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LIVRES ET ARTICLES Utilisation de plans dans l'enregistrement vidéo
Sans préparation préalable (notre article est plutôt consacré à des aspects pratiques plutôt qu'à des aspects théoriques), nous oserions dire que si pendant une partie significative du matériel vidéo nous ne devions admirer qu'un seul plan (regardez les quatre images ci-dessus et choisissez n'importe lequel un) - nos yeux vont s'ennuyer . Dans le premier arrêt sur image, nous voulons regarder de plus près dans les yeux des personnages et voir l’endroit où ils se regardent de manière si touchante. Dans l'arrêt sur image 2 - voir les doigts du styliste flotter sur les cheveux de la fille, dans l'arrêt sur image 3 - voir la mariée complètement en robe de mariée... L'arrêt sur image 4 est incompréhensible, je veux voir l'endroit où se trouve la bougie, qu'est-ce que c'est se passe à proximité. Même une vidéo aussi spécifique que, par exemple, un match de football, l'équipe de tournage essaie de la montrer non pas dans un plan général ou à longue portée (afin de ne pas rater les mouvements rapides et imprévisibles du ballon), mais de diversifier constamment la séquence vidéo. avec des projets plus grands. Les visages tendus des joueurs et de l'entraîneur sont montrés dans des situations non critiques, ainsi que les émotions sur les visages des supporters. Si vous montrez l’intégralité du match d’un seul coup, en quoi cela sera-t-il différent du fait d’être assis dans les tribunes ? Nous allons maintenant parler des plans et dans quel ordre il convient de les montrer au spectateur. Notre tâche est de rendre le matériel aussi confortable que possible pour la visualisation. Alors, commençons par introduire une classification des plans par taille. N'oublions pas que dans la grande majorité des cas, la mesure de tout ce qui se passe dans le cadre est une personne, nous ferons donc toute la classification par rapport à la personne. Donc: plan détaillé Ce que nous voyons dans le cadre, c'est le détail, le détail. Une main, une chaussure, une bougie ou un bouton de serrure de porte. De nombreux vidéastes négligent ce plan, certains délibérément, d’autres non. Après tout, pour obtenir de telles photos, vous devez vous approcher du sujet à bout portant ou photographier avec un grossissement suffisamment élevé, c'est-à-dire lutter contre les tremblements des mains, retenir votre souffle, etc. Mais ce plan détaillé est nécessaire.
Une première illustration, et pas simple à la fois. Mais il faut s'y habituer, il n'y aura pas de solutions faciles dans un tournage réel. Les détails sont affichés à droite et à gauche. A gauche, ce détail est constitué de morceaux de lunettes cassés, et pas du tout de jambes d'une personne sur fond flou. C'est grâce à la mise au point que nous nous sommes assurés que ces fragments constituaient l'objet principal du cadre. Dans le deuxième cadre, le portrait sur la coupe n’a d’autre signification qu’esthétique. On voit bien qu'une coupe est représentée, et c'est là le détail. La vidéo, contrairement à la photographie, n’a pas une résolution excessive. Si, sur une bonne photo en pied d'une personne, vous souhaitez soudainement regarder la marque de la montre à son poignet, veuillez, absolument sans perte de qualité, agrandir l'image sur le moniteur plusieurs fois. Dans la vidéo, hélas, la résolution de l'écran ne le permet pas. Même avec une légère augmentation à l'aide de programmes d'édition, l'image perd en clarté, devient floue et se divise en pixels individuels. Si vous pensez que vous aurez besoin de détails pour raconter pleinement l’histoire d’un événement, filmez les détails. De tels plans. De tels projets sont particulièrement importants pour une personne dont le type socionique peut être considéré comme une personne sensorielle, c'est-à-dire habituée à tout toucher et à tout ressentir. Comprendre la texture du matériau permettra à ces téléspectateurs de s'immerger davantage dans ce qui se passe à l'écran. Fermer Où serions-nous sans gros plans ? C'est en eux que se trouvent les émotions, l'expression du regard. Vous pouvez regarder une personne dans les yeux et voir beaucoup de choses. Si l'on choisit une personne comme critère, en gros plan, le visage occupe tout l'écran. Il est possible de voir une partie du cou, du col, mais pas la poitrine. Ce plan convient aux personnes dont le type socionique peut être qualifié d’éthique. Les émotions et les sentiments sont importants pour une personne. Et nous n'avons pas le droit de l'en priver.
