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LIVRES ET ARTICLES Erreurs de débutant lors du tournage d'une vidéo
Vous avez probablement entendu la blague d'un pilote qui a eu un accident parce que, alors qu'il conduisait la voiture, il a décidé d'éviter une collision en tirant le volant vers lui ? Le point de l'anecdote est que la personne n'a pas eu le temps de reconstruire sa conscience, s'étant retrouvée d'une situation à une autre, et ses réflexes habituels et sans erreur dans un domaine lui ont fait défaut dans un autre. Pour éviter les erreurs de tournage vidéo, une fois que vous prenez une caméra, vous devez restructurer votre conscience. En ce moment, vous n’êtes ni pilote, ni conducteur. Vous êtes vidéaste. Je vais donc commencer par le typique erreurs de débutant, montrant par contrastes comment un vidéaste doit penser et agir. Syndrome du tireur d'élite "Un tir, un mort". Film "Sniper" Une personne identifie une caméra vidéo avec une lunette de visée. Le plus important est de regarder l'objet à travers le viseur (aussi grand que possible), puis d'appuyer sur le crochet (bouton REC) - et vous pouvez mettre l'appareil photo dans le boîtier, ou viser une autre cible. Netouchki. Nous avons un objectif final légèrement différent : pas une tête d'orignal au-dessus de la cheminée, ni une tasse de tir de précision sur une étagère. L'image doit avoir du sens, le spectateur ne doit avoir aucun doute sur ce qu'il voit. Même le spectateur le plus lent devrait avoir le temps de voir n'importe quel événement ou objet dans le cadre (et de réaliser ce qu'il voit). N'associez pas le cadre à un plan, ce n'est pas vrai du tout. Un cadre est un mot ou une phrase petite mais significative. Ne l'avalez pas, ne le froissez pas. Il n’est cependant pas nécessaire de le retarder. Je ne conseille pas de cadrer une scène en moins de cinq à dix secondes ; le spectateur n’aura peut-être tout simplement pas le temps de comprendre ce qu’il voit maintenant. Soyez critique à l'égard du bougé de l'appareil photo ; de telles vibrations sont extrêmement inconfortables pour le spectateur. Il vaut mieux que le plan ne soit pas si grand, mais sans trembler. Syndrome "embrasser l'immensité" Vous avez sans doute vu l'intensité de la passion qui règne lors d'un talk-show ? Cris du lieu, expressions faciales des personnages principaux, réaction du public. Et tout cela est montré, le spectateur voit tout cela, rien ne manque. Wow, j'aimerais pouvoir... Pour ceux qui n'ont jamais assisté à de tels talk-shows, je vais vous le dire : le tournage s'effectue avec au moins cinq caméras (dont une sur grue et une sur rails), dans un un hall rectangulaire, proche du carré, éclairé uniformément par un grand nombre de projecteurs. Chaque cri sur place - s'il est intéressant, alors il est re-filmé, vous obligeant à crier à nouveau, cette fois dans un microphone et avec des caméras vidéo pointées vers l'angle le plus avantageux. Il y a un silence absolu dans la salle, tout le monde applaudit, siffle et tape du pied. Voulez-vous toujours rivaliser dans l’art de la photographie de reportage avec une telle équipe ? Ou peut-être qu’ils ne savent pas travailler ou ne savent pas compter l’argent ? Eh bien, si vous voyez comment ils préparent le tournage de chaque image sur un plateau de tournage, comment ils passent des heures à installer les lumières et à poser les rails pour la caméra, comment il y a deux personnes debout devant chaque caméra (l'opérateur et le personne chargée de la concentration, en argot - " magicien") - alors la conclusion viendra d'elle-même : Vous devez immédiatement imaginer vos forces et ne pas essayer d'embrasser l'immensité. Acceptez qu'en n'ayant qu'une seule caméra vidéo, très médiocre d'un point de vue professionnel, vous ne pourrez jamais donner au spectateur une image complète de l'événement qui se déroule ; il ne verra jamais tout ce qui s'est passé et n'entendra pas tout. cela a été dit. Recherchez le plus caractéristique, le plus intéressant en tout cas, et ne mettez pas la barre plus haut que la tête. Tenter, par exemple, lors d'une excursion en kayak, d'enregistrer ne serait-ce qu'une petite partie de l'itinéraire « tel quel », conduira simplement au fait que vous manquerez de tout le film le soir du premier jour. Vous ne devez pas enregistrer chaque minute du parcours, mais créer chez le spectateur le sentiment qu'il l'a parcouru avec vous. Kayaks à la