IIe millénaire av. e. La sculpture sur jade et sur os a été développée. Le jade vert était un objet de culte en Chine, il était vénéré comme une "pierre éternelle" qui garde la mémoire des ancêtres. La valeur du jade était si grande qu'elle jouait le rôle d'or et d'argent - des pièces de monnaie en étaient fabriquées, la pureté du sable doré en était estimée. Les produits en jade sont principalement fabriqués à Pékin et à Shanghai. La sculpture sur ivoire est développée à Pékin, Guangzhou et Shanghai. Le centre le plus important pour la production de produits utilisant l'émail cloisonné est Pékin. Les brodeurs connaissent généralement des dizaines de techniques de travail qui permettent de transmettre subtilement la texture de l'objet, les transitions et les nuances de couleurs, le volume de l'objet représenté, ainsi que la perspective spatiale. Architecture intéressante et inhabituelle de la Chine. Déjà au 2er millénaire av. e. les Chinois construisaient des bâtiments de 3 à XNUMX étages ou plus avec un toit à plusieurs niveaux. Typique était un bâtiment composé de supports en forme de piliers en bois avec un toit en tuiles, qui avait des bords surélevés et une corniche clairement marquée - une pagode. Ce type de bâtiment a été le principal en Chine pendant de nombreux siècles. Au IIIe siècle. avant JC e. Plus de 700 palais impériaux ont été construits en Chine. La salle centrale de l'une d'elles accueillait plus de 10 000 personnes. L'époque où un seul État centralisé a été formé dans le pays (221-207 avant JC) a été marquée par la construction de la partie principale de la Grande Muraille de Chine, qui a partiellement survécu jusqu'à ce jour. On sait qu'il a été construit par plus de 2 millions de prisonniers, dont beaucoup ont été punis pour dissidence. La longueur du mur est de plus de 4 XNUMX km. CONFÉRENCE N° 17. Culture de l'Inde 1. Caractéristiques de la culture indienne L'Inde est l'un des plus anciens pays du monde qui a jeté les bases de la civilisation mondiale de l'humanité. Les réalisations de la culture et de la science indiennes ont eu un impact significatif sur les peuples arabe et iranien, ainsi que sur l'Europe. L'apogée de la culture hindoue tombe au Moyen Âge. 2. Littérature. La science. La religion La littérature indienne a environ 40 siècles d'existence. Il est tellement hétérogène et a été créé dans tellement de langues qu'il est extrêmement difficile de le décrire. La plus ancienne est la littérature védique. Pendant longtemps, les Védas ont eu le caractère d'art oral. La littérature épique apparaît dans la première moitié du XNUMXer millénaire av. e. Le Mahabharata (Grande Inde) est considéré comme l'œuvre épique la plus ancienne. Non moins célèbre est une autre épopée - "Ramayana" ("Wanderings of Rama"). Un représentant éminent de la littérature bengali est Rabindranath Tagore (1861-1941) - poète et écrivain, musicien et artiste. Le summum de la reconnaissance de l'œuvre poétique de Tagore a été l'attribution du prix Nobel de littérature en 1913 pour son recueil de poèmes A Handful of Songs. L'une des chansons patriotiques de Tagore "L'âme du peuple" est devenue l'hymne national de l'Inde. La science indienne a fait de grands progrès. Les anciens scientifiques indiens ont développé le système décimal de comptage et introduit le concept de zéro. Avec des erreurs mineures, ils ont déterminé la distance de la Terre à la Lune et au Soleil, calculé le rayon de la Terre et fait de nombreuses découvertes astronomiques et scientifiques. Déjà à l'époque de la civilisation indienne (IIIe millénaire avant J.-C.), ils planifiaient des villes, construisaient des structures monumentales, connaissaient l'écriture, utilisaient un système de mesures et de poids. Toutes les grandes religions du monde sont représentées en Inde : 1) Hindouisme ; 2) Islam ; 3) Christianisme ; 4) bouddhisme ; 5) judaïsme ; 6) Zoroastrisme. L'Inde a également ses propres religions (nationales), telles que le jaïnisme et le sikhisme. L'hindouisme est le plus répandu dans le pays, pratiqué par plus de 80% de la population. Il est suivi par l'islam (environ 12%), puis - le christianisme, le sikhisme, le bouddhisme, le jaïnisme, etc. La coexistence pacifique de différentes religions en Inde a créé une atmosphère identitaire unique dans la culture de ce pays. Les opinions religieuses des Indiens sur le monde sont exprimées de manière vivante et succincte dans leurs beaux-arts. 3. Musique. Danse. Théâtre. Film La musique classique de l'Inde a ses propres spécificités. Il n'y a pas d'harmonie européenne là-dedans. La musique religieuse indienne n'a jamais été écrite. C'est ce qui détermine l'illimité, qui offre à l'interprète une occasion unique d'improviser. La musique indienne classique est interprétée sur des instruments nationaux indiens. Ceux-ci comprennent principalement des vins et des sitars, ainsi qu'un grand nombre de tambours différents. La danse classique indienne a ses racines dans les temps anciens. Il est rempli d'un contenu spécifique. Chaque mouvement des jambes, des bras, des yeux, des sourcils et d'autres parties du corps a sa propre signification, de sorte que la danse indienne peut être lue, et elle est souvent accompagnée d'un récitatif de danse. Le théâtre indien est l'un des plus anciens théâtres du monde : sa théorie et sa pratique se sont développées autour du IIe siècle av. avant JC e. Le cinéma indien est un phénomène unique qui n'a pas d'analogue dans le cinéma mondial. Le cinéma indien est original. C'est une continuation naturelle du drame musical-dansé et nécessite une formation spéciale d'acteurs capables de danser et de chanter professionnellement. C'est toujours national : l'action d'un film est toujours liée à l'Inde et à son peuple. 4. Peinture L'une des pages les plus brillantes de l'histoire du développement de la culture indienne est la peinture. La peinture en tant que direction de l'art a pris forme dans le processus d'illustration des enseignements hindous. Ce sont principalement des illustrations pour les légendes. En particulier, de nombreuses illustrations sont dédiées à la divinité populaire - Krishna, l'une des incarnations du dieu Vishnu. Dans les miniatures indiennes, il y a presque toujours un contraste entre un premier plan multicolore et un simple fond unicolore (rouge ou bleu). La pensée artistique des Indiens représentait des créatures mythologiques. Chacun d'eux a été préservé et dissous dans l'autre, à la suite de quoi une créature complètement nouvelle et sans précédent est apparue, combinant de manière fantaisiste les éléments de ses ancêtres. Tel est Hanuman (mi-homme et mi-singe). Un autre des personnages les plus importants est Ganesha. Il est représenté avec un corps humain et une tête d'éléphant. L'originalité de l'art indien réside dans l'originalité de la pensée - religieuse et artistique. 5.Architecture L'architecture de l'Inde ancienne était principalement en bois et n'a pas été préservée. Détruisant de nombreux anciens temples hindous et jaïns, les padishahs de la dynastie moghole (XVIe siècle) ont érigé des mosquées, des médersas, des mausolées et des forteresses, dont beaucoup sont à ce jour des chefs-d'œuvre de la culture mondiale. La prochaine étape fatidique fut le début du XVIIIe siècle. colonisation de l'Inde par la Grande-Bretagne, qui s'est terminée par l'asservissement complet du pays. Pendant plus de 200 ans de domination britannique, de nombreuses traditions culturelles et politiques européennes ont été introduites dans la vie indienne, qui définissent en grande partie le visage de l'Inde d'aujourd'hui. Ce n'est qu'en janvier 1950 que l'Inde a été proclamée République et a finalement obtenu la liberté. Les religions indiennes ont créé dans l'art une atmosphère unique de mouvement, d'incomplétude. Un exemple frappant de l'incarnation classique dans l'art de l'interaction contradictoire entre le fini et l'infini, le matériel et le spirituel, avec la nette prédominance de l'infini et du spirituel, est un exemple d'une structure bouddhiste de culte - un stupa. Tous ses composants sont empreints de ce principe, allant d'une conception de base carrée à un plateau hémisphérique. Les "parapluies" au bout du mât, les marches de l'ascension vers le nirvana, sont également considérés comme des symboles de pouvoir. Le stupa était décoré de reliefs et de sculptures de Bouddha, scènes de la vie des saints. L'un des plus anciens stupas construits pendant l'empire Mauryan est le stupa de Sanchi (III-II siècles avant JC). 6. Sculptures Le relief architectural et sculptural de l'Inde ancienne était caractérisé par l'attention portée aux détails. Pour rendre l'image plus claire et plus compréhensible, l'artiste a négligé la perspective. Il est intéressant de noter que la sculpture est le plus souvent semi-circulaire, c'est-à-dire qu'elle n'a pas de dos ou qu'elle repousse dans le mur. Occasionnellement trouvé en Inde et sculpture ronde. Retour au XNUMXer s. avant JC e. des temples rupestres ont commencé à être creusés dans les rochers. Ce sont des temples bouddhistes - chaityas. Dans l'art bouddhiste primitif, la figure du Bouddha lui-même est presque introuvable. Son image est remplacée en fonction du contenu de la fleur de lotus représentée, puis de l'arbre sacré derrière la clôture, puis de la roue à rayons, puis du stupa, puis des pieds (empreintes de pas du Bouddha). Ce n'est qu'après que l'enseignement bouddhiste s'est répandu parmi le peuple et que la voie sacrée du Bouddha est devenue bien connue de tous qu'il est devenu possible de le représenter sous une forme humaine. 29e-XNUMXe siècles ont été l'apogée de l'art ancien de l'Inde. À cette époque, le nord de l'Inde était réuni dans le puissant État des Guptas. Des exemples remarquables de peinture de cette période ont été conservés dans les temples rupestres bouddhistes et les monastères d'Ajanta. XNUMX grottes y ont été créées, dont les murs, les plafonds et les colonnes sont peints de scènes de traditions et de légendes bouddhistes et décorés de sculptures et de gravures. Plus tard, un type de temple en forme de tour apparaît. Ces temples avaient une forme ovale allongée, sur leur sommet se trouvait un parapluie en forme de lotus ou de pyramide rectangulaire. La foule principale des croyants a fait un détour du temple de l'extérieur. Dans la cour des temples, ainsi que sur les murs, il y avait des sculptures. Lorsque le célèbre voyageur russe, Tver marchand Afanasy Nikitin au XNUMXème siècle. visité l'Inde, il y vit les sanctuaires d'une autre religion répandue dans ce pays - l'Islam : il s'agissait de mosquées, ainsi que de mausolées, qui n'étaient pas dans l'Inde ancienne. Cette nouvelle architecture indo-musulmane enrichit l'art de l'Inde et le rend encore plus varié dans sa forme et son contenu. Cependant, la conquête musulmane a porté un coup sévère au développement de l'architecture hindoue. De nombreux temples hindous magnifiques ont été détruits et aucun nouveau bâtiment important n'a été érigé. CONFÉRENCE N° 18. Culture de l'Égypte ancienne 1. Périodisation et caractéristiques générales de la culture de l'Égypte ancienne La civilisation de l'Égypte ancienne est l'une des plus anciennes au monde. Elle a donné à l'humanité de grands monuments d'architecture, de beaux-arts, d'écriture. L'histoire de la culture de l'Égypte ancienne est généralement divisée en les périodes suivantes : 1) période pré-dynastique (IV millénaire, 33-30 siècles av. J.-C.) ; 2) l'ancien royaume (XXX-XXIII siècles avant JC); 3) l'empire du milieu (XXI-XVIII siècles av. J.-C.) ; 4) nouveau royaume (XVI-XI siècles avant JC); 5) temps tardif (XI-332 av. J.-C.). Pendant longtemps, la culture égyptienne s'est développée dans l'isolement. Dans le monde traditionnel des royaumes orientaux, il n'y a pratiquement pas eu de changements. Les règles et les canons de la créativité artistique qui s'étaient développés dans les temps anciens sont restés presque inchangés. L'inviolabilité et la grandeur du pouvoir du roi sont soulignées une fois pour toutes par des méthodes établies. Le culte funéraire était d'une grande importance dans la religion de l'Égypte ancienne. Cependant, même dans le cadre d'un tel respect strict des traditions et des canons, l'art égyptien antique n'était pas dépourvu de mouvement. Les traits caractéristiques de la culture égyptienne antique étaient la conscience du pouvoir, le désir de le préserver et de l'accroître, la soif d'immortalité. L'art dans son ensemble avait un caractère monumental qui bouleversait le spectateur. 2. Religion Le polythéisme qui existait en Égypte n'a pas contribué à la centralisation de l'État. Le pharaon Amenhotep IV (XIVe siècle av. J.-C.) tenta de réaliser des réformes religieuses afin d'établir le monothéisme. La caractéristique la plus importante de la religion et de la culture de l'Égypte ancienne était la protestation contre la mort. Les Égyptiens croyaient en l'immortalité de l'âme - c'était la principale doctrine de la religion égyptienne, et le désir passionné d'immortalité déterminait toute la vision du monde des Égyptiens. Le désir d'immortalité est devenu la base de l'émergence d'un culte funéraire, qui a joué un rôle extrêmement important dans l'histoire de l'Égypte ancienne. Condition principale de l'au-delà, les Égyptiens considéraient la préservation du corps du défunt. Cette préoccupation a conduit à l'émergence de l'art de faire des momies. Afin de prolonger la vie après la mort, il était important de veiller à la construction d'une tombe pour le corps. 