Pour réaliser un tel cliché, il ne faut pas rapprocher l'objectif de votre visage, il est préférable (dans des limites raisonnables) d'utiliser un grossissement. Lors d’une prise de vue à bout portant en grand angle, le visage d’une personne s’allonge davantage vers l’appareil photo et les traits du visage sont déformés. Le cas le plus grotesque - rappelez-vous le voisin de Shpak, quand Ivan Vasilyevich la regardait à travers le judas de la porte (puisque nous sommes « de service » - cela ne ferait pas de mal de se souvenir de ce moment du film « Hot Shots », quand une croix -un cadet aux yeux pleins dans les rangs regarde à bout portant le méchant sergent qui le gronde). Bien entendu, filmer un tel plan est également assez difficile. Une difficulté particulière pour un vidéaste amateur, voire professionnel, mais travaillant dans le genre reportage (quand il est difficile d'utiliser un trépied, pour des raisons tout à fait objectives) réside dans deux choses - le tremblement naturel de la main, qui affecte lors de la prise de vue avec un grossissement notable. , et que même un léger mouvement de la tête ou des épaules du sujet suffit à faire perdre le cadre. Et nous vous rappelons que montrer une telle image pendant moins de cinq secondes, à de rares exceptions près, est inutile. La classification des plans dont nous vous parlons n'est pas notre invention, toute l'école nationale du cinéma et de la télévision est construite sur elle. Cependant, il existe une autre classification de plans, par exemple Hollywood. Il existe des plans tels que "portrait", "moitié", "lait", "génération". La base est la même grossièreté, mais les étapes de gradation, comme nous le voyons, sont légèrement différentes. Nous ne nous y attarderons pas en détail, notons seulement que ces plans ne sont pas aussi évidents que leur nom semble l’indiquer. Si vous décidez de lire des œuvres occidentales sur l'art de la caméra, gardez cela à l'esprit, la classification des plans est généralement discutée. Premier coup moyen
C'est exactement ainsi que, selon les psychologues, nous voyons habituellement notre interlocuteur lorsque nous lui parlons à une distance confortable pour la communication (un pas et demi à deux). D’environ « longueur de poitrine » à environ « longueur de taille ». C’est ce qui se trouve entre ces « approximativement » et est généralement appelé le premier plan médian. Deuxième coup moyen
Si une personne est vue en dessous de la taille, mais au-dessus des genoux, c'est ce qu'on appelle le deuxième plan du milieu. A cette distance (on parle maintenant de la distance à l'œil nu, sans grossissement, ou vice versa, optique grand angle), la motricité d'une personne, l'enchaînement de ses mouvements, gestes et expressions faciales de base sont clairement visibles. D'une telle distance, vous pouvez regarder une personne sans craindre de lui causer une gêne. Déterminez vous-même le type de personnes qui, toutes choses égales par ailleurs, préféreront de tels plans, rappelons seulement que « différents plans sont nécessaires, différents plans sont importants ». Plan d'ensemble
Dans le plan général, un personnage en pied occupe presque tout le cadre verticalement, avec des variations raisonnables. Cette photo est idéale pour montrer le cercle restreint des personnages principaux. Soulignons particulièrement pour les opérateurs débutants : cette photo ne saute généralement pas dans le viseur lui-même. Pour capturer un tel plan, il faut s'éloigner. Nous vous conseillons vivement de faire cet effort, la variété des plans est essentielle pour un bon film. Plan lointain