surface de l'eau. Les visages tendus d’un membre de l’équipage. Rames, vagues écumantes.. Le visage fatigué du commandant, examinant les environs. Rives flottantes à proximité couvertes de pins. Des pêcheurs vous font signe depuis le rivage. Le bateau à la traîne rattrape la caravane, celle-ci est quasiment invisible à cause de la distance. Vous pouvez entendre votre partenaire dire que l'itinéraire de la journée sera bientôt terminé. Toujours le rivage, les pins, les rames et les visages tendus. À travers tout cela, la proue du kayak apparaît soudainement sur le sable et le spectateur aperçoit une marmite au-dessus d'un feu. Deux minutes de tournage en bonne et due forme, et vous disposez déjà du minimum requis pour une histoire. Passez encore dix minutes à essayer de capturer des plans particulièrement expressifs (interviews, scènes de la vie quotidienne, quelques beaux paysages de soirée et natures mortes de randonnée), qui coloreront considérablement votre film - et allez vous coucher, ramez à nouveau demain :). Bien entendu, tout ce qui est dit ici est vrai pour le tournage d'un film-mémoire de voyage, et non pour un cours vidéo sur la réalisation du parcours. Syndrome de l'abreuvoir de pelouse Une personne munie d'une caméra, se trouvant à l'épicentre d'un événement, choisit la manière la plus logique, lui semble-t-il, de plonger le spectateur dans l'atmosphère de ce qui se passe. En déplaçant constamment la caméra d'avant en arrière comme un arroseur de pelouse, il pense laisser le spectateur tout voir. Il semble que tout soit correct, car il suffit, une fois à l'épicentre de l'événement, de jeter un regard d'avant en arrière, et tout devient clair pour nous, et sans aucune gêne pour la perception. Le regard humain, après quelques secondes de déplacement, est capable de transmettre à son propriétaire toutes les informations nécessaires sur la scène dans laquelle il se trouve. Mais « l'arroseur de pelouse » oublie que, recevant des informations de ses yeux, il sait déjà où il a tourné la tête, où il a déplacé ses pupilles. Le spectateur, qui regarde la photo de quelqu'un d'autre sur l'écran, doit passer plus de temps à déterminer exactement où pointe la caméra. La caméra vidéo ne doit pas être équipée de méthodes de concentration accessibles aux humains. Tout mouvement de caméra doit être clair pour le spectateur. Le mouvement doit soit correspondre complètement au mouvement de l'objet principal d'attention, soit se déplacer suffisamment doucement pour que le spectateur ait le temps de comprendre où se déplace exactement son regard. De plus, tout mouvement de la caméra doit être justifié, c'est-à-dire qu'après avoir commencé à filmer un événement, pour changer d'angle ou de plan, il faut trouver une raison justifiée et logique qui puisse être justifiée dans le langage ordinaire et quotidien sans aucun charabia professionnel. syndrome du spectateur de théâtre - Allons au théâtre ! - Oui, qu'est-ce que tu es ? Trois heures pour regarder le plan général ? Vieille blague de vidéaste L'un des moyens « d'embrasser l'immensité », selon les débutants, est la technique efficace suivante : s'éloigner de l'événement filmé, regrouper tout ce qui se passe dans une seule image. À peu près comme cela est représenté dans les peintures «Le dernier jour de Pompéi» ou «L'apparition du Christ au peuple». Un tel plan, en soi, a sans aucun doute le droit d'exister, mais l'opérateur ne soupçonne pas (ou ne pense pas) au fait que, par exemple, le tableau « L'Apparition du Christ au peuple » occupe la taille du mur. de la cathédrale, et il y a toujours un guide à proximité qui décrira en détail chaque personne représentée sur l'image, en se concentrant sur les détails caractéristiques. Par conséquent, il ne faut pas supposer qu'en insérant tous les objets dans le cadre, nous donnerons au spectateur une histoire intéressante. Le vidéaste devra jouer lui-même le rôle de guide touristique. Avec votre caméra vidéo. Si vous ne pouvez pas voir quelque chose dans le viseur (comme une expression faciale), alors le spectateur ne le verra probablement pas non plus. L’une des principales compétences d’un vidéaste est d’imaginer ce que le spectateur verra finalement à l’écran, en faisant abstraction de ce qui se passe réellement. Syndrome de la pelle ambulante Si nous examinons attentivement de nombreux films tournés par des professionnels, nous constaterons que très souvent la