3. Éducation et sciences. Littérature L'émergence de l'écriture égyptienne est attribuée au XXXe siècle. avant JC e. Malgré la complexité de l'écriture hiéroglyphique, déjà dans la période la plus ancienne, non seulement les prêtres, les scribes et les nobles, mais aussi les constructeurs étaient alphabétisés. Au IIIe millénaire av. e. à la cour du pharaon apparaissent des écoles où se forment les futurs scribes. La science était une partie importante de la culture égyptienne : sans connaissances scientifiques, il était impossible de gérer l'économie, la construction, les affaires militaires et le gouvernement. Mathématiques développées sous l'influence des besoins pratiques. Les Égyptiens ont appris à déterminer avec précision le moment du semis, de la maturation et de la récolte des céréales. Ils ont créé un calendrier précis basé sur les observations des corps célestes. La médecine a fait des progrès considérables. Le développement de la science médicale a été facilité par la coutume de la momification des cadavres, grâce à laquelle les prêtres et les médecins pouvaient étudier l'anatomie du corps humain et de ses organes internes. La réalisation de la médecine égyptienne antique peut être considérée comme la doctrine de la circulation sanguine et du cœur comme son organe principal. Les Égyptiens ont établi un lien entre les lésions cérébrales et le dysfonctionnement des parties du corps. Déjà dans la période la plus ancienne, la spécialisation des médecins s'est développée: par exemple, les médecins différaient "utérins", ophtalmiques, dentaires. Au II millénaire av. e. comprennent les plus anciennes cartes géographiques qui nous soient parvenues. Des connaissances historiques ont également été accumulées. En Égypte, ils ont longtemps conservé une liste des rois indiquant les dates exactes du règne et une description détaillée des événements survenus pendant les années de leur règne. La civilisation de l'Égypte ancienne a laissé à l'humanité un riche héritage littéraire. Le trait le plus caractéristique de la littérature égyptienne antique est son lien inextricable avec la religion et le caractère traditionnel indispensable des histoires anciennes. La plupart des œuvres littéraires étaient la forme artistique des mythes. La littérature remplissait la fonction d'expliquer les questions sur l'origine du monde, le sens de la vie et de la mort, les phénomènes naturels, etc. Beaucoup de ces œuvres, en plus d'un reflet de la réalité, contiennent des éléments de fantaisie. 4. Musique, peinture La culture musicale de l'Égypte est l'une des plus anciennes au monde. La musique accompagnait toutes les cérémonies religieuses, les célébrations de masse et était donc étroitement liée à la danse et à la littérature. Elle était créditée de pouvoirs magiques. Les musiciens jouissaient d'un grand respect dans la société, ils étaient considérés comme des parents des pharaons. Joué sur : 1) lyre ; 2) tambour ; 3) double flûte ; 4) harpe. La peinture était également très répandue dans l'Égypte ancienne. La plupart des peintures murales de l'Antiquité n'ont pas été conservées, mais de nombreux échantillons de l'Empire du Milieu sont descendus. Les cryptes de cette période étaient peintes de fresques à l'intérieur. Ils ont représenté des scènes de la vie, la vie des gens, la nature sur les rives du Nil. Les serviteurs étaient représentés comme très petits. Dans les tombes des rois et des nobles, les soi-disant "ushebti" ont été trouvés - de nombreuses figurines d'esclaves, de musiciens, de cuisiniers dans des poses libres et décomplexées, se distinguant par l'émotivité et le mouvement. Au fil du temps, les intrigues se diversifient, les scènes deviennent plus dynamiques. La palette de couleurs devient plus douce et plus riche. Les images murales du Nouvel Empire ont subi des changements importants. Dans les reliefs et les peintures murales des temples, les compositions dynamiques et complexes ont été remplacées par des sujets lisses et sans hâte. On y voit les courses rapides des chars du grand conquérant Thoutmosis III, des récits de grands voyages, des scènes de chasse et de magnifiques festins. La couleur des peintures est enrichie de nuances chaudes roses et dorées qui transmettent les nuances de la peau humaine. 5.Architecture Une caractéristique importante de la culture égyptienne antique était la construction de pyramides. L'apparition de structures telles que les pyramides a conduit à la recherche de nouvelles formes architecturales pour exalter le pouvoir royal. Au XXVIIIe siècle. avant JC e. L'architecte du pharaon Djoser, Imhotep, a créé un édifice dirigé vers le haut à partir de sept marches décroissantes placées les unes sur les autres (le chiffre 7 est sacré, la hauteur est de 70 m). Les adeptes d'Imhotep, développant plus avant ses idées, en vinrent à la création de pyramides du type dit classique, aux bords lisses, qui frappèrent l'imagination des contemporains et des descendants lointains. La période du Nouvel Empire est surtout intéressante pour son architecture. Les pharaons de la XVIIIe dynastie ont conquis de vastes territoires (Soudan, Palestine, une partie de la Turquie, etc.), puisque d'importantes ressources y étaient concentrées : or, résines. D'innombrables richesses ont permis aux dirigeants égyptiens de décorer le pays et la capitale - Thèbes - de magnifiques temples. Le culte de la divinité suprême Amon-Ra revêt une importance particulière. Le principal type de structure architecturale de la période du Nouvel Empire est le temple. Dans la capitale de l'Égypte, Thèbes, deux complexes de temples célèbres ont été créés à Karnak et à Louxor, dédiés au culte d'Amon-Ra. Si les tombes des pharaons se sont transformées en lieux de sépulture secrets, la construction de temples mortuaires est devenue d'autant plus importante pour la glorification des rois. Parmi les temples funéraires, une place particulière est occupée par le temple de la reine Hatchepsout (XVe siècle av. J.-C.). Les tendances émergentes des arts visuels ont conduit à son essor extraordinaire, qui est entré dans l'histoire sous le nom de période amarnienne (début du XIVe siècle avant JC). Cela a été précédé de graves bouleversements dans la vie politique et religieuse de l'Égypte (voir le début de la conférence, la réforme d'Akhenaton). Les œuvres d'art trouvées dans la tombe du pharaon Toutankhamon sont également réalisées dans les traditions du style amarnien. A la fin des XIII-XI siècles. avant JC e. commence une période de déclin prolongé. La construction de grandes structures est arrêtée, les compétences des maîtres plasticiens et peintres se perdent. 6. Sculptures L'architecture de l'Égypte était inextricablement liée à la sculpture, et la sculpture était principalement associée à des idées sur l'au-delà. L'homme était représenté dans des poses statiques. Les sculpteurs ont cherché à créer une impression de monumentalité. Les statues sont peintes dans des couleurs traditionnelles. 1. Hommes - en rouge-brun. 2. Femmes - en jaune. Incrusté de pierres précieuses et de métaux a été utilisé. À côté de la pyramide du pharaon Khafre se dresse une étonnante statue du soi-disant Grand Sphinx, une créature fantastique avec le corps d'un lion et la tête de portrait d'un roi. La base de cette structure est une roche calcaire, habilement travaillée par des artisans. Les dimensions de la statue sont énormes: longueur 57 m, hauteur 20 m.La tâche du sphinx est de garder la route de l'Ascension, le long de laquelle le sarcophage avec le corps du pharaon a été traîné. Les traits du portrait du sphinx coïncident avec ceux du pharaon Khafre. Les statues du prince Rahotep et de son épouse Nofret peuvent servir d'exemples classiques de la sculpture de l'Ancien Empire. À l'apogée de l'Empire du Milieu, une nouvelle direction s'est formée dans l'art plastique de l'Égypte. Les maîtres commencent à accorder plus d'attention aux caractéristiques individuelles de l'individu. À l'aide de détails soigneusement élaborés, ils s'efforcent de montrer le caractère d'une personne, son âge, son humeur. Le nouveau style d'harmonie et de beauté se manifeste également dans les beaux-arts et la sculpture du Nouvel Empire. Ainsi, les portraits du trône d'Hatchepsout représentent une femme pharaon en tenue royale complète et même avec une barbe artificielle - tel est le canon. Mais il y a d'autres images de la reine, où elle apparaît dans tout le charme de la douceur et de la beauté féminines. Les réalisations les plus importantes de la période amarnienne sont associées au développement d'un nouveau style de formes plastiques, avec une nouvelle interprétation de l'image d'une personne. L'art a suivi la voie du rapprochement avec la vie réelle, la voie de la révélation du véritable monde intérieur de l'homme. Le summum de l'art plastique de la période considérée est le portrait en buste de la belle épouse d'Akhenaton, la reine Néfertiti. La belle tête de Néfertiti sur un cou long et souple est surmontée d'une couronne royale. L'impression est renforcée par les tons chair chauds du revêtement, associés à un collier luxueux et à une couronne de reine bleu vif. Non seulement dans l'interprétation des images, mais aussi dans le plan de l'intrigue de la représentation, beaucoup de nouvelles choses apparaissent. Des scènes quotidiennes et même intimes apparaissent dans les reliefs et les peintures murales d'Akhetaton. Le pharaon est représenté entouré d'une famille avec sa femme bien-aimée et des enfants qui jouent. CONFÉRENCE N° 19. Culture de l'Antiquité (Grèce antique et Rome antique) 1. Caractéristiques de la culture ancienne La culture antique dans l'histoire de l'humanité est un phénomène unique, un modèle et un standard de perfection créative. Certains chercheurs le définissent comme un "miracle grec". La culture grecque s'est formée sur la base des cultures égéenne et créto-mycénienne et est devenue le berceau de la culture européenne moderne. La position géographique particulière de la Grèce est l'intersection de routes commerciales maritimes très fréquentées; les cités-états avec leur démocratie ; une façon particulière de penser (contemplation plus un niveau élevé de logique) est le contenu et l'originalité de la culture grecque. La Grèce antique est allée bien au-delà des frontières nationales, créant un art compréhensible à la fois pour les Hellènes et pour tous les autres peuples. La Rome antique ne signifie pas seulement la ville de Rome, mais aussi tous les pays et peuples conquis par elle dans le cadre de l'État romain. L'art romain a été créé à la fois par les Romains et: 1) les anciens Égyptiens; 2) Grecs ; 3) Syriens ; 4) habitants de la Gaule; 5) l'ancienne Allemagne et d'autres peuples. La Rome antique a donné à l'humanité un exemple d'environnement culturel enrichi : des villes confortables aux routes pavées, des ponts magnifiques, des bâtiments de bibliothèques, des archives, des palais au mobilier solide - tout ce qui est caractéristique d'une société civilisée moderne. La périodisation de la culture ancienne est très complexe. 2. Religion Dans la culture ancienne, il y a un désir d'exprimer leur compréhension du monde. Des catégories esthétiques sont en cours de développement qui expriment des évaluations et des aspects importants de la vision du monde grecque. 1. Harmonie. 2. Symétrie. 3. Beauté. L'ancienne religion est caractérisée par le polythéisme - le polythéisme. Les premières divinités à Rome incluent les patrons du foyer: les pénates, les lares - les âmes déifiées des ancêtres et la déesse Vesta, dont les prêtresses (Vestales) entretenaient un feu inextinguible dans son temple. Des dieux plus individualisés ont graduellement émergé. Par exemple, parmi les anciens Grecs - Zeus le Tonnerre, le dieu suprême; dieu de la guerre Ares; le dieu de l'élément eau Poséidon; déesse de l'amour Aphrodite. Chez les Romains, Jupiter, Mars, Neptune, Vénus correspondaient à ces dieux. De nombreux collèges sacerdotaux (vestales, augures) entretenaient le respect des dieux et l'observance des us et coutumes. Le culte était dirigé par un collège de pontifes dirigé par le grand pontife. 3. Théâtre. Musique Le théâtre a joué un rôle important dans la vie des anciens Romains. Cela pourrait exprimer leurs sentiments et leurs émotions. Le théâtre reflétait non seulement la vie des anciens Grecs et Romains, mais servait également de manifestation de leur intérêt pour la politique. La Grèce antique a laissé 3 noms des auteurs de la tragédie : 1) Eschyle ; 2) Sophocle ; 3) Euripide ; 4) Aristophane est comédien. L'État a pris soin des pauvres citoyens, leur donnant de l'argent pour visiter le théâtre. Le destin du théâtre à l'époque hellénistique est intéressant. La première œuvre du créateur de la "nouvelle comédie" - la comédie des mœurs Ménandre (342-291 avant JC) est consacrée à la vie des familles athéniennes ordinaires avec leurs soucis. Le drame et le théâtre grecs sont nés de festivités rurales en l'honneur de Dionysos, le dieu de la vinification, accompagnées de chants, de danses et de spectacles avec la participation de momies. Plus tard, un interprète spécial s'est démarqué de la chorale - un acteur. L'improvisation a été remplacée par une fixation précise du rôle de l'acteur et du chœur. Le théâtre populaire avait des caractéristiques organisationnelles - il se composait de 3 parties : 1) orchestres (scènes); 2) sièges pour spectateurs ; 3) peaux (vestiaire). Au début, les décorations étaient des structures en bois massives, plus tard - des décorations peintes. Le contenu de la tragédie grecque exigeait l'utilisation de machines théâtrales. Les plus courants étaient une plate-forme rétractable et un dispositif qui permettait aux dieux et aux autres acteurs de s'élever dans les airs et de descendre. Les rôles féminins ont toujours été tenus par des hommes. Les acteurs grecs portaient des masques sur leurs visages, qui ont été remplacés même pendant l'exécution d'un rôle. Pour augmenter leur taille, les acteurs de la tragédie ont utilisé des koturny - des chaussures à plateforme. A l'époque hellénistique, l'art de l'acteur devient un métier. Les origines du drame et du théâtre romains remontent aux fêtes rurales des moissons. Bâtiments de théâtre permanents à Rome jusqu'au milieu du XNUMXer siècle. avant JC e. n'a pas eu. Dans la comédie, l'action se déroulait généralement dans une rue de la ville. L'architecture du théâtre romain avait un certain nombre de caractéristiques qui le distinguaient du grec. Les sièges des spectateurs étaient disposés en un ou plusieurs niveaux en forme de demi-cercle. Les spectacles de cirque et les combats de gladiateurs organisés au Colisée étaient très populaires. La musique était également d'une grande importance dans l'Antiquité. Les Grecs croyaient que l'harmonie dans la musique crée l'ambiance d'une personne. Chanter et jouer des instruments de musique constituaient une part importante des concours de diverses politiques. La musique chez les Grecs était étroitement associée à la poésie et à la danse. Les grands tragédiens grecs - Eschyle, Sophocle, Euripide - étaient non seulement de brillants dramaturges, mais aussi des compositeurs. Les principaux instruments de musique des anciens Grecs : 1) Lire ; 2) cithare; 3) harpe. Une culture musicale particulière existait également à Rome. Des descriptions d'anciennes chansons de triomphe, de mariage, de funérailles et à boire, dont l'exécution était accompagnée de la lecture d'un instrument de musique, ont été conservées. Les Romains nobles et riches gardaient les orchestres des esclaves. 