Oui, il n’y a pas de limite aux extrêmes. Ce plan est destiné à montrer tout ce qu'un spectateur extérieur verrait s'il se trouvait sur les lieux de l'événement. La figure humaine occupe une partie insignifiante de l'écran ; elle n'est nécessaire que pour comprendre l'échelle ; il n'est pas nécessaire de parler d'expressions faciales ou d'expressions faciales. Mais la logique comprendra immédiatement où, à quelle période de l'année et du jour se déroule l'événement dont l'histoire est racontée. Il est clair que pour filmer un plan d'ensemble de la scène d'action (sinon ce ne serait qu'un paysage), le pauvre caméraman devra s'éloigner assez loin. Nous vous assurons que votre triste travail ne sera pas vain, de tels plans à temps et sur place sont le lot des films professionnels, et le spectateur l'appréciera. Plans alternés Oui, en effet, pourquoi avons-nous autant écrit ? Si le nombre d’or est toujours utile, alors pourquoi une si longue histoire de projets ? Le lecteur averti a probablement déjà réalisé que peu importe la façon dont vous pointez la caméra, vous obtiendrez une sorte de plan. Comme dans l’histoire bien connue du fils d’un sujet turc : Ostap, faisant les seuls mouvements possibles, répéta la défense de Felidor, à son insu. Comme indiqué ci-dessus, le spectateur s'ennuiera de n'importe quelle image vidéo si elle ne change pas dans un laps de temps assez court (5 à 10 secondes). Non, bien sûr, l'événement peut être aussi intéressant et important que vous le souhaitez, et il peut être très difficile de s'arracher à l'écran, mais le cadre deviendra ennuyeux. Notre regard cherchera de nouveaux détails de la scène, mais il n’y a aucun détail. Pas de vidéo redondante. Si nous montrons une scène d’une fille tendant une tasse à un nomade (l’image est juste au-dessus), alors même si vous plissez les yeux, même si vous appuyez votre visage contre le moniteur, vous ne verrez pas les détails. Et essayer de regarder au-delà du bord de l’écran ne servira à rien. Aucun plan dans la vidéo ne peut être autonome, même pendant une courte période. Donc ? Les plans doivent être modifiés. Changer les images d’une vidéo s’appelle le montage. Ça arrive intra-trame иintertrame. Intratrame - c'est lorsqu'un changement de plans et d'angles est effectué en déplaçant la caméra ou en déplaçant des objets au cours d'une scène, sans arrêter la prise de vue. Intertrame - c'est le moment où le spectateur voit l'image suivante capturée par une autre caméra, ou par la même caméra, mais après avoir changé l'angle ou le plan. Les deux types de montage sont nécessaires à leur manière et bons à leur manière ; parmi les maîtres d'art reconnus, il y a des apologistes des deux types de montage. Par exemple, Spielberg préfère le montage inter-images, niant le mouvement de la caméra en tant que tel, et Sokurov a tourné le film acclamé « L'Arche russe » en une seule prise, sans éteindre la caméra un seul instant. Notons que la plupart des réalisateurs ne réfléchissent pas à l'extrême vers lequel aller et utilisent le montage inter- et intra-frame comme outils d'expression de leurs idées, sans aucune implication idéologique. Maintenant, nous parlons seulement de l'ordre dans lequel nous allons changer les plans de notre film. Notre objectif n'est donc pas de vous pousser longtemps à deviner la bonne réponse : les cinéastes ont autrefois cherché la réponse à cette question pendant très longtemps. Ceux qui souhaitent profiter pleinement de la méthodologie de recherche et des expériences passionnantes d’Eisenstein et Kuleshov se référeront au livre «Montage» de Sokolov. Nous vous assurons que si vous avez aimé le processus de tournage vidéo, alors la lecture de cet ouvrage ne sera pas superflue. Nous, cher lecteur, vous donnerons simplement la bonne réponse. Donc: Modification par taille Le même objet ne peut pas être représenté sur des plans différents, à moins qu'ils ne soient espacés les uns des autres. Les exceptions sont les connexions « distant - général » et « détail - grand ». Schéma:
