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LIVRES ET ARTICLES Filmer comme au cinéma
Ils disent : « La vidéo est ce que voient les yeux, mais le cinéma est ce que voient l’esprit et le cœur. » Par conséquent, si vous avez besoin d'un réalisme extrême, filmez une vidéo à une fréquence de 50 champs par seconde. Si vous souhaitez exprimer une vision détachée et rêveuse de ce monde, seul un film tournant à 25 images par seconde peut le transmettre. Le film diffère de la vidéo non seulement par la fréquence d'images, mais aussi par des couleurs, un gamma (rapport de contraste), une plage de contraste et un grain complètement différents. Si vous voulez une image cinématographique, pourquoi s’embêter avec la vidéo ? La principale raison est bien sûr le besoin. Peu d'argent, beaucoup d'idées. Le film est cher, l'ensemble du processus de travail est coûteux et nécessite un grand professionnalisme à toutes les étapes du travail. D'où viennent les grosses sommes d'argent et le grand professionnalisme pour les cinéphiles débutants ? Il est beaucoup moins coûteux de tout filmer en vidéo, puis de le convertir dans un autre format, lui donnant un aspect plus cinématographique, et peut-être même de le transférer sur film. Il existe plusieurs façons de donner à votre vidéo un aspect cinématographique en filmant en DV, DVCAM ou HDV sans dépasser votre budget limité. Tout d’abord, l’approche du tournage lui-même doit être cinématographique. Cela demande plus de discipline, d’endurance et d’attention de la part des réalisateurs et des caméramans. Comme l’enseigne le maître cinématographique le plus expérimenté S.E. Medynsky, « l’opérateur doit être capable de ne pas filmer ». Le tournage, en raison du coût élevé du film, a toujours favorisé chez l'opérateur une approche respectueuse de chaque image. À cet égard, le cinéma s’apparente à l’art de la photographie. Chaque image doit être riche. Et dans le contenu, dans la composition et dans la palette de couleurs. L’avènement des caméras vidéo a considérablement corrompu les caméramans et a considérablement abaissé leurs normes. Le prix relativement bas du film vidéo a également réduit les exigences imposées au cadre. Pour vous rapprocher du cinéma, apprenez d’abord à filmer comme s’il vous restait les derniers mètres de pellicule dans votre appareil photo. La différence globale entre la prise de vue vidéo et cinématographique dans les méthodes de numérisation d'images. À un moment donné, l'image vidéo est toujours incomplète et se compose de bandes paires ou impaires. L'œil humain n'a pas le temps de voir cette moitié, pour nous, l'image se fond en une seule image vidéo entière. Il a un aspect plus lisse et plus réaliste que le tournage, privant la vidéo de toute touche de romance, d'au-delà, laissant derrière elle la prérogative de filmer des « feuilletons » entre quatre murs. Chaque image du film est pleine, donc le mouvement s'y produit par sauts. Ceci est particulièrement visible lors de la prise de vue avec une caméra vidéo à balayage progressif 25P. Une méthode de simulation d'images film avec une caméra DV consiste à filmer à des vitesses d'obturation lentes de 1/25 à 1/30 s. Certes, la résolution verticale sera réduite de moitié si vous êtes prêt à la sacrifier. Ou filmez en mode normal et, pendant le montage, appliquez l'effet de désentrelacement, simulant le mouvement du film. Cette dernière méthode est plus efficace et entraîne moins de perte de qualité, mais nécessitera beaucoup plus de temps de rendu et de traitement, et augmente également les exigences en matière d'équipement dur « et logiciel » du studio de post-production. Les meilleures possibilités de simulation de cinéma sont fournies par les caméras à balayage progressif, qui filment non pas 50 demi-images, mais 25 images complètes par seconde. Parmi les caméscopes, les Canon XL2 et Panasonic AG-DVX100 (tous deux au format miniDV), JVC GY-HD100/101 et GY-HD110/111 au format HDV sont réputés pour cela. Une différence majeure entre les caméras vidéo et les caméras de cinéma réside dans la plus grande profondeur de champ. Cela se produit parce que la matrice CCD des caméras vidéo est physiquement plus petite qu'une image de film de 35 mm ; la matrice est plutôt plus proche en taille d'une image de 8 mm. En conséquence, presque tout ce qui se trouve dans le cadre, au premier plan et à l'arrière-plan, est tout aussi bien mis au point avec la caméra vidéo. Cela limite grandement la créativité de l'opérateur. La faible profondeur de champ d’une caméra permet à l’opérateur, grâce à la mise au point, d’orienter l’attention du spectateur sur certaines zones du cadre, d’en souligner certaines et, au contraire, d’en ignorer d’autres. Dans certains cas, ce problème vidéo