4. Lumières L'éducation des citoyens nés libres dans la Grèce antique visait à former des propriétaires d'esclaves qui savaient comment maintenir les esclaves en sujétion et protéger leur État des ennemis extérieurs. Selon les conditions de développement, divers systèmes d'éducation se sont développés, dont les plus célèbres étaient deux: 1) spartiate ; 2) Athénien. À Sparte (Laconica), les garçons qui atteignaient l'âge de 7 ans étaient placés dans un établissement d'enseignement fermé, où ils restaient jusqu'à l'âge adulte. L'éducation était principalement axée sur l'entraînement physique. L'enseignement de la lecture et de l'écriture ne faisait pas partie du programme d'enseignement obligatoire. Des conversations ont été menées avec les enfants sur des sujets politiques, et ils ont essayé de développer un discours court mais significatif ("laconique"). L'éducation athénienne était beaucoup plus polyvalente et se fixait pour tâche une combinaison de principes moraux, esthétiques et physiques. Jusqu'à l'âge de 7 ans, les garçons étaient élevés à la maison ; puis ils ont fréquenté des lycées, où ils ont appris à lire, à écrire et à compter, puis ont appris à chanter, à jouer des instruments de musique et à mémoriser les poèmes d'Homère. Dès l'âge de 12-13 ans, les garçons ont déménagé à la palestre, où ils ont reçu une éducation physique. Les jeunes hommes les plus riches fréquentaient alors le gymnase, où ils étudiaient la philosophie, la politique et la littérature. Les filles étaient élevées dans la famille, habituées au ménage et à la gestion des esclaves. L'éducation romaine en tant que système développé pendant la période de la république. Avec le développement des villes, des écoles sont apparues dans lesquelles les garçons apprenaient à lire, écrire et compter. Les aristocrates donnaient à leurs enfants leur éducation initiale à la maison. Dans le système d'éducation, une grande attention était accordée à l'entraînement physique des jeunes. A l'ère de l'Empire, l'éducation devient de plus en plus formelle. 5. Sciences Dans l'Antiquité, les connaissances scientifiques se sont également activement développées. Parmi les sciences figurent : 1) géographie (Eratosthène) ; 2) physique (Démocrite); 3) philosophie (Socrate, Platon, Aristote, Démocrite, etc.). Sous les auspices de l'État, la célèbre bibliothèque et école scientifique d'Alexandrie est en cours de formation - l'Alexandria Museion - le prototype des nouvelles académies européennes des sciences. L'État s'est occupé du réapprovisionnement de la bibliothèque locale. La connaissance des sciences naturelles de Rome s'est formée sur la base du développement d'une production séculaire, de l'expérience des Romains eux-mêmes et de l'assimilation de la culture d'autres peuples de la Méditerranée. Oeuvres connues : 1) 3 livres "Sur l'agriculture" de M. T. Varron ; 2) "À propos de l'agriculture" par Caton l'Ancien ; 3) Columelle "Sur l'agriculture" ; 4) Le poème de Virgile "Georgics" ; 5) "Dix livres sur l'architecture" de Vitruve. La croissance territoriale de l'Empire romain a contribué à l'expansion des connaissances géographiques : une grande carte géographique et des ouvrages géographiques sont apparus. La médecine s'est également développée. Les mathématiques chez les Romains étaient étroitement appliquées dans la nature et se contentaient de calculs approximatifs. 6. Littérature La littérature se développe rapidement. Période VI-IV siècles. avant JC e. appelé "Classiques grecs". Le développement de la poésie lyrique, née des chansons à boire et de mariage, témoigne de l'attention portée à la personne, au monde de ses sentiments et de ses expériences. La grande poétesse grecque Sappho chante la beauté et l'amour dans ses poèmes. Mais ce n'était pas le cas dans les poèmes d'Homère. La littérature cherche à refléter les faiblesses et les vices de l'homme : un genre particulier de prose est né - une fable. "Père de la fable" Ésope dénonce avec sagesse et sans pitié les côtés obscurs de l'âme humaine. La littérature du peuple romain a commencé à prendre forme au IIIe siècle av. avant JC e. Parallèlement à la poésie culte, la poésie profane existait également à Rome. Le plus ancien monument littéraire de la prose latine est le discours contre Pyrrhus prononcé au Sénat par Appius Claudius l'Aveugle en 280 av. e. L'auteur romain, dont les œuvres nous sont connues, descendants, dans leur intégralité, était le dramaturge Plaute (vers 254-184 av. J.-C.). Un exemple d'oratoire était les discours de Mark Tullius Cicéron (106-43 av. J.-C.). Parallèlement à la littérature en prose, la poésie latine a également remporté un grand succès dans l'œuvre de Lucrèce Cara (vers 99-55 av. J.-C.), l'auteur du poème philosophique Sur la nature des choses. Gaius Valerius Catullus (vers 84-54 av. J.-C.) était un poète lyrique exceptionnel. Il est devenu célèbre en tant qu'auteur de poèmes lyriques originaux adressés à la femme bien-aimée Lesbia. Les plus grandes œuvres littéraires ont été créées par les poètes Virgile (70-19 av. J.-C.) et Horace (65-8 av. J.-C.). Le créateur de l'élégie romaine classique était Tibull (vers 50-19 av. J.-C.). Publius Ovid Nason (43 avant JC - 17 après JC) est devenu célèbre pour ses paroles d'amour, le livre "La science de l'amour". Ses "Métamorphoses" ("Transformations") et "Héroïdes" ("Messages") sont un traitement poétique des mythes grecs et romains. Le "Satyricon" de Petronius (XNUMXer siècle), l'un des premiers romans antiques, dans lequel une image accusatrice de la vie d'une province italienne dépravée est donnée, revêt une importance particulière. 7. Peinture L'ère des classiques particulièrement élevés (450-400 avant JC) ne tolérait pas les modèles avec des défauts - tout chez une personne doit être parfait. Le règne de l'empereur Néron, l'un des souverains les plus cruels de l'histoire romaine, a été l'apogée du portrait. L'évolution de son image peut être retracée dans toute une série de portraits. Les portraits ultérieurs représentent Néron comme une nature complexe et contradictoire. Les artistes de la Rome antique ont pour la première fois prêté une attention particulière au monde intérieur d'une personne et l'ont reflété dans le genre du portrait, créant des œuvres qui n'avaient pas d'égal dans l'Antiquité. Très peu de noms d'artistes romains ont survécu à ce jour. La peinture de l'époque de la république se caractérise par des portraits très proches de l'original. Ils véhiculent tous les plus petits traits du visage humain, le dotant en outre des traits de la vieillesse, de la fin de la vie. Le personnage principal du portrait était un patricien âgé et volontaire qui, selon les lois romaines, avait le "droit de vie et de mort" de tous les membres de sa famille. Au milieu du Ier s. dans les arts visuels, le genre de la nature morte (du français "nature morte") a commencé à prendre forme, montrant des objets inanimés. Les Romains représentaient à la fois des boucheries, dans lesquelles pendent des carcasses d'animaux morts, et des œuvres symboliques : par exemple, une table dorée sur fond de draperie écarlate. L'empereur Trajan a refusé les coiffures luxuriantes, riches en clair-obscur. L'art de son temps s'attache à l'idéal d'une apparente simplicité : ici apparaissent grandeur et puissance, auparavant absentes des œuvres d'art. Avec l'avènement de l'ère des "empereurs soldats", les maîtres ont cessé de représenter des cheveux luxuriants, ont presque enlevé leurs moustaches et leurs barbes. L'ère de la géométrie en Grèce (IX-VIII siècles avant JC) a longtemps été sous-estimée par les scientifiques; elle était considérée comme pauvre en décoration. Les peintures murales étaient dominées par le style géométrique, nommé d'après les formes claires et logiques des principales techniques décoratives : 1) losange ; 2) carré ; 3) rectangle ; 4) cercle ; 5) zigzag ; 6) ligne. Cependant, chaque vaisseau contient de nombreuses informations sur le monde, cryptées dans sa forme et sa peinture. 8.Architecture Les Grecs créent une ville dans laquelle se forme un système réfléchi et clair de formes architecturales - un ordre (du latin ordo - "ordre", système), qui devient alors la base de l'architecture grecque et de la nouvelle architecture européenne. Les Romains ont commencé pour la première fois à construire des villes "typiques", dont le prototype était les camps militaires romains. Deux rues perpendiculaires ont été posées, à l'intersection desquelles le centre-ville a été érigé. L'urbanisme a fait l'objet d'un schéma rigoureusement réfléchi. Les Romains ont inventé le béton - le matériau de construction le plus important, à l'aide duquel ils ont fixé les bâtiments en construction. Les premiers ordres grecs sont dorique et ionique (les noms sont associés aux lieux de leur origine). Plus tard, l'ordre corinthien apparaît, proche de l'ionique. Au 60ème siècle avant JC e. la formation des principaux types de temples est en cours d'achèvement. Les architectes ont choisi l'ordre des temples en fonction du sexe, de l'esprit et de l'autorité olympique de la divinité. Il y avait des expositions et des discussions. Dans les années 4. XNUMXème siècle avant JC e. Le temple de Zeus à Olympie a été reconstruit - le sanctuaire panhellénique le plus important, où se tenaient les Jeux Olympiques tous les XNUMX ans. L'histoire de Rome se divise en deux étapes. 1. Le premier - l'ère de la république - qui est venu à la fin du VIe siècle. avant JC e. 2. La deuxième étape - l'étape impériale - a commencé sous le règne d'Octave Auguste et a duré jusqu'au IVe siècle. n.m. e. Autre attraction de Rome : la place du marché - le forum. D'un côté, il jouxtait l'impressionnant bâtiment des archives d'État - le Tabularium. Des temples dominaient la place, parmi lesquels le temple rond de Vesta. Des colonnes s'élevaient également ici, auxquelles étaient attachées des listes - les proues des navires ennemis vaincus (colonnes rostrales), et une "route sacrée" passait le long de laquelle se trouvaient des bancs. Le vaste forum était entouré d'une colonnade à 2 étages. Il y avait un grand amphithéâtre, conçu pour 20 XNUMX spectateurs, il dépassait largement les besoins des habitants de la ville. Bâtiments intéressants de maisons romaines - "domus". Il s'agissait de structures rectangulaires qui s'étendaient le long de la cour et faisaient face à la rue avec des murs d'extrémité aveugles. La pièce principale était un atrium (lat. Atrium - "entrée") avec un trou au centre du toit, sous lequel se trouvait un bassin pour recueillir l'eau. En général, l'atrium servait de "pilier du monde", reliant chaque maison romaine au ciel et aux enfers. Dans l'atrium, il y avait une armoire pour stocker des masques de cire d'ancêtres et des images de bons esprits patrons - lares et pénates. A l'intérieur les maisons ont été peintes. Les fresques magnifiquement conservées montrent à quoi ressemblait le cadre de vie typique d'un Romain. Néron a décidé de donner un nouveau look à Rome. Par décret de l'empereur, plusieurs pâtés de maisons ont été secrètement incendiés, sur le site desquels l'empereur a érigé la célèbre Maison dorée. Plusieurs de ses salles ont été conservées, certaines des salles ont une forme inhabituelle (par exemple, octogonale). Dans les années 70-80. 50er siècle n.m. e. le grandiose amphithéâtre Flavien a été construit, appelé le Colisée (du latin collosseo "énorme"). Il a été construit sur le site de la Maison Dorée de Néron détruite et appartenait à un nouveau type architectural de bâtiments. Le Colisée romain était un immense bol avec des rangées de sièges en gradins, fermé de l'extérieur par un mur annulaire. Il a accueilli environ 4 XNUMX spectateurs. Il y avait XNUMX rangées de sièges à l'intérieur. Les jours ensoleillés, un immense auvent en toile - velarium - a été tiré sur le Colisée. Divers spectacles ont été donnés dans les amphithéâtres : batailles navales, combats de peuples avec des animaux exotiques, combats de gladiateurs. Les Romains n'ont pratiquement pas mis en scène de tragédies, et même les comédies n'ont pas eu de succès. Le deuxième chef-d'œuvre de l'architecture de l'époque flavienne est le célèbre arc de triomphe de Titus. L'arc a été érigé en l'honneur du souverain en 81, après sa mort. Elle immortalisa la campagne de Titus en 70 à Jérusalem. Les cendres de Titus ont été enterrées dans le grenier. Ils n'ont donc enterré que des personnes au charisme particulier («don divin» grec), c'est-à-dire dotées de qualités personnelles exceptionnelles. D'autres citoyens se reposaient le long des routes à l'extérieur des portes de la ville de Rome. Sous Troie, l'Empire romain atteint l'apogée de sa puissance. Cet empereur était considéré comme le meilleur de tous dans l'histoire romaine. Le monument le plus célèbre de Troyan à Rome est son forum. L'architecture romaine au IIIe siècle les termes (bains) de Caracalla sont particulièrement grandioses. Les thermes pour les Romains ressemblaient à un club, où l'ancienne tradition des ablutions rituelles était progressivement envahie par des complexes de divertissement et de cours, des palestres et des gymnases, des bibliothèques et des salles de cours de musique. Les thermes de Caracalla occupaient une zone colossale avec des pelouses, avaient des salles d'eau chaude, chaude et froide. 