Selon ce schéma, nous pouvons montrer au spectateur la scène et les personnages aussi longtemps et de manière complète que nous le souhaitons. Le sens général de cette loi est de montrer au spectateur un changement dans l'image afin qu'il ne s'ennuie pas, mais de ne pas le faire trop brusquement. Deux questions auxquelles nous allons répondre, car après avoir lu attentivement et essayé de comprendre, vous ne pouviez vous empêcher de les poser : R : Que signifie "non" ? Je vais le prendre et le faire ! Q : Bravo ! C'est juste qu'à l'endroit où vous enfreignez cette loi (et d'autres dont nous parlerons ici) à la jonction de deux trames, un accent va surgir, un inconfort de perception à court terme. Il y aura une sensation de décalage dans le temps, un saut brusque. Bien sûr, un film (ou, par exemple, un clip vidéo) sans accents est impossible, mais ils ne doivent pas être réalisés là où le récit est continu et n'implique pas de violer l'intégrité et l'harmonie de ce qui se passe. R : Nous voyons souvent dans les films comment cette loi est violée. Par exemple, lors du tournage d'un dialogue, on voit alternativement l'un ou l'autre personnage en gros plan, et tout est perçu confortablement. Q : Nous parlons de montrer le même objet. On peut montrer des objets sans rapport sans tenir compte de cette loi, il s'agit du même objet. Aucune des lois dont nous parlons n'agit seule, seule la vidéo, qui ne contredit pas toutes les lois données ici, ne provoque pas d'inconfort lorsqu'elle est perçue. Si nous montrons une personne marchant dans une allée de parc ou une fille assise à une table, alors toutes les 5 à 10 secondes environ (en fonction de la dynamique de la scène et du rythme du récit), le plan doit changer pour que le spectateur ne m'ennuie pas. Selon cette loi, nous pouvons montrer notre héros dans toute sa splendeur. Installation dans le sens du mouvement et de la vue Le même objet ne peut pas se déplacer dans deux frames adjacentes dans un sens ou dans l’autre. Cela semblera également inconfortable si le héros filmé regarde dans une direction dans une image et dans une autre dans une autre. Ici, pensons-nous, il n’est pas non plus nécessaire de s’attarder sur la réponse à la question « pourquoi ? ». Parce qu'il est impossible dans la vie de contourner instantanément quelqu'un et de le regarder du côté opposé. Cela ne se produit pas ainsi, ce qui signifie que notre psychisme n’est pas prêt à de telles perceptions. Nous répondrons aux questions que se posent les débutants lorsqu'ils tentent de mettre en œuvre cette loi en photographie : A : Que devons-nous faire si nous avons deux belles images où l'objet se déplace dans un sens ou dans l'autre ? Ou si l’objet dont nous avons besoin doit être montré des deux côtés ? Un cadre devra-t-il être jeté ? Q : Dans de tels cas, les professionnels utilisent les méthodes suivantes :
La description des principes de direction du regard lors du tournage de dialogues mérite une attention particulière. Lors du tournage d'un dialogue ou de tout autre type de communication, tous les plans consécutifs doivent être pris d'un seul côté de la ligne de communication. Nous espérons que nous n’aurons pas à expliquer longtemps la ligne de communication. Tracez simplement mentalement une ligne entre deux personnes qui communiquent. Pas un segment, pas un rayon, mais une ligne. Il ne doit en aucun cas être franchi lors du tir, sauf en utilisant les trois méthodes décrites ci-dessus. En suivant cette règle simple, nous obtiendrons immédiatement plusieurs propriétés distinctives de notre vidéo, qui aideront le spectateur à percevoir confortablement ce qu'il voit. Si un personnage regarde toujours à droite, alors l’autre regarde toujours à gauche. Et vous n’aurez jamais l’impression que les gens qui se parlent regardent quelque part dans une direction, l’un par-dessus l’épaule de l’autre. Dans le même temps, la psyché humaine identifie les côtés droit et gauche avec la position et l'attitude du héros ; sauf en cas d'absolue nécessité, il ne faut pas les traverser, même en utilisant les méthodes décrites ci-dessus : le spectateur aura le sentiment d'un changement de point de vue, gêne d'un des participants à la conversation. Montage par phase de mouvement L'image suivante de la scène doit continuer la précédente en termes de phase de mouvement. L’exemple le plus classique habituellement utilisé pour démontrer le principe est celui de deux plans de soldats en marche. Dans l'un, nous voyons comment les jambes