caméra sur scène vit sa propre vie. Se déplace lentement entre les personnages principaux, vole parallèlement à l'itinéraire de leur mouvement, les dépassant parfois, les laissant parfois passer devant. Habituellement, un débutant essaie inconsciemment d'imiter de tels vols, en essayant de marcher en douceur avec la caméra tout en filmant un événement important. L'effet est complètement opposé à celui du cinéma. Pour des raisons tout à fait objectives, le corps humain ne peut pas rivaliser en termes de fluidité de mouvement avec une caméra vidéo avec des appareils spéciaux très coûteux, tels qu'un Steadicam, une grue à caméra ou un chariot sur rails. En règle générale, une telle vidéo semble avoir été filmée depuis la cabine d’une excavatrice araignée, écrasant de la boue de carrière à pleine vitesse. Au lieu que le spectateur s'abstrait de la personnalité de l'opérateur et regarde une scène intéressante sous les angles les plus expressifs, il devra au contraire constamment s'identifier à la personnalité de la personne qui, pour une raison quelconque, l'empêche de regarder. ce qui se passe normalement. Si vous devez vous déplacer pendant le tournage d'une vidéo (à ne pas confondre avec tourner la caméra ou zoomer et dézoomer), il est conseillé de le faire le plus rapidement possible. Lors du montage, découper un petit morceau d'une image qui saute sauvagement est sensiblement plus facile qu'une longue tentative d'approcher en douceur un nouveau point avec l'appareil photo, et il existe des moyens de découper ce fragment de manière totalement indolore pour le scénario. Si cela est absolument nécessaire (par exemple, interviewer une personne qui marche), photographiez uniquement sous l'angle le plus large possible (en vous éloignant le plus possible), les vibrations ne seront alors pas aussi perceptibles. On prend l'appareil photo en main En mâchant bien vos aliments, vous aidez la société Par analogie avec les armes, après avoir étudié la partie matérielle et avant de commencer le tournage proprement dit, découvrons comment tenir correctement la caméra vidéo. Laissons immédiatement de côté l'option "on prend l'appareil photo dans la main droite, et avec la main gauche on tient un cocktail, un téléphone portable, une petite amie, une laisse avec un chien". Si vous envisagez de filmer une vidéo de cette façon, pourquoi prendre la peine de lire cet article ? On tient la caméra à deux mains, les coudes posés sur le corps. Il n'y a généralement pas d'alternative pour la main droite : les fabricants supposent qu'elle est facilement fixée à l'appareil photo avec une sangle, que le bouton REC est sous le pouce, que le levier ZOOM est quelque part à proximité, peut-être que le bouton d'exposition est à proximité. La main gauche doit généralement soutenir la main droite ou le corps de la caméra vidéo par le bas, et si les boutons décrits ci-dessus (exposition, mise au point) sont à proximité, leur utilisation tactile ne devrait causer aucun inconvénient. Utiliser l’écran peut paraître tentant, cependant, je vous conseille de faire attention à quelques points importants :
L'écran est un élément indispensable lorsque vous utilisez l'appareil photo dans des angles non standard (soulevez l'appareil photo au-dessus de votre tête dans une foule, accroupissez-vous et prenez la photo du bas, etc.), mais vous ne devez pas l'utiliser tout le temps. Vous devez immédiatement vous assurer que seules les informations dont vous avez réellement besoin sont affichées dans le viseur de l'appareil photo, mais vous ne pouvez décider lesquelles d'entre elles dont vous avez besoin et lesquelles vous n'en avez pas besoin avec de la pratique. Je vous conseille de désactiver immédiatement le signal sonore dans le menu de l'appareil photo lorsque vous démarrez/arrêtez l'enregistrement, si vous envisagez de vous lancer sérieusement dans un tournage vidéo, cela servira à une plus grande concentration d'attention, et d'un autre côté, cela ne le fera pas. donnez une raison inutile pour embarrasser la personne que vous filmez. En même temps, éteignez la lumière rouge sous la lentille (si présente). Apprendre à cadrer correctement Les cadres décident de tout! Le mot « cadre » est déjà apparu à plusieurs reprises dans cet article, et le moment est désormais venu de parler de la notion de cadre. En vidéographie, ce mot a plusieurs significations, qui varient selon le contexte de son usage.