9. Sculpture. peinture de vase Dans la sculpture antique de la période archaïque, les statues anthropomorphes (ressemblant à des humains) de dieux sont encore courantes. Et les personnages des statues des VIIe-VIe siècles. avant JC e. non seulement les dieux, mais aussi les jeunes hommes - kuros et filles - aboient, participants aux processions religieuses. Les statues individuelles ressemblent à des colonnes - les bras sont étroitement pressés contre le corps, les pieds sont au même niveau. Les figures masculines et féminines ont à peu près les mêmes proportions : taille fine et épaules larges, à la seule différence que les statues masculines apparaissent très souvent nues, et les statues féminines sont en robes. Vers la fin du VI - le début du V siècle. avant JC e. les proportions des figures deviennent plus naturelles et leurs mouvements plus libres. Les formes corporelles deviennent plus fortes, plus réelles et le sourire disparaît des visages. Les sculpteurs Phidias, Miron, Polikleitos ont travaillé dans l'Athènes antique. Une grande partie de leur travail nous est parvenue dans des copies romaines en marbre. Le développement ultérieur de la sculpture est associé à un intérêt accru pour le monde intérieur de l'homme. La masculinité et la sévérité des images des classiques sont remplacées par la sculpture, où les auteurs parviennent à transmettre le monde spirituel subtil et riche par des moyens plastiques. Ici, le célèbre maître antique Praxitèle (vers 390-330 av. J.-C.) s'est montré magnifiquement. Originaire de l'île de Paros, Skopas (IVe siècle av. J.-C.), traduit l'intensité des émotions, parfois un effondrement tragique. Le sculpteur Lysippe, travaillant le bronze, se fixe d'autres tâches. Un autre élément important de l'art antique est les vases peints. Leurs formes et leurs tailles variaient considérablement. Il y avait différents types de navires, tels que: 1) cratère ; 2) pelika ; 3) amphore; 4) néfora ; 5) hydrie; 6) kanfar; 7) claf ; 8) kylix ; 9) lenif ; 10) lutfor ; 11) oenochoa ; 12) psykter ; 13) skyphos; 14) étamines. En Attique, VIe siècle avant JC e. - la région d'Athènes - les navires de style à figures noires étaient populaires : les figures noires étaient situées sur un fond clair. Cependant, ils ont introduit un certain nombre d'innovations, comme le vernis. Le potier et le peintre de vases ont apposé leur signature sur les vases. Mais depuis environ 30 ans. XNUMXème siècle avant JC e. le style à figures rouges devient à la mode : les figures deviennent claires et le fond sombre. CONFÉRENCE N° 20. Culture du Japon 1. Caractéristiques de la culture japonaise La périodisation de l'histoire et de l'art japonais est très difficile à comprendre. Les périodes (surtout à partir du VIIIe siècle) se distinguaient par les dynasties de souverains militaires (shoguns). L'art traditionnel du Japon est très original, ses principes philosophiques et esthétiques diffèrent de ceux occidentaux. Leur formation a été influencée par l'attitude particulière des Japonais envers la beauté de leur nature native, qui depuis l'Antiquité était perçue comme une perfection créée par Dieu. Adorant la beauté de la nature, les Japonais essayaient de vivre en harmonie avec elle et de respecter sa grandeur. 2. Littérature La tradition littéraire japonaise est considérée comme l'une des plus anciennes. Les premières œuvres écrites remontent au VIIIe siècle. Leur apparition est associée à l'emprunt de l'écriture hiéroglyphique chinoise. La littérature japonaise a longtemps été influencée par la littérature chinoise. Les premiers monuments écrits de la littérature japonaise sont des recueils de mythes et légendes japonais sur les actes des dieux et des héros légendaires. XNUMXème siècle considéré comme l'apogée de la littérature de cour (prose et poésie). A cette époque, des genres littéraires tels que la légende et le "journal" se sont formés. Pendant la période de Kamakura et de Muromachi, lorsque la classe militaire et les samouraïs jouaient un rôle de premier plan dans la société japonaise, les chroniques militaires ont acquis une grande renommée et popularité. Les intrigues des chroniques militaires ont servi de base à de nombreuses pièces de théâtre dans le style du nô, du kabuki et du jeruri. Le genre classique de la poésie japonaise est considéré comme des poèmes dits "vers courts", composés de 5 lignes (31 syllabes - répartition selon les lignes 5-7-5-7-7). Il s'agit de la « haute » poésie japonaise, qui bénéficiait d'un patronage particulier de la cour impériale. À la cour, des concours spéciaux de poésie étaient organisés, les meilleurs poèmes étaient réunis en recueils impériaux. Au XNUMXème siècle les légendes, les paraboles et les histoires qui ont surgi sous forme orale ont acquis une grande popularité. Ensuite, la prose de l'auteur est formée. Le genre principal a longtemps été le gesaku - des histoires divertissantes de genre, dont le contenu principal était des histoires drôles de la vie environnante. La littérature dans le genre du gesaku était divisée en plusieurs domaines : 1) les "histoires pleines d'esprit", dont le thème principal était principalement des histoires divertissantes et souvent cyniques, y compris des histoires de la vie des "quartiers amusants" ; 2) "bandes dessinées" ; 3) "livres de passions humaines" - histoires sentimentales mais très réalistes sur les dames des "quartiers des délices" et leurs admirateurs. Le style gesaku n'a pas survécu à la chute du shogunat Tokugawa, dans la nouvelle littérature japonaise de la fin du XIXe et du début du XXe siècle. il y a eu un tournant brutal causé par l'influence et la popularité de la littérature occidentale. 3. Religion Les principes esthétiques de l'art japonais se sont formés sous l'influence des trois doctrines religieuses et philosophiques les plus importantes qui ont déterminé la vision traditionnelle du monde des habitants du Pays du Soleil Levant : 1) shintoïste ; 2) Confucianisme ; 3) Bouddhisme. La vénération de la nature en tant que principe divin a pris forme dans l'ancienne religion nationale des Japonais - Shinto. Initialement, chaque clan avait ses propres divinités protectrices ; cependant, le panthéon shinto officiel a été formé à partir des divinités protectrices du clan ascendant Yamato. En l'honneur des divinités shintoïstes, de nombreux temples ont été construits, situés, en règle générale, dans les fourrés forestiers et dans les montagnes. Chaque temple était entouré d'un jardin avec un petit étang et des pierres moussues ; le temple était entouré de portes sacrées et la route qui y menait était décorée de nombreuses lanternes de pierre. Le confucianisme, comme le bouddhisme, est venu de Chine au Japon. Le confucianisme est généralement compris comme la doctrine religieuse et philosophique traditionnelle chinoise ancienne, qui élevait les principes éthiques à la catégorie des lois universelles. Selon les canons confucéens, le principe directeur de l'univers est le ciel. Le représentant plénipotentiaire du ciel sur terre est l'empereur, dont la justice dépend du bien-être de l'État. Les citoyens sont tenus d'honorer l'empereur, d'observer strictement les lois et les rituels et d'observer les principes moraux. La personne idéale, du point de vue confucéen, est un mari éclairé et noble, soucieux des intérêts de son État et dévoué à son empereur. Le bouddhisme a joué un rôle important dans le développement de l'art traditionnel japonais. Au cœur de la philosophie bouddhiste se trouve l'idée que le soi-disant monde réel (samsara) est en fait une illusion humaine qui est apparue en raison d'une incompréhension de l'essence des choses. Cela conduit à une chaîne de renaissances multiples, dont chacune représente le tourment et la souffrance. La philosophie bouddhiste affirme également qu'une personne peut, grâce à des efforts appropriés, être libérée de ces souffrances et sortir du cycle du samsara. Le bouddhisme zen et les arts connexes sont un sujet particulier. Le bouddhisme zen a commencé à s'implanter au Japon au XNUMXème siècle, et le fondateur du shogunat Ashikaga (Muromachi) a pris le bouddhisme zen sous son patronage. Selon les concepts zen, l'état d'illumination (satori) est atteint par l'expérience directe - méditation, pratique spirituelle et communication avec des maîtres spirituels. Le bouddhisme zen était particulièrement proche de la classe des samouraïs. Les idées zen ont inspiré des arts tels que : 1) théâtre mais; 2) l'art de décorer les fleurs (ikebana); 3) cérémonie du thé, architecture. L'esthétique japonaise traditionnelle, combinant les idéaux shinto, confucéens et bouddhistes, a développé des principes particuliers, dont la compréhension est la clé de l'art japonais. Les plus importants de ces principes sont : 1) furyuu (goût exalté, éducation et développement de l'esprit, en particulier ce principe appliqué à la peinture de paysage, à l'art des jardins, à l'architecture, à la cérémonie du thé et à la décoration florale); 2) mono-mais conscient ; 3) wabi; 4) sabi; 5) Yugen. La tradition des arts du spectacle japonais compte 5 grands genres théâtraux : 1) bugaku ; 2) mais ; 3) kégen ; 4) bunraku ; 5) Kabuki. Toutes ces cinq traditions existent encore aujourd'hui. Malgré des différences importantes, ils sont unis par des principes esthétiques communs qui sous-tendent l'art traditionnel japonais. 4. Théâtre Une fonction esthétique particulière est remplie au théâtre par la tenue magnifique et luxueuse des acteurs; des masques qui expriment les nuances les plus subtiles des sentiments humains avec un profond psychologisme. Dans les drames, l'accent était mis sur les images psychologiques. La compréhension des compétences d'acteur du théâtre a commencé dès la petite enfance et s'est améliorée tout au long de la vie. Le théâtre mais aussi le public exigeaient une formation et une éducation. Le répertoire est très varié; Actuellement, environ 240 écoutes de contenus variés sont connues. Il est à noter que dans le théâtre classique, tous les rôles, y compris les rôles féminins, sont interprétés uniquement par des hommes. La tradition du théâtre kabuki est liée à la culture urbaine. Le kabuki était un spectacle préféré des citadins de toutes les couches et de tous les niveaux de richesse et convenait aux goûts de ce public. L'émergence du théâtre kabuki remonte au tout début du XVIIe siècle. L'apparence et le comportement de la troupe ont choqué le public, de sorte que les danses qu'ils ont exécutées ont été appelées kabuku, ce qui signifie "dévier", "choquer". Initialement, le théâtre kabuki était majoritairement féminin, mais le gouvernement, mécontent du comportement frivole des actrices, interdit en 1629 la participation des femmes au théâtre. Les jeunes hommes ont commencé à remplacer les femmes dans le kabuki, mais depuis 1652, le shogunat a interdit le kabuki masculin pour les mêmes raisons. Depuis lors, seuls les hommes adultes ont été autorisés à participer aux productions théâtrales de kabuki, et les représentations sont soumises à une censure stricte. Parallèlement à la tradition du kabuki, la tradition du théâtre de marionnettes japonais, le jeruri, s'est également développée. Chaque poupée, qui mesure environ 1/2 à 2/3 de la taille d'une personne, est contrôlée par 3 personnes à la fois ; les poupées ont des yeux, des paupières, des sourcils, une bouche, des bras et des jambes mobiles. Les marionnettistes sont vêtus de vêtements noirs, deux assistants ont même des casquettes noires sur le visage. Le récitant lit non seulement le texte, mais aussi "voix" toutes les marionnettes à la fois. 5. Peinture Les courants religieux du Japon ont influencé le développement de l'art japonais. L'histoire légendaire du Japon, les exploits des dieux et des héros sont devenus la base de l'intrigue de nombreuses œuvres d'art japonais. Un paysage naturel idéalisé a servi d'expression des principes esthétiques confucéens dans la peinture, amenant le spectateur à rechercher la perfection et l'impeccabilité. Les idées zen ont également inspiré l'art, y compris la peinture à l'encre monochrome sur papier. La peinture bouddhique se généralise, se concentrant sur les images canoniques du panthéon bouddhique. Les objets d'art bouddhiste comprennent des inscriptions calligraphiques. La peinture japonaise traditionnelle se caractérise par une grande variété de styles, de formes et de techniques. Les œuvres pittoresques pouvaient avoir la forme de rouleaux suspendus, des rouleaux de format horizontal, se dépliant au fur et à mesure qu'ils étaient vus, pouvaient se présenter sous la forme de feuilles d'album séparées, elles ornaient des éventails, des paravents, des murs. La base de tous les styles de peinture repose sur deux directions principales: 1) continental (en provenance de Chine) ; 2) Japonais. Jusqu'au XNUMXe siècle environ dans la peinture japonaise dominée par la direction chinoise. Au Moyen Âge, la direction namban était populaire - littéralement "barbare du sud" - comme les Japonais appelaient les Européens. Les artistes namban ont imité la peinture occidentale. Dès le début du XVIIIe siècle. au Japon, le style bundzing, littéralement « peinture éclairée » (« impressionnisme japonais »), devient à la mode. Ce genre a influencé l'artiste Katsushika Hokusai. Ukiyo-e est l'un des styles les plus populaires de l'art japonais. Il est apparu dans la 1ère moitié du 2ème siècle, et dans la XNUMXème moitié du XNUMXème siècle. tombé en désuétude. Habituellement, l'ukiyo-e est compris comme des œuvres de genre populaires et répandues - la peinture et, en particulier, la gravure. Le terme ukiyo-e signifie "le monde du chagrin" - c'est ainsi que s'appelle le monde du samsara. Au XNUMXème siècle ces idées ont été quelque peu repensées. Le monde des plaisirs transitoires a également commencé à s'appeler ukiyo-e, seulement il a été écrit avec un hiéroglyphe différent avec le même son, signifiant littéralement "passé flottant". Les artistes ukiyo-e se sont concentrés sur les habitants de ce monde volage aux plaisirs éphémères : 1) belles dames ; 2) geishas et courtisanes célèbres; 3) acteurs du théâtre kabuki ; 4) scènes érotiques ; 5) vacances et feux d'artifice ; 6) fleurs et oiseaux. Fin XVIIIe-début XIXe siècles considéré comme l'âge d'or de l'ukiyo-e. Au cours de ces années, des maîtres tels que Kitagawa Utamaro (1753-1806) et d'autres ont travaillé dans les trente premières années du XIXe siècle. l'un des sujets de prédilection d'ukiyo-e est le paysage. Katsushiku Hokusai est considéré comme le maître inégalé de la gravure de paysage japonaise. Il convient également de noter qu'au Japon, l'ukiyo-e a longtemps été considéré comme un genre "bas", de sorte qu'un grand nombre d'œuvres ont été perdues. Il est à noter que les étrangers ont aidé les Japonais eux-mêmes à considérer l'ukiyo-e comme une œuvre d'art à part entière. L'esthétique Ukiyo-e a eu un impact énorme sur le développement de l'impressionnisme, en particulier sur des artistes tels que E. Degas, C. Monet et surtout sur W. Van Gogh. 6. Architecture, sculpture. L'artisanat Le Japon depuis le Ve siècle construit des temples bouddhistes. Ouverts au public, ils servaient de décor à la zone ; leurs hauts toits à plusieurs niveaux s'intègrent organiquement dans le relief, se fondant harmonieusement dans le paysage environnant. La structure du complexe du temple actuel comprenait généralement des pagodes, un clocher, une salle de sermon, une bibliothèque (dépôt de manuscrits), une salle de méditation, une chambre d'habitation pour les moines et un réfectoire. Les châteaux grandioses aux hautes tours, ornés de toits à plusieurs niveaux, sont devenus un élément caractéristique de l'architecture japonaise des XVIe-VIIe siècles. De grandes forteresses bien fortifiées étaient les capitales de chefs de samouraï spécifiques. Des châteaux peu à peu envahis par des villes entières. Ces châteaux étaient très différents des fortifications antérieures, des châteaux de montagne sur des sommets montagneux éloignés. Le cœur du château était la tour principale en bois, érigée sur une fondation en pierre. Des murs de pierre ont été construits autour de cette tour avec des dépendances et des cours attenantes, et des fossés de protection ont été creusés. Le propriétaire du château et son entourage vivaient dans la tour principale, il existait plusieurs types de tours : 1) célibataire ; 2) doublé ; 3) et parfois 3-4 tours de différentes tailles dominées sur une plate-forme. Chaque château avait, en règle générale, plusieurs portes. Pour les besoins de la défense du château, tout un système de fossés, de tranchées, de canaux, d'étangs, de vannes et de conduites d'eau secrètes a été utilisé, alimentant le château en eau de sources souterraines. Dans certaines cours, des jardins traditionnels pourraient être aménagés. Composition rigoureusement pensée de petits jardins japonais, modèles miniatures de l'Univers invitant les hôtes au repos et à la réflexion dans leur solitude. Les articles ménagers au Japon jouaient le rôle d'attributs rituels. Les maîtres cherchaient à leur donner une apparence impeccable. Par exemple, de nombreux bols pour la cérémonie du thé étaient exceptionnellement appréciés pour "le sceau de la beauté d'un autre monde", contenant l'univers entier. Il en va de même pour de nombreuses autres œuvres d'art : 1) figurines netsuke; 2) boîtes d'introduction ; 3) produits de laque ; 4) un élégant kimono à manches courtes avec un décor exquis et fantaisiste ; 5) écrans ; 6) ventilateurs ; 7) lanternes ; 8) armes japonaises traditionnelles. CONFÉRENCE N° 21. Culture des pays arabes 1. Caractéristiques de la culture des pays arabes La géographie du monde arabe moderne est étonnamment diversifiée. La péninsule arabique était divisée entre eux par l'Arabie saoudite, le Yémen, Oman et d'autres États. L'Irak est devenu le successeur des civilisations de la Mésopotamie ; La Syrie, le Liban et la Jordanie occupent les territoires de l'ancienne Syrie. L'Égypte a hérité des possessions de l'Égypte ancienne qui s'étendaient le long du Nil. Sur la côte nord-africaine de la mer Méditerranée, qui a reçu le nom de Maghreb (arabe, "ouest") des géographes arabes médiévaux, se trouvent les États de Libye, de Tunisie, d'Algérie et du Maroc. L'histoire et la culture des pays arabes sont également étroitement liées à l'Iran et à la Turquie. La culture arabe médiévale s'est également développée dans les pays qui ont subi l'arabisation (l'islam adopté), où l'arabe classique a longtemps dominé en tant que langue d'État. Le plus grand épanouissement de la culture arabe est tombé sur les siècles VIII-XI: 1) poésie développée avec succès; 2) les célèbres contes de fées "Mille et une nuits" ont été compilés; traduit de nombreux ouvrages d'auteurs anciens. Pendant cette période, les Arabes ont apporté une contribution significative à la science mathématique mondiale, au développement de la médecine, de la philosophie. Ils ont créé une sorte de monuments architecturaux. 2. Religion. Islam L'Islam était la base de la vie religieuse des habitants de l'Orient. L'islam (arabe, "soumission") est la plus jeune des religions du monde. Dans le monde moderne, l'islam est la deuxième religion mondiale en termes de nombre d'adeptes. C'est une religion monothéiste et dans presque tous les pays à majorité musulmane, l'islam est la religion d'État. Mais l'Islam n'est pas seulement une religion. Il s'agit d'un système de relations entre une personne et la société, qui détermine le mode de vie d'un musulman. L'Islam est né en Arabie au XNUMXème siècle et a été fondé par Mahomet. Cette religion s'est développée sous l'influence du christianisme et du judaïsme. À la suite des conquêtes arabes, il s'est répandu au Proche et au Moyen-Orient, dans certains pays d'Extrême-Orient, d'Asie et d'Afrique. La forme idéale d'État islamique est une théocratie laïque égalitaire. Tous les croyants, quel que soit leur statut social, étaient égaux devant la loi divine ; imam ou mollah - le chef de la prière commune, qui peut être dirigée par tout musulman connaissant le Coran. Seul le Coran a le pouvoir législatif, tandis que le pouvoir exécutif - religieux et séculier - appartient à Dieu et s'exerce par l'intermédiaire du calife. Les principales directions de l'Islam: 1) sunnisme ; 2) le chiisme ; 3) Wahhabisme. Réformateurs de la 2e moitié du XNUMXe - début du XNUMXe siècles. (par exemple, al-Afghani) ont compris la réforme comme le nettoyage de l'islam des distorsions et des accroissements par un retour à la communauté musulmane primitive. Au XXe siècle. en grande partie en réaction à l'influence de l'Occident, des idéologies fondées sur les valeurs islamiques (panislamisme, fondamentalisme) émergent dans les pays musulmans. 3. Vie et coutumes des musulmans. sharia La principale source de la doctrine musulmane est le Coran (arabe, "lecture à haute voix"). La deuxième source de la doctrine musulmane - la Sunnah - des exemples de la vie de Mahomet comme exemple de résolution de problèmes socio-politiques religieux. La Sunna est composée de hadiths qui racontent les déclarations de Muhammad sur une question particulière. Par la révélation, les signes et les noms, une personne ne peut comprendre que partiellement le sens du divin dans le monde, et un musulman est obligé d'y croire. Chaque groupe religieux de l'islam était uni en une communauté distincte (ummah). Le Coran, en plus des sermons, des prières, des sorts, des histoires édifiantes et des paraboles, contient des règles rituelles et juridiques qui régissent divers aspects de la vie de la société musulmane. Conformément à ces instructions, les relations familiales, juridiques, patrimoniales des musulmans sont construites. La partie la plus importante de l'islam est la charia - un ensemble de normes de morale, de droit, de principes culturels et autres qui régissent l'ensemble de la vie sociale et personnelle d'un musulman. Les normes traditionnelles de comportement de la société orientale étaient combinées avec la pensée et la mythologie traditionnelles, dont une partie importante était représentée par des anges et des démons, ou djinns. Les musulmans avaient très peur du mauvais œil, ils croyaient à l'immortalité de l'âme et à l'au-delà. Une grande importance dans l'Orient arabe était attachée aux rêves. La divination était également répandue. 4. Sciences. Littérature. langue arabe Depuis le XNUMXème siècle. comment se développent les sciences appliquées aux disciplines religieuses : 1) grammaire ; 2) mathématiques ; 3) astronomie. Leur développement a eu lieu dans le processus de contacts étroits entre les musulmans et d'autres cultures orientales : 1) Syrien ; 2) persan ; 3) Indien. Les principales réalisations scientifiques des scientifiques arabes remontent au Moyen Âge. La contribution des Arabes à la science mathématique a été significative. Abu-l-Wafa a déduit le théorème des sinus de la trigonométrie, calculé la table des sinus, introduit la notion de sécante et de cosécante. Le poète et scientifique Omar Khayyam a écrit l'algèbre. Il a également traité avec succès le problème des nombres irrationnels et réels. En 1079, il introduisit un calendrier plus précis que le grégorien moderne. La médecine médiévale arabe a été glorifiée par Ibn Sina - Avicenne (980-1037), l'auteur de l'encyclopédie de la médecine théorique et clinique. Abu Bakr, un célèbre chirurgien de Bagdad, a donné une description classique de la variole et de la rougeole, a appliqué des vaccinations. La philosophie arabe s'est largement développée sur la base de l'héritage antique. La pensée historique s'est également développée. Si aux VII-VIII siècles. en arabe, aucun écrit historique proprement dit n'avait encore été écrit, et il existait de nombreuses légendes sur Mahomet, les campagnes et les conquêtes des Arabes, alors au IXe siècle. d'importants ouvrages d'histoire sont en cours de compilation. L'historien le plus célèbre des XIV-XV siècles. était Ibn Khaldun, le premier des historiens arabes qui a essayé de créer une théorie de l'histoire. En tant que principal facteur déterminant le processus historique, il a distingué les conditions naturelles du pays. La littérature arabe a également retenu l'attention des savants. Au tournant des VIII-IX siècles. La grammaire arabe a été compilée, qui a formé la base de toutes les grammaires ultérieures. L'écriture arabe est considérée comme la plus grande valeur culturelle. Les centres de la science arabe médiévale étaient les villes de Bagdad et Bassorah. La vie scientifique de Bagdad était particulièrement animée, où la Maison des sciences a été créée - une sorte d'association de l'académie, de l'observatoire, de la bibliothèque. Déjà au Xe siècle. dans de nombreuses villes, des écoles musulmanes secondaires et supérieures sont apparues - des madrasas. Aux X-XIII siècles. en Europe, le système décimal des signes pour l'écriture des nombres, appelé «chiffres arabes», est devenu connu des écrits arabes. Une renommée mondiale durable a été apportée à Omar Khayyam (1048-1122), un poète persan, scientifique, par ses poèmes : 1) philosophique ; 2) hédonique ; 3) rubai libre-penseur. Aux X-XV siècles. Peu à peu, la collection de renommée mondiale de contes folkloriques arabes "Mille et une nuits" s'est progressivement formée. Ce sont des contes sur Ali Baba, Aladdin, Sinbad le marin et d'autres. Les orientalistes pensent que l'apogée de la poésie, de la littérature et de la culture arabes dans son ensemble tombe aux VIIIe-IXe siècles : pendant cette période, le monde arabe en plein développement était à la tête de la civilisation mondiale. A partir du XNUMXème siècle le niveau de la vie culturelle baisse. La persécution des chrétiens et des juifs commence, ce qui s'exprime par leur extermination physique, la culture laïque est opprimée et la pression sur les sciences naturelles augmente. L'incinération publique des livres est devenue une pratique courante. 5. Arts visuels et calligraphie L'Islam, prônant un strict monothéisme, a dès l'Antiquité combattu les cultes tribaux des Arabes. Afin de détruire la mémoire des idoles tribales, la sculpture était interdite dans l'Islam, les images d'êtres vivants n'étaient pas approuvées. En conséquence, la peinture n'a pas non plus connu de développement significatif dans la culture arabe, se limitant aux ornements. A partir du XNUMXème siècle a commencé à développer l'art des miniatures, y compris les livres. Le livre manuscrit était apprécié dans la société musulmane comme un sanctuaire et un trésor. Avec toutes les différences dans les techniques artistiques et les sujets, les illustrations de livres de cette époque ont beaucoup en commun. La conventionnalité dans la représentation de la scène et des personnages en miniatures se conjugue à une maîtrise du trait et de la couleur, et à beaucoup de détails. Les poses des acteurs sont expressives. Images les plus populaires : 1) scènes de réceptions royales ; 2) pairs ; 3) la chasse ; 4) batailles. Les peintres de la cour servaient souvent en même temps que les historiens de la cour qui accompagnaient le sultan lors de campagnes militaires. L'artiste n'a pas cherché à reproduire la réalité terrestre. Le vrai monde devait être compris de manière spéculative, à travers la lecture du Coran, la récitation de prières, l'inscription et la contemplation d'inscriptions sacrées du Coran, des hadiths, des noms d'Allah et de Muhammad. La parole sacrée du Coran a accompagné un musulman tout au long de sa vie. Dans la culture médiévale musulmane d'Orient et d'Occident, le degré de maîtrise de la "beauté de l'écriture", ou calligraphie, est devenu un indicateur de l'intellectualité et de l'éducation d'une personne. Diverses écritures ont été développées. Au cœur des 6 styles d'écriture se trouvait le système de "l'écriture statutaire" - un système de proportions qui déterminait le rapport des éléments verticaux et horizontaux des lettres, ainsi que des lettres dans un mot et une ligne. Un stylo à roseau - "kalam" servait d'outil d'écriture, dont la méthode d'affûtage dépendait du style choisi et des traditions de l'école. Les matériaux d'écriture étaient le papyrus, le parchemin et le papier, dont la production a été établie à Samarcande (Asie centrale) dans les années 60. XNUMXème siècle Les feuilles étaient recouvertes d'une pâte d'amidon et polies avec un œuf de cristal, ce qui rendait le papier dense et durable, et les lettres et motifs appliqués à l'encre colorée étaient clairs, brillants et brillants. En général, les beaux-arts étaient tapissés, leurs traits caractéristiques étaient fleuris et à motifs. La combinaison de couleurs vives, cependant, a toujours été strictement géométrique, rationnelle et soumise aux symboles musulmans. 