droites sont descendues, dans l'autre, nous voyons comment elles tombent au sol. Il est probablement inutile de souligner que dans la vidéo, les soldats ne devraient pas perdre leur rythme à ce stade. Et la jambe qui a été abaissée dans la précédente devrait descendre dans la deuxième image. Le cinéma est une grande force : en regardant une vidéo qui n'est pas en phase avec le mouvement, les ouvriers du bâtiment, héréditaires, peuvent devenir hystériques. La même règle : ne pas casser le rythme - doit être appliquée à toute vidéo dans laquelle les mouvements notables ont des phases clairement visibles. Notons également : grâce à cette loi, il est possible d'atténuer les violations indésirables d'autres lois sur l'installation. Par exemple, une transition par la phase de mouvement masque assez bien la violation de la loi de la grossièreté. Dans une image, nous voyons le personnage principal se balancer dans le premier plan moyen, et au moment du mouvement de sa main, nous changeons le plan en plan long (nous devons montrer où volera la pierre libérée de sa main). Montage par Luma et Chroma L'image suivante de la scène ne doit pas présenter de différences notables de luminosité et de couleur. Tout changement de luminosité et de couleur doit se produire progressivement. D'une part, tout est clair : la fluctuation de la luminosité et de la couleur dans le cadre ne doit pas provoquer d'irritation (pensez à la correction de l'exposition, que nous avons préconisée dans le chapitre sur les boutons de l'appareil photo), mais d'un autre côté, comme toujours des questions se posent : R : Le héros entre dans une pièce sombre depuis une rue éclairée. Nous ne voulons pas mettre l’accent sur une forte insistance ; au contraire, nous voulons montrer l’entrée du héros dans la maison simplement comme l’une des étapes sur le chemin, par exemple, vers la télévision. Que dois-je faire? Un saut de luminosité est sûrement inévitable ? Q : Oui, inévitable. Il existe plusieurs techniques pour adoucir ce saut (notez que toutes ces techniques sont également appropriées lors de la jointure de cadres selon toutes les autres règles ; nous espérons que vous lisez attentivement cet article et que vous essayez non seulement de mémoriser, mais aussi d'analyser les informations reçues ).
Comme on peut le constater, tous les principes de montage ont pour objectif principal de réduire l'inconfort lors du passage d'une image à l'autre. En analysant des frames spécifiques et en découvrant ce que vous n’aimez pas exactement, vous pouvez découvrir d’autres règles. Quelques notions plus importantes. Les bonnes manières d'un vidéaste Le moment est venu de terminer cet article ; il s’est déjà avéré nettement plus long que prévu initialement. Nous nous risquerons à donner quelques éléments supplémentaires que les débutants doivent savoir au hasard. Pourquoi de manière non systématique ? Premièrement, ils sont de toute façon faciles à retenir. Deuxièmement, l’explication des raisons « pourquoi ceci et pas autrement » peut se faire de deux manières. Il faut beaucoup, beaucoup de temps pour expliquer et amener le lecteur à la réponse, ou simplement rappeler que la vidéo doit être facile à lire, des règles simples en découlent. Puisque nous avons déjà terminé « deuxièmement », passons peut-être à ces choses-là. Donc: Règle de quarante-cinq La règle elle-même est très simple. Lors de la prise de vue du même sujet ou de la même scène, deux images consécutives ne doivent pas être prises sous le même angle par rapport au sujet. Il est hautement souhaitable de décaler le point de prise de vue de manière à ce que l'angle entre eux s'approche de 45 degrés. Dans le même temps, toutes les autres règles connues doivent également être respectées. Qu’obtient-on avec cette règle ? Changer la taille du cadre ne ressemblera pas à un zoom avant ou arrière instantané sur l'objet, ce qui, comme nous l'avons déjà dit, entraîne un effet indésirable. Dans la vraie vie, cela ressemble à ce que nous avons montré dans le diagramme ci-dessous.
