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LIVRES ET ARTICLES Les petites astuces du gros montage
Commun Script peu clair ? Vous n’avez pas d’idée, donc vous ne savez pas par où commencer le montage ? Faites une sélection des meilleurs, à votre avis, plans, moments, phrases. Nommez-les et triez-les. Ce temps, en tout cas, ne sera pas perdu. Ces plans vous seront toujours utiles et, au cours du processus de sélection, beaucoup de choses deviendront peut-être claires pour vous. Planifiez vos heures de travail. Essayez de ne pas reporter la partie créative la plus difficile à la fin de la journée de travail. Il n'y a que quelques heures pour la créativité - puis l'esprit s'essouffle et commence à exiger une pause, continuant à travailler de manière purement mécanique. Commencez le montage avec les meilleurs plans et les scènes fortes, cela créera une bonne ambiance pour le montage. Mais rappelez-vous : il n’y a jamais trop de bons plans. Par conséquent, lorsque vous sentez qu'ils touchent à leur fin, vérifiez s'il y a suffisamment de matériel pour les fragments restants du film, de la vidéo, du clip. Il se peut que vous ayez déjà fait tout le travail et que les pièces qui ne contiennent pas assez de bon matériel doivent simplement être jetées. Il est toujours préférable d’abandonner une partie d’une œuvre ratée plutôt que de tout mettre en péril. Si vous souhaitez vérifier la qualité de votre travail, ne demandez jamais au spectateur de préciser immédiatement son ressenti en désignant ce que vous pensez être un fragment problématique. Même un professionnel se considère d'abord comme un spectateur - il ne faut pas le confondre. Si quelque chose offense le spectateur, découvrez exactement quoi et à quel endroit. Qu’est-ce qu’il n’a pas compris ? Analysez les raisons de ce qui s'est passé secondairement. Le sentiment général de votre travail est bien plus important que les détails. Gestion du temps Afin d'accélérer une scène d'action (par exemple un combat ou une poursuite), effectuez des coupes de mouvement en les faisant légèrement avancer en phase. Ainsi, une partie du mouvement est consommée, ce qui est totalement invisible pour le spectateur, mais en général, toute l'action devient nettement plus rapide. Ainsi, dans les films, même les cascadeurs incompétents deviennent des as. Et vice versa, si vous voulez que le spectateur regarde longtemps la scène pour laquelle le plus d'argent a été dépensé, rembobinez un peu les coupes. C'est la technique préférée de tous les réalisateurs hollywoodiens. TOUTES leurs explosions sont éditées de cette façon. Et l’un des moyens les plus courants de sauter une longue période de temps est de passer brièvement à d’autres personnages et à un autre endroit. Autrement dit, le héros quitte la maison le matin et nous passons à sa petite amie, qui fait ses courses à ce moment-là. Après cela, nous pouvons revenir au personnage principal lorsque la journée de travail bat déjà son plein. Pour passer rapidement d'une scène à une autre, placez par exemple un « patch » sous la forme d'un plan avec une vue générale de la ville. Ce n’est pas une technique très élégante, mais cela ne l’empêche pas d’être largement utilisée dans la plupart des séries télévisées, même les plus prétentieuses. Mais essayez quand même de mettre une sorte de plan ayant un sens comme un patch - une horloge, un coucher de soleil ou quelque chose comme ça. En utilisant un montage court, vous pouvez compresser de manière tout à fait significative des périodes de temps arbitrairement longues. Dans notre exemple, le héros ferme la porte de l'appartement/sa copine met un achat dans le panier, le héros monte dans la voiture/la fille remet l'argent à la caissière, le héros klaxonne dans un embouteillage/la fille met les achats dans le panier. Ainsi, après avoir passé quelques secondes, nous avons montré une heure entière de la vie des héros, et en même temps nous avons pu raconter en détail ce qui leur est arrivé et comment. Colles Pour masquer un collage pas très réussi, masquez-le avec du son, en réalisant ce qu'on appelle le collage oblique. Autrement dit, assemblez d’abord la vidéo, puis l’audio (ou vice versa). L'essentiel est qu'il y ait une distance entre eux, au moins plusieurs images. Par exemple, lors du montage d’une interview, ne coupez pas exactement en fonction des mots. Si le collage est grossier, le spectateur remarquera probablement que vous avez coupé le locuteur au milieu d'une phrase. Laissez la fin de la phrase chevaucher légèrement le plan adjacent - cela semblera plus naturel. Si vous avez besoin de rester ensemble, mais qu'il n'y a pas de plans nécessaires, vous devrez alors mettre en place ce qu'on appelle un « patch » ou une « interruption ». C'est-à-dire une photo prise depuis un autre endroit, par exemple lors du tournage d'un concert - il s'agit généralement du public. Cette approche semble toujours impolie. Essayez de ne pas élaborer un tel plan seul. Si vous envisagez d'y mettre un patch, faites semblant que cela devrait être le cas - rassemblez plusieurs de ces plans, comme si vous décidiez de montrer quelque chose de très important, en plus de l'action principale. Lorsque vous placez de courtes « interruptions »/« patchs », essayez de capter