6. Architecture de l'Islam Il convient de noter que l'architecture arabe médiévale s'est développée sur la base du traitement des traditions grecques, romaines et iraniennes par les Arabes. A partir du XNUMXème siècle les bâtiments commencent à être décorés d'ornements floraux et géométriques, qui comprenaient des inscriptions stylisées - écriture arabe. Un tel ornement - les Européens l'appelaient une arabesque - a été construit sur le principe du développement sans fin et de la répétition rythmique du motif. La place principale dans la construction des villes était occupée par les édifices religieux - les mosquées. C'était une cour carrée entourée de galeries sur piliers ou colonnes. Au fil du temps, les mosquées ont commencé à différer dans leur objectif. Une petite mosquée servait de lieu de prière individuelle. La cathédrale, ou mosquée du vendredi, était destinée aux prières collectives effectuées par toute la communauté le vendredi midi. Le temple principal de la ville est devenu connu sous le nom de Grande Mosquée. Caractéristiques distinctives de toute mosquée de la fin du XNUMXe au début du XNUMXe siècle. devenu le mihrab et le minbar. A partir du XNUMXème siècle L'élément le plus important de la mosquée cathédrale était le minaret - une haute tour d'où l'appel à la prière était proclamé. Le monde arabe a également donné naissance à un phénomène aussi unique que l'art mauresque. L'art mauresque est un nom conventionnel pour un style artistique (mélange de styles arabe et gothique) qui s'est développé en Afrique du Nord et en Andalousie (sud de l'Espagne) aux XIe-XVe siècles. Plus clairement, le style mauresque s'est manifesté dans l'architecture. La perle de l'architecture mauresque des XIII-XIV siècles. - Alhambra (Grenade en Espagne). Les murs massifs de la forteresse, les tours et les portes, les passages secrets cachent et protègent le palais. La composition repose sur un système de cours (Cour des Myrtes, Cour des Lions) situées à différents niveaux. Les caractéristiques distinctives sont des motifs de pierre sculptés fragiles et givrés et des inscriptions sur les murs, de fines colonnes torsadées, des barreaux de fenêtre en fer forgé et des vitraux multicolores. CONFÉRENCE N° 22. Culture du Moyen Âge 1. Caractéristiques générales de la culture Au XNUMXème siècle, la Grande Migration des Nations a commencé - l'invasion de tribus d'Europe du Nord et d'Asie sur le territoire de l'Empire romain. L'Empire romain d'Occident est tombé; son autre partie - Byzance - devait exister encore un certain temps. Le Moyen Âge est arrivé - une ère historique qui succède à l'Antiquité et précède la Renaissance. Les origines de la culture médiévale remontent en grande partie à l'ère de l'Antiquité. Outre le christianisme, le Moyen Âge a adopté dès l'Antiquité certaines formes artistiques, ainsi que des savoir-faire artisanaux. 2. Éducation et sciences Aux VII-VIII siècles. il y avait des écoles dans les monastères, où les maîtres étaient des moines, et les élèves, très peu nombreux, étaient des enfants de chevaliers. Ici, ils ont enseigné la théologie et les "sept arts libres", ainsi que l'écriture et le calcul. Plus tard, l'éducation a été élargie (mais pas pour tout le monde, mais seulement pour la noblesse) - ils ont étudié le latin, le droit, la médecine et l'arabe. Les universités sont nées de ces écoles (du mot universum - "communauté") : 1) à Bologne (Italie, 1088) ; 2) Cordoue (Espagne, IX); 3) Oxford (1209); 4) Sorbonne à Paris (1215) ; 5) Vienne (1348), etc. Les universités jouissaient d'une autonomie interne (elles élisaient un recteur, etc.). La population générale étudiée ici. Formes d'éducation - une conférence (lecture d'un texte spécialisé et un commentaire dessus) ou un différend (un différend ouvert entre les participants au séminaire), après l'obtention du diplôme, un certificat a été délivré. Il y avait aussi des manuels. La science du Moyen Âge a été découverte par des théologiens des IVe-Ve siècles. - les soi-disant "pères de l'église": 1) Augustin le Bienheureux ; 2) Ambroise; 3) le philosophe Boèce ; 4) les historiens Jordan et Bède le Vénérable. Le centre de la "Renaissance carolingienne" était la soi-disant académie - un cercle scientifique à la cour de Charlemagne, créé en 794 sur le modèle de l'ancienne école. Le théologien et poète Alcuin est devenu le chef de l'académie. Aux XIIe-XIIIe siècles. la science continue d'évoluer. La scolastique devient sa base - une doctrine dans laquelle la réalité était comprise à l'aide de la logique de la raison. En même temps, les scolastiques étaient souvent emportés par la forme verbale, derrière laquelle le contenu était mal deviné, c'est-à-dire qu'ils écrivaient et parlaient dans une langue lourde et incompréhensible. Le savant éminent du Moyen Âge fut Thomas d'Aquin (1225-1247), professeur, auteur de 18 ouvrages de théologie et de philosophie. Un autre scientifique célèbre était Roger Bacon (1214-1294) - naturaliste, professeur de mathématiques et de philosophie. 3. Vision du monde. Littérature. Théâtre Les barbares adoraient les forces de la nature ; les rites magiques ont joué un rôle énorme dans leur vie. Avec l'émergence et le développement des États en Europe, le cœur de la vie humaine et de la vision du monde devient la religion chrétienne. La vie entière n'est considérée que comme un court segment, plein de dangers pour l'âme humaine. L'idéal est une vie sans fioritures et joies vicieuses, une foi sincère en Dieu, le respect des rituels, ainsi que des qualités de la nature telles que l'humilité, la patience, la vertu, la foi, l'espoir, etc. Pouvoir illimité, à la fois spirituel et matériel et politique , - acquérir l'église et le clergé. Si les traités du haut Moyen Âge ne s'adressaient pas à des segments spécifiques de la population, alors la littérature du Moyen Âge était de classe. Les chercheurs identifient : 1) paysan ; 2) urbain ; 3) la littérature chevaleresque. Genres principaux: 1) romans ; 2) poésie; 3) poèmes ; 4) épique (noble); 5) histoires ; 6) biographies ; 7) histoires ; 8) chansons ; 9) essais pédagogiques, etc. Travaux exceptionnels : 1) l'épopée « Chanson de Roland » ; 2) "Chant des Nibelungen" ; 3) "Chanson de côté" ; 4) le roman « Tristan et Isolde » ; 5) un cycle de romans sur le roi Arthur et le chevalier Lancelot ; 6) une série de romans sur Fox Renard ; 7) contes ; 8) romans. Le nombre d'activités de divertissement et d'éducation a considérablement augmenté. Les prédicateurs parlaient devant les cathédrales, les professeurs et les étudiants discutaient. Des représentations théâtrales religieuses ont également été organisées. Les cathédrales ont été construites par des maîtres urbains (et non par des monastiques, comme auparavant). Les citadins eux-mêmes étaient souvent les clients ou les créateurs d'œuvres d'art pour décorer les cathédrales. 4. Peinture du Moyen Âge Les tribus barbares étant constamment nomades, leur art primitif est principalement représenté par : 1) armes ; 2) bijoux ; 3) divers ustensiles. Les artisans barbares préféraient les couleurs vives et les matériaux coûteux, alors que la beauté du produit n'était pas plus appréciée, mais le matériau à partir duquel il était fabriqué. La peinture romaine a servi de modèle aux miniaturistes. L'auteur d'une miniature médiévale n'est pas seulement un illustrateur ; c'est un conteur talentueux qui, dans une scène, a réussi à transmettre à la fois la légende et sa signification symbolique. "Renaissance carolingienne" (renaissance française "renaissance") - c'est ainsi que les chercheurs ont appelé l'art de cette époque. De nombreux monastères francs avaient des scriptoria (ateliers d'écriture de livres), dans lesquels les moines réécrivaient d'anciens manuscrits et en compilaient de nouveaux, à la fois ecclésiastiques et laïques. Les manuscrits étaient placés dans des cadres en ivoire ou en métaux précieux avec des inserts en pierres précieuses. Dans la conception des livres, en plus de l'ornementation complexe, des motifs de l'art chrétien étaient souvent utilisés - couronnes, croix, figurines d'anges et d'oiseaux. Vers la fin du IIIe siècle. le rouleau de papyrus a été remplacé par du parchemin ; au lieu de style (bâtons pour écrire), ils ont commencé à utiliser des plumes d'oiseaux. A l'époque des Carolingiens, l'art de la miniature - l'illustration de livres - atteint un épanouissement extraordinaire. Il n'y avait pas d'écoles miniatures, mais il y avait des centres de production de manuscrits illustrés dans les monastères (par exemple, un atelier d'écriture de livres à Aix-la-Chapelle). Les temples carolingiens à l'extérieur étaient décorés très modestement, mais à l'intérieur ils brillaient de peintures murales - des fresques. De nombreux chercheurs ont noté la grande importance des beaux-arts dans un monde barbare où la plupart des gens ne savaient pas lire. Par exemple, dans l'église St. Saint-Jean-Baptiste (VIIIe siècle) dans la ville de Müster (Suisse moderne) sont les plus anciennes fresques connues. L'art de l'Empire Otto a joué un rôle énorme dans le développement du style roman. Les peintures murales de l'époque romane n'ont pratiquement pas été conservées. Ils étaient édifiants ; les mouvements, les gestes et les visages des personnages étaient expressifs ; les images sont planes. En règle générale, des scènes bibliques étaient représentées sur les voûtes et les murs du temple. Sur le mur ouest se trouvaient des scènes du Jugement dernier. Aux XIIIe-XIVe siècles. ainsi que des livres d'église, richement illustrés d'images de saints et de scènes de la Sainte Histoire, se sont répandus : 1) livres d'heures (recueils de prières); 2) romans ; 3) chroniques historiques. 5.Architecture Après l'émergence dans les siècles V-VIII. Les États des tribus germaniques ont été convertis au christianisme. Des églises chrétiennes en pierre ont commencé à être érigées. Les temples étaient construits à partir de pierres massives, le bois était utilisé pour les plafonds. Les églises sont construites sur le modèle des basiliques romaines. Dans la plupart des cas, les colonnes étaient empruntées aux temples antiques : les ruines servaient en quelque sorte de carrière pour l'extraction de nouveaux matériaux de construction. Les monastères et les églises sont restés des centres culturels à partir du Xe siècle. Le temple, qui avait la forme d'une croix en plan, symbolisait le chemin de la croix du Christ - le chemin de la souffrance. Au Xe siècle. répandre la croyance dans le pouvoir miraculeux des reliques - objets associés à la vie du Christ, la Mère de Dieu, les saints. De plus en plus de pèlerins cherchaient à visiter les lieux saints. Le roi Ostrogoth Théodoric était un politicien prudent et intelligent, patronnant la noblesse romaine et l'église, la science et les arts. Il voulait être connu comme grand, et donc dans sa capitale Ravenne, ils ont construit des routes, construit des ponts, des conduites d'eau, des fortifications militaires, des palais et des temples, restauré des bâtiments détruits. De plus, la magnifique tombe de Théodoric a survécu jusqu'à ce jour. Mais Charlemagne en fit la capitale de la petite ville d'Aix-la-Chapelle (l'Allemagne moderne). Le palais royal et les bâtiments administratifs ont été construits ici. La chapelle d'Aix-la-Chapelle (chapelle) et les portes du monastère de Lorsch (Allemagne moderne, vers 800) ont survécu jusqu'à ce jour. A partir du 1030ème siècle Les architectes ont progressivement modifié la conception du temple - il devait répondre aux exigences d'un culte de plus en plus complexe. Dans l'architecture de l'Allemagne à cette époque, un type particulier d'église s'est développé - majestueux et massif. Telle est la cathédrale de Spire (1092-1106/XNUMX), l'une des plus grandes d'Europe occidentale. Dans l'art roman, l'architecture monastique occupait une place prépondérante. La taille des églises a augmenté, ce qui a conduit à la création de nouvelles conceptions de voûtes et de supports. A l'époque romane, l'architecture séculaire se transforme. Exemples typiques de l'architecture romane française : 1) Église St. Pierre ; 2) Église St. Paul au monastère de Cluny (1088-1131). Seuls de petits fragments de ce bâtiment, ses descriptions et ses dessins, ont survécu. Aux XI-XII siècles. la construction de grandes cathédrales a commencé dans les villes du Rhin - à Worms, Speyer, Mayence. En Allemagne, des monuments de l'architecture séculaire de cette époque ont également été préservés - châteaux féodaux et forteresses. L'art de l'Italie s'est formé sous l'influence de traditions culturelles séculaires. En Espagne, il y avait une reconquista - une guerre pour la libération du territoire du pays, capturé par les Arabes. Puis en Espagne la construction de châteaux-forteresses a commencé. Le royaume de Castille devient le pays des châteaux. L'un des premiers exemples d'architecture romane est le palais royal de l'Alcazar (IXe siècle). Il a survécu jusqu'à notre époque. 