Pour le moment, nous parlons d'un cadre spécifiquement comme d'une image visible à l'écran. Le but de cette partie de l'article est d'apprendre à prendre des photos correctes et expressives afin qu'à tout moment du tournage de votre vidéo, le spectateur voie une image qui ne provoque pas d'inconfort interne en raison du fait qu'elle est mal affichée. Les lois du cadrage – la construction correcte d’un cadre – ont été découvertes bien avant l’avènement de la photographie et du cinéma. Les découvreurs de ces lois furent les architectes et les peintres des premières civilisations connues de l’humanité. Les lois du cadrage approprié sont étrangères aux tendances de la mode, à toutes sortes de nouvelles visions de l’art, etc. Les lois du cadrage correct sont les lois de la psychologie de la perception humaine, inhérentes à nous par nature, vous ne devriez donc pas chercher une raison d'innover là où il n'y en a pas et ne peut pas l'être. Le centre de l'écran, qu'il ne faut pas toucher, mais avec lequel il faut compter Regardons l'écran. Les caméras vidéo offrent généralement à l'utilisateur le choix entre deux options : filmer dans un format avec un rapport hauteur/largeur de 4:3 (un tel matériau convient à l'affichage à la télévision) ou 16:9 (pratique pour la visualisation sur des écrans plasma modernes, etc. ). Qu’est-ce qui attire involontairement l’attention dans n’importe quel cadre ? Il n’est pas nécessaire d’essayer de surprendre qui que ce soit avec une réponse originale : les psychologues ont résolu ce problème depuis longtemps. Une psyché humaine correctement structurée dans un cadre s'intéressera toujours à son centre.
Cela signifie-t-il que tous les objets intéressants du cadre doivent être placés au centre ? La réponse sera inhabituelle. Non, les objets principaux du cadre ne peuvent pas être placés au centre ! Ils mettront trop de pression sur notre perception et créeront un inconfort. Cependant, la direction du mouvement dans le cadre, la direction de la vue (des sujets principaux) doit aller du bord vers le centre. À propos du concept de « toujours », « impossible » et d'autres déclarations dogmatiques dans cet article Il n’y a rien d’interdit ou d’impossible dans l’art. Il faut donc critiquer les mots « toujours », « jamais », « seulement ». Habituellement, ils doivent être lus comme « afin d'obtenir l'effet souhaité »... (ci-après le même « impossible », « toujours » catégorique, etc.). Prenons donc du recul par rapport au récit de manière catégorique et notons que le non-respect des règles crée également un sentiment chez le spectateur. Comme indiqué ci-dessus, placer l’objet au centre de l’écran crée une gêne. En utilisant correctement la violation des règles, nous pouvons créer l'atmosphère souhaitée de ce qui se passe à l'écran. Voulez-vous donner au spectateur le sentiment d’être sous le regard sévère d’un enquêteur ? Positionnez le visage de l'enquêteur directement au centre de l'écran afin qu'il regarde directement l'arête du nez du spectateur. N'abusez pas de cette technique, mais ayez-la dans votre arsenal. Ainsi, placer le sujet directement au centre du cadre crée une gêne.
Malgré l'expression assez neutre, voire quelque peu amicale, de votre visage, vous devriez ressentir un certain inconfort. Atavisme inhérent à nous par nature : un regard direct est une expression de menace. Nous ne comprendrons pas la nature de ce phénomène ; il suffit d’observer une meute de chiens, de singes ou de « grands-pères » de caserne pour comprendre que le phénomène existe, et il faut tenir compte de cet effet dans notre travail. Expérimentons maintenant avec la ligne de mire, sans la laisser traverser le centre de l'écran.