n'importe quel mouvement, même le plus petit et le plus imperceptible, sur l'écran - un clignement, un geste de la main ou un changement de posture. Cela aidera à donner vie à la scène la plus ennuyeuse. Plus la différence entre les tailles des plans collés est grande, mieux l'écart dans la localisation des personnages, leurs poses, etc. est masqué. La technique suivante a sauvé les créateurs de clips vidéo plus d'une fois. Pour masquer un collage incorrect ou un effet infructueux, transformez-les en geste d’auteur, en prétendant que c’était ainsi prévu. Pour ce faire, répétez cette technique plusieurs fois de suite après un court laps de temps. Cela ne fonctionne pas dans tous les cas, mais dans les clips ou les publicités, cela fonctionne souvent. Le spectateur de telles formes est prêt à expérimenter et perçoit favorablement quelque chose d'inhabituel. Cependant, rappelez-vous : Pour briser les règles classiques de pose, il faut bien les connaître et être capable de les appliquer. Plus le collage est effectué souvent, plus le mouvement doit être évident et clair et plus l'objet est grand. L’œil humain perçoit d’abord le mouvement lui-même, puis considère de quoi il s’agit exactement. Sonner Le directeur du montage doit souvent recourir à la « sale synchronisation ». C’est-à-dire un son recouvert d’un bruit étranger. Cela arrive souvent lors de tournages à l'extérieur du pavillon. Même si ce bruit est à peine audible en arrière-plan, il peut être très gênant. Même un ingénieur du son expérimenté ne peut pas toujours y faire face. Par conséquent, rappelez-vous que le bruit s'entend principalement lors des pauses entre les mots - supprimez-les et les bruits parasites ne seront plus aussi perceptibles. Et parfois, vous pouvez « combler » les bruits inutiles avec de la musique. Le bruit actif supprime les bruits plus faibles. Par exemple, cette technique fonctionne bien si vous interviewez dans un endroit bondé. Même si la voix de l’orateur est TRÈS forte, vous entendez toujours d’autres voix que vous écoutez involontairement, en essayant de comprendre ce qu’elles disent. Ceci est distrayant et interfère avec la perception de l'information. Il suffit d'allumer une musique de fond légère pendant les paroles et le bruit sera perdu. Vous devez souvent synchroniser deux fragments. S'ils contiennent tous les deux la même piste audio, l'un des moyens les plus simples consiste à les assembler dans un montage (sur la timeline) et à les déplacer l'un par rapport à l'autre. Dès que l'écho disparaît, les pistes sont synchrones. effets Pour rendre l'effet d'apparence (rideaux, volet, flyout) plus naturel, ne laissez pas son réglage linéaire (uniforme). Par exemple, dans Avid, tout effet possède une fonction d'accélération standard. Lorsqu'il est activé, l'effet perd son aspect strictement mathématique. Autrement dit, le rideau ne s'étend plus uniformément, mais à une vitesse variable, comme s'il était déplacé par une main humaine. Si une telle fonction n'existe pas, vous pouvez configurer l'effet manuellement en changeant le graphique coordonnées-temps d'une ligne droite à une courbe sinusoïdale (semblable à un « S » inversé). Une petite ligne noire (bordure) ajoutera toujours de la clarté à n'importe quelle bordure, augmentant la lisibilité des titres et des graphiques, séparant clairement une vidéo d'une autre, par exemple lors de l'utilisation de l'effet image dans l'image. L’utilisation d’un effet de fondu visuel donne à la scène une sensation douce et ralentit l’action, lui donnant une ambiance lyrique. Tout effet de transition (fondu, volet, poussée, console) rembobine le temps. L'effet de type « image dans l'image » souligne bien le parallélisme de l'action, c'est-à-dire le fait que différents événements se produisent en même temps et dans des lieux différents. L'effet de conversion d'une image en mode noir et blanc vous permet d'augmenter sa clarté et sa profondeur. L'œil humain est plus sensible à la luminosité qu'à la couleur d'une image, cette technique est donc utilisée pour souligner les détails et masquer les erreurs de l'opérateur. Très souvent, dans ce cas, l'image vidéo est « floue » et « blanchie », mais cela peut être corrigé en augmentant le contraste et la luminosité. L'effet de plongée en couleur interrompt l'effet. Par conséquent, il est utilisé dans les interviews pour souligner la fin d'un sujet, d'une pensée ou d'une phrase, et dans les bandes-annonces de films pour créer une impression de diversité des lieux et des événements dans le film annoncé. L'apparition d'un titre ou d'un graphique sur l'écran intercepte l'attention du spectateur et le distrait de l'image principale. Ne mettez pas de sous-titres sur une belle vidéo, déplacez-les plutôt vers une pièce ennuyeuse. Rythme Faute d'expérience, il est parfois difficile de prendre le rythme du montage. Essayez d'abord de monter des plans de même longueur. Parfois, ça aide. Si vous éditez de la musique et doutez de votre sens du rythme, activez la fonction d'affichage graphique de la piste audio (exemple de tracé) et éditez en fonction des pics sur le graphique. Comme d'habitude, le rythme y est clairement visible. Auteur : Maxim Bukhteev ; Publication : mabuk.ru
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