6. L'art gothique. Sculpture Le nom "art gothique" (du mot "gothique", d'après le nom de la tribu germanique des Goths) est né à la Renaissance. Dans divers pays européens, le gothique avait ses propres caractéristiques et son apogée tombe aux XIII-XIV siècles. Les cathédrales gothiques différaient considérablement des églises monastiques de l'époque romane. La cathédrale gothique est dirigée vers le haut : on a commencé à utiliser ici un nouveau dessin de voûtes (la voûte repose sur des arcs, et celles sur des piliers). La pression latérale de la voûte est transmise aux arcs-boutants (demi-arcs extérieurs) et aux contreforts (appuis extérieurs du bâtiment). Les murs ont cessé de servir de support à la voûte, ce qui a permis d'y faire de nombreuses fenêtres, des arcs, des galeries, des vitraux sont apparus - des images composées de verres colorés attachés ensemble. L'art gothique est né et s'est développé à l'origine dans la province française d'Ile-de-France. Les traits caractéristiques du gothique primitif étaient incarnés dans la cathédrale principale de la capitale de la France - Notre-Dame de Paris (cathédrale Notre-Dame). Les œuvres exceptionnelles de l'architecture gothique mature comprennent les cathédrales de Reims et d'Amiens. Les cathédrales gothiques en Allemagne différaient considérablement des cathédrales françaises. La sculpture s'est également développée au Moyen Âge. Sur les reliefs francs des VIIe-VIIIe siècles. Des martyrs chrétiens sont représentés. A partir du XNUMXème siècle les premières images du Christ, la Mère de Dieu, les saints apparaissent. À l'époque romane, la sculpture monumentale fait son apparition en Europe occidentale. Des images sculpturales - des reliefs - étaient généralement placées à l'entrée des églises. Les reliefs étaient généralement peints - cela leur donnait une plus grande expressivité et force de persuasion. La sculpture à l'époque romane en Allemagne était généralement placée à l'intérieur des temples. Il n'a commencé à apparaître sur les façades qu'à la fin du XIIe siècle. CONFÉRENCE N° 23. Culture de la Renaissance 1. Caractéristiques de la culture de la Renaissance Renaissance (renaissance française - "renaissance") est un phénomène de développement culturel dans un certain nombre de pays d'Europe centrale et occidentale. Chronologiquement, la Renaissance couvre la période des XIV-XVI siècles. Dans le même temps, jusqu'à la fin du XVe siècle. La Renaissance est restée en grande partie un phénomène italien. Le terme "Renaissance" a été introduit pour la première fois au XVIe siècle. célèbre artiste italien, architecte et historien de l'art Giorgio Vasari. La Renaissance est une ère de grandes transformations économiques et sociales dans la vie de nombreux États européens, une ère d'humanisme et de lumière. Au cours de cette période historique, dans divers domaines de la vie de la société humaine, se présentent les conditions favorables à un essor sans précédent de la culture. Le développement de la science et de la technologie, les grandes découvertes géographiques, le déplacement des routes commerciales et l'émergence de nouveaux centres commerciaux et industriels ont considérablement élargi et modifié la compréhension que l'homme avait du monde qui l'entourait. Les idées sur la personne elle-même changent. La caractéristique la plus importante de la vision du monde de la Renaissance était l'individualisme. Un autre trait caractéristique de la nouvelle vision du monde était l'éveil de la conscience nationale. Les gens ont un sentiment de patriotisme, le concept de la patrie est formé. Autre trait intéressant : le phénomène de la Renaissance nordique dans les pays d'Europe centrale et septentrionale. Aux Pays-Bas, le Moyen Âge a encore influencé le mode de vie des gens, de sorte que la culture urbaine des Pays-Bas a donné un autre type de Renaissance. Un trait caractéristique du Nord était l'approfondissement de la culture dans le monde intérieur de l'homme. Les maîtres étaient attirés par la profondeur psychologique et les caractéristiques personnelles d'une personne. 2. Science, littérature et pensée sociale A la Renaissance, de grandes découvertes ont été faites dans : 1) astronomie (N. Copernicus, J. Bruno, I. Kepler, G. Galileo) ; 2) médecine (F. Paracelse et autres); 3) mathématiques (J. Cardano et autres); 4) géographie ; 5) géologie ; 6) zoologie ; 7) botanique, etc. Des ouvrages d'histoire parurent (Bruni, Machiavel, etc.). A la Renaissance, les langues se forment enfin : 1) italien ; 2) français ; 3) anglais ; 4) Allemand. Il y a de la littérature dans ces langues, le latin au XVIe siècle. cesse progressivement d'être une langue vivante. Invention de I. Gutenberg au milieu du XVe siècle. l'impression, l'apparition des journaux a permis à un plus grand nombre de personnes d'entrer en contact avec l'imprimé. La nature et le contenu de la nouvelle ère ont été exprimés de nombreuses manières par la fiction. Les premiers germes de l'idéologie humaniste ont trouvé leur expression dans l'œuvre de Dante. Écrivains majeurs de la Renaissance italienne : 1) Dante Alighieri (1265-1321) ; 2) Giovanni Boccace (1313-1375); 3) Francesco Pétrarque (1304-1374). Par la nature de la créativité, des thèmes, des genres, tous ces auteurs sont complètement différents. Dans l'histoire de la littérature mondiale, chacun de ces noms est associé à une œuvre spécifique: Dante - avec la Divine Comédie, Boccace - avec le Décaméron, Pétrarque - avec des poèmes dédiés à Laura. Un éminent écrivain de la Renaissance était Niccolo Machiavel (1469-1527) - un homme politique de la fin de la Renaissance. La plus grande figure de la Renaissance européenne fut Érasme de Rotterdam (1469-1536) - écrivain, philologue, philosophe, théologien, auteur d'ouvrages sur la pédagogie, traducteur du grec et du latin. Les idées les plus avancées de la Renaissance française s'incarnent dans l'œuvre de Rabelais, Ronsard et d'autres écrivains, qui attachent une grande importance à la littérature et à l'art dans l'affirmation des idéaux humanistes. L'œuvre des humanistes espagnols les plus remarquables de l'époque, tels que M. Cervantes (1547-1616), Lope de Bega (1562-1635) et d'autres, était caractérisée par un profond contenu historique national, le patriotisme et une haute appréciation de la dignité humaine. L'Angleterre a également connu le plus grand essor de la créativité littéraire. Qu'il suffise de mentionner le nom du brillant dramaturge et poète W. Shakespeare (1564-1616). Déjà pendant la Haute Renaissance, la littérature européenne était en déclin. Les grandes idées humanistes, le réalisme et la démocratie ont commencé à périr sous les assauts de la Réforme, qui s'est opposée au « paganisme » de la culture de la Renaissance. 3. Peinture La page la plus brillante de la Renaissance italienne a été les beaux-arts, en particulier la peinture et la sculpture. Le niveau moyen de l'art italien de cette époque était très élevé. Dans l'art de la Renaissance italienne, la peinture murale domine. Il a été réalisé dans la technique de la fresque - ils ont peint sur du plâtre humide avec des peintures (fresque italienne - "fraîche"). La Proto-Renaissance (XIII - début XIV siècles) - le seuil de la Renaissance - a donné au monde Giotto da Bondone (1266 / 76-1337) - le fondateur de la peinture européenne, le fondateur du réalisme. Le début de la Renaissance (fin XIVe-XVe siècles) est représenté par une pléiade d'artistes brillants : 1) Masaccio (1401-1426) ; 2) Donatello (1386-1466) ; 3) Sandro Botticelli (1445-1510) et des dizaines d'autres artistes exceptionnels, dont les peintures ornent les musées du monde. Fin XVe et début XVIe siècles appelée la Haute Renaissance. Traits caractéristiques du réalisme de la Renaissance italienne : 1) clarté classique ; 2) l'humanité des images ; 3) leur résistance plastique ; 4) expressivité harmonique. La Haute Renaissance illumine le travail de deux grands titans, brillants artistes - Léonard de Vinci et Rafael Santi. Le plus grand peintre de la Renaissance était Titien Vecellio (1476/77-1576). Les pinceaux de Titien appartiennent à des créations sur des sujets mythologiques et chrétiens, des œuvres du genre portrait. Ses toiles : "Vénus allongée", "Danaé", "Vénus devant un miroir", "Marie Madeleine pénitente", "Saint Sébastien", "Piéta". 4. Peintres majeurs de la Renaissance nordique Les principaux peintres de la Renaissance nordique de cette époque étaient: 1) Jan van Eyck ; 2) Jérôme Bosch ; 3) Pieter Brueghel l'Ancien. Les représentants les plus éminents des beaux-arts d'Allemagne étaient: 1) Albrecht Dürer ; 2) Lucas Cranach senior; 3) Hans Holbein Jr. Les artistes français de cette période sont inférieurs par l'éclat de leurs compétences à leurs homologues néerlandais et allemands, mais leurs œuvres ont leurs propres caractéristiques. Le plus grand peintre français du XVe siècle. était Jean Fouquet (vers 1420-1477/1481). Il a travaillé dans tous les types de peinture : 1) dans un portrait ; 2) en miniature ; 3) en peinture de chevalet. La figure la plus frappante et la plus originale de la Renaissance espagnole est El Greco (1541-1616). L'image d'un homme par l'artiste espagnol est dotée de spiritualité. Peintures religieuses, mythologiques, de genre, portraits, paysages combinent des techniques inhabituelles du langage visuel de l'artiste. La coloration est basée sur la technique du contraste des couleurs vives. Les héros d'El Greco ont des figures anormalement allongées, des visages pâles allongés, des gestes convulsifs, l'échelle des figures et des objets est souvent modifiée. À la fin de la Renaissance, une nouvelle direction est apparue dans les arts visuels - le maniérisme (maniérisme italien - "prétentieux"), qui se distingue par l'intensité des images, la forme sophistiquée et les solutions compliquées. Le maniérisme se répand dans toutes sortes d'art et devient le signe avant-coureur d'un nouveau style - le baroque. 5. Architecture et sculpture 5. L'architecture occupe une des premières places dans la culture artistique de la Renaissance. Les caractéristiques de l'architecture de cette période sont les suivantes : 1) une augmentation de l'échelle de la construction civile et laïque; 2) un changement dans la nature de l'architecture monumentale et culte - en quête d'ampleur. L'architecture de la Renaissance est différente : 1) simplicité des volumes, des formes et du rythme ; 2) calme et statique ; 3) la symétrie de la composition ; 4) diviser le bâtiment en étages par des tiges horizontales ; 5) un ordre clair de placement des ouvertures de fenêtres et des détails architecturaux. La nouvelle ère a inscrit de grands noms dans l'histoire mondiale de l'architecture : 1) F. Brunelleschi ; 2) L. Alberti; 3) D. Bramante ; 4) Michel-Ange Buonarotti ; 5) F. Delorme et autres. Dans le développement de l'architecture de la Renaissance, une place importante appartient à la construction de l'architecture du palais - le palais. En France, la Renaissance en architecture peut être divisée en deux phases : 1) le premier - la première période (1500-1540) - les châteaux du roi et de la noblesse française : Chambord, Blois, Chateaubriand, etc. ; 2) la seconde - mature (1540-1570). Le bâtiment le plus significatif de cette période est le palais royal du Louvre, créé par l'architecte P. Lesko (1515-1578). En Espagne, l'architecture de la Renaissance s'étend sur tout le XVIe siècle. Le plus grand ouvrage est le château royal d'Escorial (auteur - Herrera). La sculpture fleurit. Donatello et Michelangelo Buonarroti sont devenus des maîtres exceptionnels dans ce domaine. CONFÉRENCE N° 24. Culture de l'époque moderne 1. Caractéristiques de la culture du New Age Depuis le début du XIXème siècle. il y a un changement radical dans l'environnement humain - le mode de vie urbain commence à prévaloir sur le rural. Dans le XNUMXème siècle un processus turbulent commence. L'état d'esprit d'une personne change. 2. Sciences et technologie Le passage de la manufacture à la production en usine, l'invention de la machine à vapeur a révolutionné l'industrie. La fabrication de machines nécessitait de plus en plus de métal. Le minerai de fer était désormais fondu non pas sur du charbon de bois, mais sur du charbon. Pour accélérer la fusion, de l'air chaud a été injecté dans le four. L'ingénieur anglais Bessemer a inventé un four rotatif pour la fusion - un convertisseur. Les usines de construction de machines étaient équipées d'une variété de machines-outils. L'industrie chimique est apparue, produisant: 1) acide sulfurique ; 2) soda ; 3) colorants, etc. En 1846, Howe invente la première machine à coudre, améliorée en 1851 par Singer. L'industrie de l'imprimerie se développe. Ils ont appris à fabriquer des qualités de papier bon marché à partir de pâte de bois. L'avènement des machines mécaniques a permis de mettre en marche la production d'imprimerie. Il y a eu une révolution dans les moyens de transport et de communication. Au XVIIIe siècle. les diligences voyageaient de ville en ville - des voitures fermées à plusieurs places tirées par des chevaux. Dans le 1825ème siècle le transport ferroviaire fait partie de la vie des gens. Le premier chemin de fer fut construit par George Stephenson en Angleterre en 17. Les locomotives s'améliorèrent, la vitesse de déplacement augmenta, l'américain Westinghouse inventa les freins à air comprimé. Les machines à vapeur sont également apparues dans la marine. Le 1807 août 1819, un "voyage d'essai" était prévu pour le vapeur Clermont de Fulton. La navigation maritime a cessé de dépendre du vent. Le vapeur, qui a traversé l'océan Atlantique en 26, a passé 70 jours sur la route (Christophe Colomb l'a traversé en XNUMX jours). En 1803-1804. L'ingénieur américain Evans a fait rouler la première voiture à vapeur dans les rues de Philadelphie. En 1803, il y avait déjà 26 voitures à vapeur à Londres, et dans toute l'Angleterre leur nombre atteignit 100. L'apparition de nouveaux modes de transport rendit nécessaire l'amélioration des routes. Dans la construction d'autoroutes, des rouleaux compresseurs à vapeur ont été utilisés avec succès. Les machines à vapeur ont trouvé leur application dans l'agriculture. Dans les années 40. 