Eh, que se passe-t-il? Où regarde la fille ? En déplaçant la direction du regard au-delà de l’écran, nous avons créé de la tension et de l’anticipation chez le spectateur. Dans le plan suivant, nous justifions l'attente du spectateur en montrant que la jeune fille allumait une lampe posée sur le sol. En violant les règles de perception confortable de la psyché humaine, les professionnels créent ce qu'on appelle un « accent », c'est-à-dire une place dans le récit où il est possible de changer le rythme et le mode de présentation ; créer de la tension avant un événement soudain. Si vos vidéos n'impliquent pas de choquer le spectateur, un changement brutal de rythmes et d'ambiances, mieux vaut ne pas enfreindre les lois, vous verrez, elles le seront elles-mêmes, sans votre participation :) La règle de la "section d'or" Encore une règle qui découle directement de « l’Enseignement du Centre de l’Écran ». Où doivent être placés les objets, sinon au centre de l’écran ? La réponse vient de temps immémoriaux, lorsque les architectes et les peintres ont découvert le nombre d’or. Regarde l'image:
Chaque ligne qui traverse l'écran le divise en deux parties. De plus, l’une des parties a une superficie exactement deux fois plus grande que l’autre. Deux lignes verticales et deux horizontales, quatre points d'intersection. Voulez-vous que vos clichés ne provoquent pas de rejet psychologique chez le spectateur (peu importe ce qui y est représenté) ? Essayez de placer les objets principaux le long de ces lignes et points, en gardant à l'esprit les vues et les mouvements. 1/3 et 2/3 sont utilisés comme des nombres faciles à retenir, très proches du « nombre d'or » dans la version à proportions harmoniques ; une définition plus précise (sans rapport avec cet article) n'est pas difficile à trouver par vous-même.
La capacité d’insérer les objets principaux dans le « nombre d’or » est l’un des arts qu’un vidéaste doit maîtriser. Veuillez noter que pour vous entraîner à construire le « nombre d'or », vous n'avez pas besoin de regarder constamment dans le viseur de l'appareil photo ; vous pouvez vous entraîner à tout moment et n'importe où, en imaginant simplement comment vous cadreriez les images que vous voyez devant vous chaque jour. vie. Lancer mentalement la grille du nombre d’or sur n’importe quelle scène vous donnera un bon entraînement. Pendant le tournage, vous rencontrerez souvent des situations où (pour diverses raisons) le sujet principal commence à sortir du cadre. Maintenant, il a violé les proportions du nombre d'or, maintenant il est déjà à la limite... Que faire ? Si vous filmez un match de football, la réponse est évidente : essayez de dribbler le ballon et le groupe de joueurs autour de lui et, plus loin, les compétitions sont généralement filmées afin que le spectateur puisse savoir exactement qui, à quelle seconde, avec quel pied. .. etc. Si quelque chose d'important se produit dans les coulisses (combien de temps faut-il pour marquer un but ?) - bien sûr, la valeur de votre tir diminuera immédiatement et fortement. Mais parle-t-on de photographie artistique ? Alors réfléchissez-y : une scène dans laquelle le héros court jusqu'au bord du cadre, puis le spectateur voit le mouvement convulsif du vidéaste pour l'empêcher de « s'échapper »... Mon (et pas seulement mon) avis c'est que la scène digne d'être admirée est déjà terminée, et à ce moment-là où le héros a franchi la frontière non pas du cadre, mais a seulement détruit sa composition. Ce qu'il faut faire? Exactement au moment de la destruction de la composition ? Si vous ne parvenez pas à ajuster le cadre de manière fluide et discrète pour le spectateur, vous avez deux options :
Lors d'un tournage de reportage, lorsqu'il n'y a pas d'ordre fixe de tournage et que vous ne pouvez pas exiger que la scène soit rejouée, vous devrez constamment réfléchir à la manière de compenser un changement inattendu dans la composition du cadre que vous n'aviez pas prévu. Lors d'un tournage mis en scène, bien sûr, vous devrez simplement rejouer la scène, mais si cela n'est pas possible ? Si vous n'êtes pas seulement vidéaste, mais vidéaste - c'est-à-dire une personne qui réalise un produit vidéo complet, alors la recherche constante de solutions dans ce domaine vous accompagnera constamment sur votre chemin créatif. Laisser l'objet hors de vue, l'accompagner ou rechercher de toute urgence la prochaine image - le choix vous appartient. Publication : www.ixbt.com
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