peut être résolu grâce à une utilisation habile de l’optique. Par exemple, faites une petite approche et ouvrez l'ouverture de l'objectif aussi grand que possible. Plus l’ouverture est grande, plus la profondeur de champ est faible. L'excès de lumière entrant dans l'objectif peut être compensé en utilisant des filtres à densité neutre. Ou, au contraire, vous pouvez utiliser la grande profondeur de champ d'une caméra vidéo comme technique cinématographique et utiliser largement la prise de vue en profondeur. Pour certains réalisateurs célèbres, cette technique est devenue une partie intégrante de leur style individuel, comme Jean Renoir, Orson Welles, Hou Hsao-Hsien, Abbas Kiarostami. Une autre caractéristique distinctive des caméras vidéo est qu'elles intègrent des caméras artificielles, c'est-à-dire amélioration logicielle de la résolution des images. Ceci est obtenu en augmentant le contraste lors des transitions du clair au foncé (et vice versa) afin que les bords des objets apparaissent plus nets. Curieusement, les téléspectateurs considèrent souvent une telle interpolation comme un reflet de la réalité plus fiable qu'un film. Bien qu'une caméra, comme l'œil, ne dessine pas les contours des objets. Sur les appareils photo dotés d'un réglage de netteté, en réduisant la netteté, vous pouvez ajuster le degré de cette amélioration artificielle des bords, adoucissant ainsi les contours et donnant à l'image un aspect plus cinématographique, et donc plus réaliste. Un effet similaire peut être obtenu en utilisant des filtres artistiques tels que Promist, Soft, Diffusion. Un ensemble idéal de tels filtres est proposé par la société américaine Tiffen. L'ensemble s'appelle Film Look DV Kit. Il se compose de quatre filtres :
L'éclairage joue un rôle fondamental au cinéma, comme en photographie. Le tournage de films et de vidéos a des exigences d'éclairage différentes. Les matrices de caméras vidéo réagissent à la lumière de manière complètement différente de celle des films. Une caméra vidéo a une plage dynamique plus étroite et la plage de luminosité est définie beaucoup plus précisément, tandis qu'une caméra vidéo peut distinguer des nuances beaucoup plus nombreuses et plus douces entre le blanc et le noir. La prise de vue vidéo a tendance à surexposer les zones lumineuses et à perdre des détails dans les zones sombres. De plus, l'amélioration logicielle des bordures dans ce cas ne fait qu'aggraver le problème : les zones exposées brillent d'une blancheur « électronique » impeccable. La fonction de passage piéton trouvée dans de nombreuses caméras de classe Prosumer aide à rectifier la situation dans une certaine mesure. Réglez sa sensibilité sur 100 IRE, quelques rayures zébrées sont toujours acceptables et même nécessaires, mais ne les laissez pas s'étendre sur de grandes surfaces. Si l'on parle de rendu correct des couleurs, l'utilisation de filtres ultraviolets et polarisants est absolument indispensable. Ils réduisent l'impact de la lueur du ciel bleu, donnant à l'image une pureté et une clarté là où sans eux, elle serait floue et terne. Une image vidéo paraîtra terne si la scène que vous filmez ne présente pas suffisamment de couleurs contrastées. Idéalement, il est souhaitable que dans chaque plan il y ait quelque chose de noir et quelque chose de blanc (mais pas trop blanc). Dans le même temps, vous ne pouvez pas surcharger la caméra vidéo avec du contraste, car sa plage de contraste est très, très limitée par rapport aux caméras argentiques. Par exemple, les négatifs de films 35 mm atteignent parfois un rapport de 1000 1 : 32, alors que dans les caméras vidéo, il est généralement limité à 1 : 10.000. Ces dernières années, les caméscopes professionnels d'un prix inférieur à 32 1 dollars sont devenus une fonctionnalité obligatoire de correction gamma, qui permet de configurer la caméra pour fonctionner avec des taux de contraste supérieurs à 2:1. Les caméscopes Canon XL100, Canon XL H1, Panasonic AG-DVXXNUMX et Sony HVR-ZXNUMX possèdent ces propriétés dans une plus ou moins grande mesure. Une lumière d'appoint, ainsi que toutes sortes de parapluies et de réflecteurs (réflecteurs), aideront à mettre en valeur les détails dans les zones ombragées du cadre. Les réflecteurs peuvent être, par exemple, une feuille de papier Whatman blanc ou un écran de projecteur blanc. L'essentiel est que l'éclairage soit utilisé judicieusement, non seulement en inondant de lumière, mais en faisant ressortir les sujets photographiés. Différentes intensités, directions et tonalités d’éclairage peuvent transmettre différentes ambiances et modifier considérablement le contenu artistique et sémantique du cadre. Publication : caméscope.ru
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