1870ème siècle en Angleterre, des voitures faciles à déplacer sont apparues sur les champs - des locomobiles. Les batteuses travaillaient sur l'énergie générée par leurs moteurs. En XNUMX, il y avait déjà des charrues à vapeur en Angleterre. Le développement rapide du transport maritime et du commerce a entraîné la construction de canaux. Le plus grand d'entre eux était le canal de Suez, construit en 1859 par le Français F. Lesseps. L'appareil télégraphique créé aux USA par l'inventeur Morse se généralise. En 1826 Le premier pont suspendu ferroviaire a été construit. En 1783, les frères Montgolfier (France) créent une machine volante plus légère que l'air qu'elle déplace. Au début du XIXème siècle. le vélo a été inventé. Son prototype était un scooter ordinaire. Le Français Dinet a légèrement modifié le modèle et a appelé sa voiture un vélo, c'est-à-dire "le pied rapide". L'application pratique des «voitures en marche» a été trouvée en Angleterre - des postiers ruraux leur ont livré de la correspondance. Il y avait aussi d'autres innovations dans la vie humaine. La migration de la population a augmenté le volume de la correspondance. L'Anglais R. Hill a simplifié le processus d'envoi de la correspondance - il a introduit un tarif postal unique, quelle que soit la distance. Il a également introduit les premiers timbres-poste, qui ont été collés à l'enveloppe. 3. Vie spirituelle d'une personne Avec le développement de la civilisation, la vie spirituelle d'une personne a changé, l'intérêt pour l'histoire de sa famille, un genre, a augmenté. Mais seuls les riches pouvaient commander des portraits pittoresques. A ce moment, une photographie apparaît. En 1839, Louis Daguerre, artiste et physicien parisien, crée la première méthode de photographie. Le progrès technologique a apporté des changements importants dans les équipements militaires. Les armes à feu étaient largement utilisées. En 1803, le général anglais X. Shrapnel a créé un type de projectile explosif, qui a reçu le même nom "shrapnel". En 1862, le Suédois Alfred Nobel met en place la production de dynamite. L'une des caractéristiques de la civilisation industrielle était une forte augmentation de l'intérêt humain pour le monde qui nous entoure. Les bases d'un puissant essor de la science au début des temps modernes ont été posées par deux grands scientifiques - l'Anglais I. Newton (1642-1727) et l'Allemand G. Leibniz (1646-1716). Une révolution dans la science a été faite par le livre du scientifique anglais Charles Darwin (1809-1882) sur l'origine de l'homme. La méthode de conservation à long terme des produits a été inventée par L. Pasteur (pasteurisation). 4. Littérature. pensée publique. Musique. Mode L'homme a cessé d'être la mesure de toutes choses, comme il l'était au Siècle des Lumières. Le mouvement pour l'égalité des sexes se développe activement. L'influence de la religion sur l'homme s'est affaiblie. Dans un effort pour répandre le catholicisme, l'église commence des activités missionnaires en Europe, envoie ses représentants dans des pays lointains pour prêcher le christianisme parmi les peuples païens. L'objectif principal de l'activité missionnaire était dirigé vers: 1) Afrique ; 2) Indes orientales ; 3) Asie occidentale ; 4) Amérique. Les révolutions en Europe occidentale et en Amérique ont contribué à la conception au XIXe siècle. grandes orientations idéologiques : 1) conservatisme ; 2) libéralisme ; 3) socialisme. La grande révolution bourgeoise française a mis fin au siècle des Lumières. Écrivains, artistes, musiciens, poètes ont été témoins d'événements historiques grandioses, de bouleversements révolutionnaires. Beaucoup d'entre eux ont accueilli avec enthousiasme les changements, admiré la proclamation des idées d'Égalité, de Fraternité, de Liberté. Mais l'heure est à la déception. Des notes tragiques de doute sur la possibilité de transformer le monde sur les principes de la raison résonnaient dans la philosophie et l'art. Les tentatives de s'éloigner de la réalité et en même temps de la comprendre ont provoqué l'émergence d'un nouveau système de vision du monde - le romantisme. Dans les années 30. XNUMXème siècle de graves changements dans la société créeront les conditions de l'émergence d'une autre direction créative - le réalisme critique. Le romantisme a apporté à l'art non seulement de nouveaux thèmes et de nouveaux héros, mais les formes musicales changent également. Des compositeurs talentueux ont acquis une renommée mondiale: l'Autrichien F. Schubert (1797-1828), le Polonais F. Chopin (1810-1849). Les traditions musicales romantiques se sont développées plus avant dans l'œuvre de Giuseppe Verdi (1813-1901) : les opéras Don Carlos, La Traviata, Aida et Rigoletto lui ont valu une renommée mondiale. La mode a également changé. La Grande Révolution française l'a sérieusement influencé. La France élégante a commencé à porter des sabots et des bretelles en bois. En 1792, le bonnet rouge devient le symbole des Jacobins. Les robes étaient cousues à partir de tissus légers. En coupe, elles ressemblaient à une chemise allongée vers le bas avec un grand décolleté et des manches courtes. Au milieu du XIXème siècle. la mode féminine comprend des crinolines (une jupe froncée en forme de coin, dont la forme était soutenue par de minces cerceaux en acier). 5. Peinture, architecture et sculpture Dans les arts visuels, les idées de romantisme et de réalisme critique se répandent. Dans l'atmosphère pesante de l'Espagne au tournant des XVIII-XIX siècles. l'œuvre de Francisco Goya (1746-1828) s'est formée. Théodore Géricault (1791-1824), Eugène Delacroix et Honoré Daumier (1808-1879) se sont intéressés au monde intérieur d'une personne, à ses expériences. Les traditions réalistes dans les arts visuels sont fortement associées au nom de Gustave Courbet (1819-1877). Il y a eu des changements dans l'urbanisme, les équipements de construction - le métal, le verre, le béton sont largement utilisés. Les maisons sont de plus en plus hautes, les rues sont plus droites et plus larges. Pour chauffer les maisons, on utilise des cheminées - des poêles à large bouche et un tuyau droit. Les cheminées étaient chauffées au charbon ou au bois. A la fin du XVIIIème siècle. une lampe à huile avec verre est entrée dans la vie quotidienne, qui à partir du milieu du 50ème siècle. remplacé par du kérosène. Depuis la fin des années XNUMX. XNUMXème siècle l'éclairage au gaz est entré en service. De nouvelles usines, banques, immeubles d'habitation, gares, bibliothèques, salles d'exposition sont en construction. Au milieu du XIXème siècle. dans la conception des façades et des intérieurs, les formes architecturales classiques du rococo et du classicisme étaient souvent utilisées. Le classicisme s'est développé au début du siècle pendant la période de l'empire napoléonien. Elle se caractérise par des formes architecturales classiques : colonnes, frontons. Les compositions classiques sont nécessairement symétriques. En France, le classicisme était appelé le "style de l'empire", car il est laconique et monumental. CONFÉRENCE N° 25. Culture du XXe siècle 1. Caractéristiques générales de la culture Culture du XNUMXème siècle caractérisée par la polyvalence et la polyvalence. De nouveaux types d'art apparaissent - le body art, le graffiti, etc. Les moyens modernes de diffusion de la culture - la télévision, le World Wide Web - Internet se répandent. Il y a des migrations massives d'habitants du monde entier et il y a une intégration mondiale de la culture. Dans le même temps, deux tendances sont évidentes - l'unification de la culture et le développement des traditions nationales. 2. Éducation et sciences Dans le monde moderne, il existe différents systèmes éducatifs - du traditionnel (avec un large éventail de disciplines étudiées et des méthodes d'enseignement classiques) au spécialisé (avec un certain ensemble de matières et des méthodes innovantes). Les écoles privées sont très populaires en Occident. Dans le domaine de l'enseignement supérieur, les universités les plus prestigieuses se distinguent : 1) Oxford ; 2) Havard ; 3) Sorbonne et autres. Il existe une demande sur le marché du travail pour de nouvelles professions - programmeur, spécialiste du commerce et autres, ce qui nécessite leur formation et leur éducation. De nouvelles branches scientifiques se développent : 1) astronautique ; 2) génétique ; 3) chimie ; 4) chirurgie plastique ; 5) greffe d'organe ; 6) clonage, etc. 3. Musées. Film De grands changements ont eu lieu dans le domaine du cinéma. La véritable idole de millions de personnes est devenue une star hollywoodienne telle que Marilyn Monroe. Dans la seconde moitié du siècle, la culture pop est née, la vidéo domestique est apparue, la "révolution du magnétophone" a eu lieu. Les idoles de la jeunesse du monde entier sont Elvis Presley, le groupe "Beatles". 4. Peinture La peinture du XXe siècle est très diversifiée et est représentée par les principaux domaines suivants : 1) avant-garde (impressionnisme, modernisme, cubisme, fauvisme); 2) réalisme ; 3) pop art ; 4) art public, etc. Le terme "pop art" (en anglais "popular, public art") est né en Angleterre au milieu des années 1950. Lors des premières expositions des représentants de cette tendance, les principaux motifs et origines du pop art ont été découverts, tels que les bandes dessinées avec leur sérialité et leurs dessins simplifiés, la publicité commerciale accrocheuse et lumineuse. Dans les expositions de pop art, tout objet familier au spectateur pourrait être exposé dans la combinaison la plus impensable. L'artiste a utilisé des concepts reconnaissables, des objets. Une boîte de conserve naturelle à la sauce tomate (auteur E. Warhol) est devenue une sorte de carte de visite du pop art. Le pop art devient immédiatement célèbre outre-mer et devient très vite un symbole de l'art américain. Le terme « art pauvre » a été introduit en 1967 par le critique italien D. Celant. Les œuvres des maîtres de cette tendance ressemblent extérieurement à des sculptures abstraites, mais ici l'accent n'est pas mis sur les formes, mais sur les matériaux. Le spectateur voit l'image, et le maître joue avec les qualités purement physiques des choses. Lors d'une exposition d'hyper-réalistes ("super-réalistes"), le spectateur peut être confus : les tableaux peints avec de la peinture ressemblent exactement à des photographies grand format. Initialement, cette tendance s'appelait le photoréalisme. Le terme "hyperréalisme" n'est apparu que quelque temps plus tard (pour la première fois - dans un article de S. Dali). L'art corporel (eng. "art du corps") est une pratique artistique dans laquelle le corps humain sert de matériau. A l'origine du body art se trouve Yves Klein, qui expose dans les années 1950. ses "anthropes" - des toiles avec des empreintes des corps des modèles peints par lui. Une personne dans le cadre de cet art est privée non seulement d'individualité, mais également du statut d'être vivant. 5.Architecture Après 1945, les États-Unis sont devenus le leader mondial de l'avant-garde en architecture, où dans les années 1920 et 30. les architectes européens les plus éminents de la période d'avant-guerre, tels que V. Gropius et L. Roe, ont émigré. Cependant, dès la première décennie après la Seconde Guerre mondiale, les écoles d'architecture d'origine en Italie, dans les pays scandinaves, au Mexique, au Brésil et au Japon rivalisaient avec le style international des architectes américains. La direction principale du développement de l'architecture européenne de ces années était l'urbanisme. Les destructions de la Seconde Guerre mondiale (Rotterdam, Le Havre, Hanovre et d'autres villes) ont donné aux architectes l'opportunité de créer un type de ville fondamentalement nouveau. Les travaux de restauration ont été menés selon un plan unique : avec la délimitation des zones résidentielles, industrielles et publiques, des zones piétonnes et de transport dans les villes. L'exception est Le Havre, restauré en 1945-1950. sous l'impulsion d'O. Perret (1874-1954) selon le schéma d'urbanisme traditionnel du XIXe siècle. Au milieu des années 1950. les engins de chantier connaissent une véritable révolution. Les possibilités des matériaux modernes sont de plus en plus exploitées : 1) béton à parois minces ; 2) aluminium ; 3) plastiques ; 4) films synthétiques, etc. Depuis le milieu des années 1950. l'architecture de l'Occident est un monde hétéroclite et diversifié. Les représentants de la tendance originaire d'Angleterre - le brutalisme (italien brutale - "rugueux"), considérant que le contenu principal de l'architecture est la construction, ont fait étalage de la base constructive de la structure. En 1954, les autorités de Sydney, la plus grande ville d'Australie, ont offert un prix pour la conception du bâtiment de l'Opéra, pour lequel un cap dans le port de Sydney a été choisi. Plus de 200 spécialistes de différents pays ont participé au concours et la victoire a été remportée par le Danois Jorn Ution (né en 1918), alors peu connu. En 1966, Ution, après avoir connu de nombreux revers techniques et financiers, abandonna le projet. Mais le bâtiment a quand même été achevé grâce à l’ingéniosité des ingénieurs australiens et à une loterie publique qui a permis de récolter environ 100 millions de dollars pour la construction. Le 20 octobre 1973, le théâtre est inauguré. 6. Sculptures La sculpture se développe de manière profondément individuelle, de nombreux maîtres continuent d'incarner l'expérience des grands maîtres de l'Antiquité. L'œuvre d'Alberto Giacometti (1901-1966) était largement connue. Ses figures exorbitantes, minces et fragiles sont dépourvues de force et de passion. Ce sont des gens fantômes, saignés à sec par le temps tragique ("Walking Man", 1960). Un rôle particulier dans l'art du XXe siècle. joué par les soi-disant vitalistes (du latin vitalis - "vital") - des artistes qui, dans des images conditionnelles, symboliques et parfois abstraites, cherchaient à transmettre le rythme et la poésie de la vie. Les exemples les plus frappants sont les œuvres du sculpteur anglais Henry Moore et du maître roumain Constantin Brancusi (Brancusi, 1876-1957). A la limite, les formes généralisées des sculptures de ce dernier se distinguent par une clarté et une pureté frémissante ("La Muse endormie", 1909, "Table du silence" - dédiée aux victimes de la Première Guerre mondiale). L'appel à la sculpture était aussi naturel pour les cubistes. Dans les statues d'Osip Zadkine (1890-1967) - originaire de Russie, la forme vit sa propre vie. Les figures sont composées de surfaces multidirectionnelles : tantôt convexes, tantôt concaves. Auteur : Konstantinova S.V.
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