Ne pensez pas que nous dessinons si mal. Les deux images schématiques dans le coin supérieur droit de l’image sont une désignation standard des personnes lors de la création de storyboards au cinéma. Deux faisceaux de lignes divergeant du bas de l'écran - deux caméras avec les angles de prise de vue indiqués. Malgré le primitivisme évident, on peut déterminer sans équivoque que deux petits hommes se tiennent debout (ou marchent, dans ce cas, cela n'a pas d'importance) dans le coin inférieur gauche de l'écran. Nous n’avons pas du tout séparé arbitrairement les deux postes de tir. Note:
Évitez les mouvements de caméra répétitifs Lorsque les opérateurs tentent d'effectuer un montage intra-image (et, dans le langage courant, de décorer d'une manière ou d'une autre un événement parfois tout à fait ordinaire), nous voyons très souvent l'image suivante : après un panoramique ou un jeu de zoom avant et arrière, l'opérateur revient au cadre. à partir duquel la caméra a commencé à bouger, presque dans le sens inverse. Il y a eu une approche – immédiatement, la caméra commence son chemin de retour. Il y avait un virage à gauche – maintenant il y aura un virage à droite. Dois-je prouver maintenant que cela est inconfortable pour le spectateur ? Nous ne le ferons pas, croyez-moi sur parole. Cela ne fonctionne pas du tout lors d’un tournage vidéo mis en scène, mais qu’en est-il du reportage ? Nous devons revenir au même point, l'enfant (ou le chien, ou n'importe qui) court en rond. Nous avons fait une approche afin de montrer un détail important, il est temps de revenir au plan général, il se passe là quelque chose de très important, le spectateur ne peut pas rester longtemps dans le noir... Alors, qu'est-ce qu'on va faire?
Agitez la main (oui, il existe une telle méthode). Tenez le plan plus longtemps pour que le spectateur ait le temps d'oublier exactement à quoi ressemblait le précédent, puis revenez sereinement au précédent. Donner à vous-même et au spectateur une pause par rapport aux personnages principaux À la moindre violation des lois d'installation, cela se produit... C'est vrai, vous avez déjà appris le contenu de cet article. Et imaginez accomplir cette tâche (sans laisser le spectateur ressentir le moindre inconfort lié à la violation d'une loi) avec toute la diligence requise. On vous l'assure, il sera très difficile de filmer la scène la plus triviale. Et remplir un épisode de deux minutes d'actions significatives selon toutes les règles est une tâche pour une équipe de tournage professionnelle. Quelles astuces existe-t-il pour cela ? Il en existe deux types : les professionnels dignes et les professionnels indignes. Commençons par les indignes : Cadres fractionnés « flash » ou, à l’inverse, conduire dans l’obscurité. C'est acceptable lors de la création d'une œuvre dans un genre tel qu'un clip vidéo (dans ce genre, pour une raison quelconque, presque tout est considéré comme approprié. Ne prenez jamais de clips vidéo comme exemple pour apprendre !), mais très souvent, un tel « travail » peut aussi être vu à la télévision, dans les programmes de style MTV ou Fashion. Ne vous fixez pas pour tâche de choquer et d’étourdir le spectateur : compte tenu des conditions de tournage qui se présentent au quotidien, vous aurez déjà un grand nombre d’incohérences. Il existe de meilleures façons : À utiliser interruptions. Un personnel neutre et sans lien direct avec les acteurs contribuera beaucoup au changement. Par exemple, lorsque vous montrez des dialogues intenses et des personnages se déplaçant dans votre décor, ils manqueront souvent de cadre. Les moments où « il n'y a pas de cadre » ou où il ne correspond pas aux canons dans sa direction et sa taille peuvent être remplacés avec succès, par exemple par des spectateurs à l'écoute. Bien entendu, les vues sur la nature coloreront considérablement le film sur la randonnée. Gardez à l'esprit que pendant le montage, vous pouvez insérer des images filmées non pas avec des mains tremblantes de fatigue ou avec une respiration rapide, mais un peu plus tard, au repos. Publication : www.ixbt.com
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